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À bas: Un lion Shisa japonais, et un détail de La naissance de Venus de Sandro Botticelli.
Le art est le procès ou le produit délibéré de l'organisation des éléments en une forme que fait appel aux sens et aux émotions. il obtient une ample gamme d'activités humaines, de créations, et de façons de se exprimer, champs où se comprend entre d'autres, la musicienne , la littérature , le cinéma , la sculpture et la peinture . La signification de l'art est explorat en une branche de la philosophie connue comme esthétique.
La définition et avaluació d'art déjà atteint être spécialement problemàtica avec les innovations introduites à partir du siècle XXème. Richard Wollheim distingue trois approches:[1]
- le réaliste , en le qu'est-ce que la qualité esthétique peut être une valeur absolue indépendante de n'importe quel point de vue humain;
- le but, que même si est une valeur absolue, aussi depèn de l'acquis humain;
- la relativista , secondes lequel n'est pas une valeur absolue, mais que depèn et il varie avec l'acquis humain d'accord avec la diversitat des êtres humains.
Un objet peut être caractérisé pour les intentions de son creador, ou pour l'absence d'elles, independentment de son propos apparent. Une tasse, que apparemment peut être usée comme un recipient, il peut être envisagée une oeuvre d'art si se destine exclusivement comme un adorn, alors qu'un tableau aussi peut être envisagé art si se fabrique en série.
Traditionnellement, le concepte d'art a été utilisé pour se rapporter à n'importe quel habilité ou mestratge. Ce conception a changé pendant la période romàntic, quand l'art a atteint être vu comme "une faculté spéciale de l'esprit humain pour être classés au côté de la religion et la science ".[2] En général, l'art se fait avec l'intention de stimuler les pensées et les émotions.
La nature de l'art a été décrit pour Richard Wollheim comment "un des plus difficiles des problèmes traditionnels de la culture humaine".[3] S'a défini comme un véhicule pour l'expression ou la communication d'émotions et idées, un moyen pour explorar éléments formels que apprécie pour son propre bien, et comme mimesi ou représentation.[4] Lion Tolstoi identifiait l'art comme un usage de moyens indirect parce que se communiquât une personne avec autrui.[4] Benedetto Croce et R.G. Collingwood promulguent la vision idealista que l'art exprime des émotions, et que l'oeuvre d'art, donc, essentiellement, il existe en l'esprit du creador.[5][6] La théorie de l'art comme forme a ses racines en la philosophie de Immanuel Kant, et il va être développée en le siècle XXème pour Roger Fry et Clive Beau.[4] L'art comme mimesi ou représentation a profondes racines en la philosophie de Aristote.[4] Plus récemment, les pensadors influencés pour Martin Heidegger ont interprété l'art comme le moyen pour le qual une communauté développe pour si même un moyen pour l'expression et l'interprétation.[7]
Table de contenus |
Art et Beaux-arts
L'art est l'application du habilité et du goût à la production d'une oeuvre deuxièmes principes estètics. Le concepte d'Art va associé au concepte de oeuvre d'art.
Aussi l'art est l'acte ou la faculté en intervenant lequel le homme imite ou il exprime et il crée en copiant ou fantasiejant, cela que est matériel ou immaterial, en faisant servir la matière , l'image , le son , la expression corporal, ou, simplement, en incitant la imagination d'altri.
Et aussi, l'art est l'ensemble des Beaux-arts ou chacune d'elles. Les six Beaux-arts sont: la poésie , la architecture, la sculpture, la peinture , la musicienne et la danse . L'architecture, la sculpture et la peinture constituent le groupe des arts plàstiques. ce sont généralement acceptées aussi les suivantes arts: le septième, le cinéma , le vuitè, la photographie , et le novè art, le comique .
Origine et categorització temporelle
Le mot art vient du latin ars que signifiait métier, connaissance tècnic ou habilité en la réalisation d'une tâche autant manuelle comme intellectuelle. Ars était la traduction latine du terme grec, tecné, que a évolué en restreignant sa signification en le sens de technique.
Le concepte art est occidental et il a évolué en adoptant différentes significations deuxièmes l'époque et le conception filosòfica. À occident s'a dictaminat que c'était et que ce ne était pas susceptible d'être dénommé art. Cela que en un moment a été envisagé comme barbare en le sens d'aliè et ne civilisé après a rentré aux vitrines des musées, surtout à partir du siècle XIXème. Avec fréquence occident a varié l'utilité des produits que a envisagé artistiques. Les musées descontextualitzen ces "oeuvres d'art", ne seulement aux oeuvres que s'avaient envisagé foranies comme une màscara de la Afrique subsahariana mais aux oeuvres propres comme les murals d'églises romanes en des musées modernes. Objets que anteriorment avaient une fonction rituelle, mística ou religieuse passent à être des objets analysés, étudiés ou admirés. Souvent, c'est la propre descontextualització celui qui permet voir l'objet comme artistique.
À la France du siècle XVIIIème, le salon comporte un phénomène que deviendra imparable: la oeuvre d'art reste desvinculada des mecenes traditionnelles, l'aristocràcia et l'église; chaque coup plus, ce sera l'artiste qui est-ce qui décide le contenu et la forme de ses créations.
En cette époque s'ont écrit trois livres que s'envisagent les constitutifs des trois disciplines que disposent pour objet d'étude l'art:
- Johann Joachim Winckelmann, Histoire de l'art à l'antiquité, 1764; pour le que fait l'histoire de l'art
- Denis Diderot, Salons, 1759 - 1781; pour le que fait la critique de l'art
- Alexander Baumgarten, Esthétique, 1750 -1758; pour le que fait la esthétique
en Prenant comme motif d'étude les objets des artistes occidentaux, Tatarkiewicz soutient que l'art éprouve une transfiguració radicale que s'initie au siècle XIXème et nous porte à l'état actuel. En première instance y avait un art conformista que prétendait élaborer des objets beaux plus qu'innovateurs et ceux-ci ne prétendaient pas déranger au spectateur mais obtenir son approbation. Après ce procès se cherchera l'innovation et la provocació devant la beauté ou le consens.
en Continuant la thèse de Tatarkiewicz, jusqu'à atteindre l'art actuel s'ont passé différentes étapes: le moment de l'artiste rebelle Poe et ils vont Gogh sont des artistes que agissent contre le goût établi et de façon individuelle; lors de l'artiste militant, les artistes s'organisent en des groupes comme les simbolistes ou les impressionnistes mais no plus remportent une acceptation publique; au siècle XXème se remporte la victoire des avant-gardes, l'artiste est celui que va au delà du goût établi, parce qu'aperçoit celui qui doit venir. Le surréalisme et le futurisme remportent le clímax de cette situation.
Déjà hors la thèse de Tatarkiewicz et desprès de la Deuxième Guerre Mondiale, le poids artistique de l'art occidental se déplace aux États-Unis. Les avant-gardes se multiplient et l'artiste remporte un grand degré de liberté. La critique est un factor essentiel pour la valoració d'une oeuvre d'art, mais impera le domaine des média. L'art plus que jamais est un objet mercantile.
Fonctions de l'art
Claude Lévi-Strauss distingue entre des fonctions motivées et ne motivées de l'art:
- Fonctions ne motivées
- Instinct d'harmonie et équilibre: en se basant sur le concepte d'Aristote de mímesi ou imitation, s'affirme que l'art cherche l'harmonie comme part de l'instinct humain
- Experimentació du mystère de la vie ou du pouvoir creador
- Expression de l'imagination.
- Communication universelle pour enveloppe des différences de chaque culture
- Fonctions rituelles et symboliques, comme tout l'art religieux
- Fonctions motivées
- Communication personnelle de l'artiste
- Entreteniment
- Changement politique ou social: historiquement toujours a coexistit l'artiste engagé, que voit son oeuvre comme un moyen pour changer la réalité ou modifier la conscience, et l'artiste que croit que l'art est autonome
- Art comme teràpia
- Art comme subversió, comme le graffiti.
- Art pour la propagande ou publicité
Art et esthétique
Secondes Arnold Hauser, les «oeuvres d'art sont provocacions avec lequel polemitzem plus que ne nous les expliquons. Les interprétons d'accord avec nos propres finalités et aspirations, lui les déplaçons un sens, l'origine de est en nos formes de vie et habits mentaux. Nous, de tout art avec lequel avons une relation véritable en faisons un art moderne».
Aujourd'hui jour, l'art a établi un ensemble de relations que permettent englober dedans une seule interacció l'oeuvre d'art, le artiste ou creador et le public receptor ou destinatari. Hegel, en son Esthétique, il essaya définir la transcendència de cette relation tout en disant que «la beauté artistique est plus élevée que la beauté de la natura, puisque change les formes il·lusòries de ce monde imperfet, où la vérité se cache derrière les falses apparences pour remporter une vérité une plus élevée créée pour le esprit».
Chercher la vérité dernière les apparences !, il peut y avoir une finalité une plus élevée et encisadora ?. L'art devient ainsi le perllongament de la action, puisque ne agit pas d'imiter ou de reproduire, mais que traduit une réalité metasensible tout en mettant le spirituel dedans l'acquis quotidien.
L'art est aussi un jeu avec les apparences sensibles, les couleurs, les formes, les volumes, les sons, etc. c'est un jeu gratuit où se crée du ne rien, ou de peu plus que le ne rien. Une apparence que ne prétend pas autre chose que nous tromper. c'est un jeu plaent que satisfait nos besoins éternels de symétrie, de rythme ou d'étonnée . L'étonnée que Charles Baudelaire envisageait comme l'origine de la poésie. Ainsi, secondes Kant, le plaisir estètic dérive moins de l'intensité et la diversitat de sensations que de la façon, en apparence spontanée, pour lequel elles manifestent une profonde unité, sensible en son reflex, mais ne conceptualitzant.
Pour le professeur Sir Ernst Gombrich, «L'art, en réalité n'existe pas. Tellement seulement il y a des artistes.». Plus endavant, en l'introduction de son oeuvre The Story of Art il nous dit que «il n'il y a pas rien de mauvais à quoi est-ce que nous delectem en le tableau d'un paysage parce que nous souvient notre maison ou en un retrat parce que nous souvient un ami, puisque comme des hommes que sommes, quand regardons une oeuvre d'art le faisons soumis au souvenir d'une munió de choses que pour bien ou pour mal influencent enveloppe nos goûts».
en Suivant le même Gombrich, nous verrons comme aux artistes aussi les succède une chose semblable: en le retrat de son fils Nicolau, le peintre flamand Rubens le représenta beau puisque sûrement se sentait fier de l'aspect de l'enfant et il voulait transmettre sa passion de père ensems que d'artiste; en le retrat de sa mère, Albrecht Dürer la dessina avec la même dévotion et amour que Rubens sentait pour son fils, mais ici se peut voir une étude fidèle du visage plein d'inquiétudes d'une femme vieille, il n'il y a pas de la beauté naturelle mais Dürer, avec son énorme sincérité, il va créer une grande oeuvre d'art.
Historiografia de l'art
Âge Ancien
Ancienne Grèce
À la ancienne Grèce: le mot Τεχνη (techne) signifie savoir faire quelque chose. Le terme fait référence à la capacité humaine pour faire n'importe quel objet. La capacité est la conscience des habilités et de règles ou techniques à employer. Inicialment le terme techne s'appliqua aux habilités manuels et aux arts industrielles. Secondes Plató le terme est applicable à la peinture, le brodé , la construction de bateaux, etc. Aristote parle déjà de techniques intellectuelles comme la oratòria. L'ambiguïté du terme grec est tel que quand Plató voulait se rapporter au grand art insistait à quoi est-ce que celui-ci n'est pas produit d'une technique apprise (techne) mais de l'inspiration . Pour Plató, l'origine de l'art est en le mite, le culte et les cérémonies rituelles.
Les premiers écrits avec des spéculations filosòfiques enveloppe l'art et son essence procèdent des anciens grecs, auquel aussi se doivent les premiers traités de technique et de perceptiva comme le Cànon de Policlet et autres oeuvres. En le siècle IVème aC Dures de Samos a initié le genre des biografies d'artistes. En le siècle IIIème aC, Jenòcrates de Sicione et Antígon de Caristos ont exposé un schéma historique et critique de la peinture et la sculpture en base aux critères de la mimesi aristotèlica, pour lequel chose présentaient l'évolution des arts comme une avance vers la perfection que eut son point en terminant avec le sculpteur Lisip et le peintre Fais appel. Les guides artistiques comme la de Eliodor d'Athènes et la Periegesis de Pausanias, ambdues du siècle IIème aC, ils constituent une des sources principales de connaissance de l'art en le monde grec. Pendant la période hel·lenístic s'initia le premier classement des arts en : arts communes et arts libéraux, secondes requissent de des habilités associées avec le effort físic ou à un effort intellectuel.
Secondes la tradition, avant de Plató, le matemàtic et filòsof grec Pitàgores en faisant vibrer une corde en tension ou monocord a remarqué comme se produisaient différents sons deuxièmes la longueur de celle-ci. En découvrant qu'entre les sons et les longueurs de la corde il y a une relation, les pitagòrics ont bâti la première théorie musicale. Les fraccions de la longueur d'une déterminée corde se dénommaient consonàncies: la vuitena, la quatrième , la cinquième , etc, et ses addicions ou multiplications. En le système de consonàncies se base de tout le système musical de la culture occidentale.
Le concepte grec de harmonie, secondes lequel le Ciel , la Terre , et la ésser humain sont soumis à une même Loi, la de le nombre , il donna de la place à tout une philosophie baser# sur le symbolisme et le misticisme des nombres. Ce conception cosmològica que était concernant la musicienne et la mathématique , ce fut une référence fondamentale de la culture à l'ancienne Grèce, ainsi avons que : Orfeu enchantait aux fauves avec sa musicienne, Anfiò bâtissait la muraille de Tebes au só de la lyre et Pitàgores impartia l'éthique en choisissant les modes musicaux appropriés pour porter à l'esprit vers la catarsi , se à dire, la purificació du corps avec la médecine et de la âme avec la musicienne.
Le monde Latin
En le monde Latin: le mot Ars, il veut dire : habilité, métier, connaissance de la technique; comment voyons, c'est un concepte pratiquement calcat du grec tecne. En le monde latin perdurà le concepte d'Aristote et avec le terme ars on désignait les arts libérales. De pareil forme les demeures envisagent ars : la grammaire , la logique , la magie , la astrologia, et autres. Avec le temps, l'évolution de la racine grecque (techne) a allé associée à la connaissance scientifique alors que la racine latine (Ars) s'a associé aux humanités.
À la ancienne Rome, l'Histoire Naturelle de Plini le vieux, les Mirabila de Pasiteles en le siècle Et aC ainsi qu'autres oeuvres, ils vont contribuer à diffuser les théories historique-critiques des filòsofs grecs que en la période hel·lenístic établissaient que Fídies représenta la cime de son passé artistique. Pensadors demeures comme Ciceró, Quintilià et autres, ils formulèrent des observations critiques d'intérêt enveloppe la sculpture et la peinture mais, en ensemble, l'apport de l'ancienne Rome à l'historiografia de l'art rau en la description des oeuvres et la transmissió des nouvelles et les connaissances deuxièmes les précédents grecs perdus.
En l'architecture, les demeures développèrent sa propre technique ainsi qu'une esthétique baser# sur les ordres classiques inspirée, en part, en la architecture grecque classique. Le fameux traité Les Dix Livres d'Architecture de Vitruvi fut le premier compte rendu de théorie et pratique de la architecture grecoromana. L'importance du traité de Vitruvi rau en le fait d'être l'unique d'architecture ancienne que nous a arrivé de forme íntegra. Vitruvi fut un arquitecte de deuxième niveau que exerça en l'époque de la République Romana, sa théorie est fort conservatrice et il n'a pas en compte les innovations de l'époque impériale. La paradoxa est que ce traité médiocre fut clef en la rénovation arquitectònica du Renaixement.
Âge moyen
À l'âge moyen les «arts communes» se revenir à valoritzar-se, se les dénomme comme «des arts mécaniciennes», mais ils continueront en ayant un papier subaltern respect des «arts libérales». La poésie n'était pas comprise en la àmbit conceptual de l'art, puisqu'un poète était envisagé un bard que composava les vers inspiré pour Dieu.
Pendant le bas âge moyen l'artiste individuel commence à avoir égard social, les artistes commencent à signer les oeuvres et quelqu'uns d'ils se font autoretrats en ses oeuvres comme le sculpteur Peter Parler que a fait un bust d'il même en une des portes de la cathédrale de Praga.
Pendant l'âge moyen, malgré s'ont écrit quelques guides pour pèlerins avec des descriptions enveloppe les trésors des églises et données enveloppe monuments et objets artistiques, la tradition historiogràfica de l'antiquité classique s'a interrompu. En forme isolée et marginale, la pensée médiévale enveloppe les arts et sa nature apparaît en des oeuvres que polemitzen contre les courants imperants, le plus excellé des quals fut la critique du art Roman pour Saint Bernat, que atteignit influencer en l'évolution de la architecture gothique avec le dénommé style du císter, une architecture sans ornamentació, où l'amplada gagne en dépit la levée de de les navires des églises.
La musicienne a sa propre histoire: L'oeuvre de Boeci (480 - 525), «D'institutione musicienne», il va tendre son influence en les siècles du grand âge moyen. En ce compendi de toutes les connaissances musicales de l'antiquité, depuis un point de vue matemàtic spéculatif se définissait la musicienne comme une science, ne comme un art. Le classement deuxièmes le modèle pitagòric en musicienne mundana, musicienne humaine et musicienne instrumentale fut commune pendant cette période.
Le Papa Gregori Et (540 - 604), juntament avec autres papes antérieurs ou arrière (malgré la tradition seulement le signale à il), il renouvela le chant litúrgic. Le document «Ordini romani» trouvé au Monastère de Saint Gail en un manuscrit du siècle IX, il décrit le cerimonial romà depuis le siècle VIème à l'IX , et en il s'attribue à l'ensemble de papes, commencés pour le cité Gregori Et, avoir organisé le cycle de chants pour toute la année. Le dénommé chant gregorià, ce fut ainsi, le premier ensemble sistemàtic de musicienne et le preludi de la notació musicale actuelle.
Balbulus Notker (830 - 912) et Hucbald de Saint Amand (840 - 931) ont fait servir les sept premières lettres de la alfabet latin pour distinguer les sons fondamentals. Des années plus tard, le moine benedictí Guido d'Arezzo (995 - 1050), il va résumer tous les apports et acquis antérieurs et il va résoudre le problème que supposait la dénomination des sons et la fixation de sa levée. Le nom des sept notes musicales, en les pays latins, dérive de la fameuse lettre au moine Miquel que citons:
- Si veux imprimer à la mémoire un son ou un groupe de sommeils que peux trouver en un chant n'importe qui - que te soit ou ne connu -, c'est nécessaire que remarques et tu souviennes bien le ton initial de chaque só que veux apprendre de mémoire; pour exemple, ce chant de je m'en sers pour enseigner aux garçons:
- «Ut queant laxis»
- «Resonare fibris»
- «Moira gestorum»
- «Faitmuli tuorum»
- «Seulvient polluti»
- «La biireatum»
- «Sancte Etoanes»
Excepte à France, Ut se transforma en Do aux pays latins, alors que au Europe Central s'a entretenu, avec quelques changements, la notació alfabètica.
Âge Moderne
Pendant le Trecento à Italie, les al·lusions de Dant à Cimabue et à Giotto, ou les de Petrarca à Simone Martini constituent le preludi du Renaixement. Pendant le Quattrocento florentí se formula une théorie et une historiografia d'accord avec la nouvelle pratique et mentalitat artistique. Le génère des «biografies d'artistes», oublié depuis l'antiquité classique se revient à cultiver : Cenino Cennini avec son Libro dell Arte, les Commentaire de L. Ghiberti et, surtout, les traités De la Peinture et De l'Architecture de L. B. Alberti, ce sont le témoin le plus éloquent de la profonde rénovation que le Renaixement a porté en le plan de la littérature artistique. Leonardo da Vinci en le Cinquecento a continué cette tradition théorique avec ses écrits et traités.
Les Vies (1550) de Giorgio Vasari constituent une oeuvre fondamentale que exerça une énorme influence en toute l'historiografia de l'art que se développe posteriorment. Les Vidas apportent une vision de conjointe enveloppe le Renaixement avec matisacions et précisions critiques que définissent les artistes et ses oeuvres.
En le Renaixement est généralisa la reconnaissance publique des artistes. Le art se sépara de la science et de l'artesania tandis que la position sociale des meilleurs artistes a amélioré notablement.
Au siècle XVIIIème la philosophie commence à parler de l'art en le sens en què aujourd'hui est compris avec nouvelles élaborations théoriques que consacrent la différence entre art et technique.
Si jusque bien rentrée l'Âge Moderne ne se consolide un terme comme des Beaux-arts, ni ils existent des institutions spécifiques, comme la Académie depuis Beaux-Arts de l'Institut de France est parce que jusque alors ne s'appréciaient les activités artistiques comme une chose indépendante. À partir des romàntics s'envisage qu'il il y a une racine commune à toutes les activités artistiques. Ce point de vue, que est le dominant en l'actualité, il n'exclut pas, mais que accentue l'ambiguïté propre du terme Art, puisque celui-ci désigne des objets et activités tellement plusieurs comment : une tombe etrusca, une église romane, une peinture rupestre, un duet musical, un poème de amour, une danse populaire, un pichet, un film des frères Marx etc.
Âge Contemporain
Références
- ↑ Wollheim (1980), op. cit. Essay VIème, pp. 231-39.
- ↑ Gombrich, Ernst. "Press statement où The Story of Art". The Gombrich Archive, 2005. Consulté le 18 janvier 2008.
- ↑ Richard Wollheim. Art and its objects, p. 1, 2ª édition, 1980, Cambridge University Press, ISBN 0521 29706 0
- ↑ 4,0 4,1 4,2 4,3 Jerrold Levinson, The Oxford Handbook of Aesthetics, Oxford university Press, 2003, p5. ISBN 0-19-927945-4
- ↑ Jerrold Levinson. The Oxford Handbook of Aesthetics, Oxford university Press, 2003, p. 16. ISBN 0-19-927945-4
- ↑ Point de vue de R.G. Collingwood, exprimé à l'oeuvre The Principles of Art. Voyez Wollheim, op. cit., 1980 pp. 36-43
- ↑ Martin Heidegger. "The Origin of the Work of Art". À Poetry, Language, Thought, (Harper Perenniel, 2001). Voyez aussi Maurice Merleau-Ponty, "Cezanne's Doubt", à The Merleau-Ponty Aesthetics Reader, Galen Johnson et Michael Smith (eds), (Northwestern University Press, 1994) et John Russon, Bearing Witness ton Epiphany, (State University of New York Press, 2009).
Bibliographie
- Wladyslaw Tatarkiewicz. Historia de seis ideas, Tecnos, Colección Metropolis, 1997, ISBN 84-309-1518-4
Voyez aussi
| Articles liés avec Art |
- Esthétique
- Beaux-arts
- Histoire de l'art
- Histoire de l'architecture
- Histoire de la peinture
- Histoire de la sculpture
- Histoire de la littérature
- Histoire de la musicienne
- Histoire du comique
- Histoire de la photographie
- Histoire du cinéma
Liens externs
- "Art and Play" du Dictionary of the History of ideas (anglais)
- In-depth, directori d'art (anglais)
- Art et archives d'artistes de la Smithsonian Libraries Collection (2005) Smithsonian Digitale Libraries. (anglais)
- Artforum magazine - online art reviews (anglais)
mhr:Сымыктышmwl:Arte
