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Renaixement

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Homme Vitruvià, étude des mesures humaines, de Leonardo da Vinci.

Le Renaixement est un nom que s'applique à l'époque artistique, et pour extension culturelle, que donne début au Âge Moderne et en què se reflètent les idéals du mouvement humanista que s'a développé à Europe le siècle XVIème. Le terme procède de l'oeuvre de Giorgio Vasari Vies de peintres, sculpteurs et arquitectes fameux, publiée le 1570 , mais jusqu'au siècle XIXème ce concepte ne reçoit pas une ample interprétation històrico-artistique.

Pourtant, Vasari avait formulé une idée déterminante, la nouvelle naissance du art ancien grec et romà, que pressuposava une marquée conscience historique individuelle, phénomène complètement nouvel en l'attitude spirituelle de l'artiste. De fait, le Renaixement rompt, conscientment, avec la tradition artistique de l'Âge Moyen, auquel qualifie, avec plein mépris, comme un style de barbares ou de verres. Et avec la même conscience s'oppose à l'art contemporain du nord d'Europe, que il est en train d'évoluer depuis l'art gothique.

Depuis une perspective de l'évolution artistique générale d'Europe, le Renaixement signifie une rupture avec l'unité estilística que jusqu'à eixe moment avait été supranacional.

Table de contenus

L'environnement historique

Histoire universelle
Prehistòria
Âge ancien
Mesopotàmia
Ancien Égypte
Antiquité classique
Âge moyen
Grand âge moyen
Bas âge moyen
Empire Bizantí
Âge moderne
c'était de l'exploració
Renaixement
Barroc
Il·lustració
Âge contemporain
La Révolution Française
La Révolution Industrielle
La 1à Guerre Mondiale
La 2à Guerre Mondiale
La Guerre Froide
La Globalisation

Depuis le siècle XIIIème se produit à Europe un suivi de transformations que annoncent la fin du âge moyen et l'apparition d'une nouvelle était. Ces transformations prennent un rythme accéléré au long du siècle XVème. Le pas de l'âge moyen à la modernitat s'annonce pour:

La pensée humanista

La pensée humanista est un conception filosòfica du monde que situe l'homme en le centre de sa réflexion. Donc, il exalte la figure humaine, l'individualitat et la liberté de l'homme pour interpréter le monde. La philosophie classique, et spécialement Plató, c'est l'instrument pour cette réflexion. L'Humanisme est un style de vie où l'humanista est l'homme culte, coneixedor du latin et du grec, de la philosophie de Plató et Aristote, soucié pour la science , la poésie et le art. Souvent, il même est poète, scientifique et artiste.

ce fut un mouvement intellectuel destiné à transformer les structures mentales médiévales, pour les adapter à un type de société plus ouverte et dynamique. Au marge des vérités absolues de la culture médiévale, les êtres humains ont pu revendiquer la possibilité de se réaliser ils mêmes comme individus puisqu'avaient démontré sa capacité pour triompher en les activités commerciales et artisanales. Les humanistes ont cherché en l'antiquité classique, en des textes et en les restes arqueològiques que ont découvert, le sens profond du fait humain et le goût pour la contemplació de la natura. Pour la pensée humanista, l'homme est le centre de l'univers et la maximale réalisation de la natura (antropocentrisme), et il peut remarquer la réalité que l'entoure avec senti critique, sans la rigidesa de la mentalitat escolàstica. En n'importe quel cas, le humanisme était laïque mais n'anticristià parce que défendait une religion une plus personnelle et directe, en què l'homme acquît une autonomie spirituelle et ce fût plus libre des institutions religieuses.

L'expansion de l'humanisme a compté avec l'imprimerie (le 1455 déjà existe à Magúncia et Strasbourg, même si apparaît attachée à (Gutenberg, 1448), que ont facilité la diffusion des écrits humanistes. Aux cours renaixentistes, desitjoses de se ouvrir à un monde nouveau, les humanistes sont réclamés, et à ses mains il y a le progrès de la culture et de la pensée. Pour première fois, l'oeuvre d'art est analysée rationnellement depuis le point de vue du spectateur. Ainsi naît la critique d'art.

Quelqu'uns des grains humanistes italiens ont été Marsilio Ficino (1433-1499), j'hache della Mirandola (1463-1494). Hors Italie, le de Valence Joan Lluís Vives (1492-1549) a été pionnier en l'étude de la psicologia et la théorie de la éducation. À Anglaterre, Thomas More a écrit Utopia (1516), où décrit un État idéal baser# sur une organisation comunitària, sans propriété privée. Erasme de Rotterdam (1476-1536) a été le plus représentatif des humanistes européens, et en son Éloge de la follia (1508) a attaqué durament les institutions ecclésiastiques.

Avec l'humanisme, le langage artistique se fait à la mida de l'homme: si le bâtiment gothique domine et transcendeix l'homme en cherchant une mesure divine et còsmica, en le Renaixement l'homme domine le bâtiment, puisque tout le système de proportions prend comme base la mesure de l'homme. ils apparaissent nouveaux thèmes aux arts plàstiques: mitologia, retrat, paysage, que répondent aux préoccupations des humanistes. L'oeuvre d'art est analysée depuis le point de vue du spectateur; les trouvailles techniques se justifient de façon théorique; les systèmes de proportions se calculent mathématiquement. À la fois, la clientela de l'art se divérsifie: princes, cardenals, nobles, corps de métier, mairies... L'égard social de l'artiste évolue; déjà n'est pas envisagé un artisan dedans la rigide structure gremial, mais un travailleur intellectuel libre et l'artiste prend conscience de son individualitat: il commence à signer ses oeuvres, à chercher un style personnel et à se faire autoretrats.

La science moderne

Imprimerie du siècle XVème

L'observation, l'acquis et le senti critique des humanistes ont préparé le chemin de la science moderne, les avances les plus importées duquel s'ont réalisé en le champ de la géographie, la anatomia la navigation , l'imprimerie , l'horlogerie et les méthodes financiers. En médecine a excellé Andreas Vesal que a réalisé une détaillée description du corps humain et pour premier coup a uni la théorisation et les enseignements médicaux avec la pratique. L'aragonès Miquel Servet a démontré vers le 1553 l'existence de la circulation pulmonar. Le 1543 s'a publié De Revolutionibus orbium coelestium, oeuvre de Nicolau Copèrnic, il défend que la Terre, comme tout le reste de planètes, il décrit "une révolution annuelle autour du Seul, où se trouve le centre du monde".

Pendant le Renaixement, les facultés de médecine italiennes ont excellé pour à elles études anatòmics. Le corps humain a été objet de disseccions et exploracions que, malgré ne donner des résultats concrètes en la lutte contre les maladies, ils vont mettre les bases de la anatomia, la fisiologia et la patologia modernes, tout en commençant à rompre l'autorité classique et la tradition màgica de la médecine.

En général, les humanistes ont cultivé tout type d'oeuvres descriptives que embrassaient les diverss champs de l'acquis humain. Mais la science des siècles XVème et XVIème ne va pas créer tête grande innovation, excepte en le système copernicà. Pourtant, la description de la réalité immédiate a ouvert les portes à la révolution scientifique du siècle XVIIème.

L'art renaixentista italien

Giorgio Vasari (1511-1574), arquitecte et historien de l'art, il utilisa le terme italien Rinascità, pour se rapporter au art italien du siècle XVème et il voulait ainsi remarquer l'idée que cet art supposait une nouvelle naissance du "bon art ancien" et un trencament avec la tradition artistique médiévale. Le renaixement sériez, donc, l'art surgi à Italie le siècle XVème et tendu pour toute Europe le siècle XVIème, et fondé en un retour aux critères estètics de l'antiquité classique grecque et romana, en l'exaltation de la nature comme modèle et en le nouveau sens de l'homme, apporté pour la philosophie humanista.

Les supòsits historiques que ils vinssent de développer le nouveau style se remontent au siècle XIVème quand, avec le humanisme, il progresse un idéal individualista de la culture et un profond intérêt pour la littérature classique, que il sera en train de diriger, forçosament, l'attention enveloppe les restes monumentaux classiques.

Différentes étapes historiques marquent le développement du Renaixement:

Les États italiens comme bressol du Renaixement

La Península Italique était formée pour une série d'États, comme maintenant Venise, Florència, Milà, Été Pontifici et Naples. La pression que s'exerce depuis l'extérieur empêcha que, comme en d'autres nations, se développât l'union des royaumes ou États; pourtant, oui qu'il va se produire l'enfortiment de la conscience culturelle des italiens. Depuis ces supòsits furent les villes celui qui se devinrent en des centres de rénovation artistique. À Florència le développement d'une riche bourgeoisie aidera au desplegament des forces du Renaixement: la ville se devient en point de départ du nouveau style, et ils surgissent, sous la protection des Mèdici, les premières oeuvres que depuis ici se vont à tendre au reste d'Italie.

Alors que à Italie s'il était en train de développer le Renaixement, au reste d'Europe s'entretient le gothique en ses formes tardives, situation que s'entretient, exceptant des cas concrets, jusqu'à des débuts du siècle XVIème. À Italie l'enfrontament et coexistence avec l'antiquité classique, censée comme un légué national, il va fournir une ample base pour une évolution estilística homogènia et de validesa générale. Pour ce, là, c'est possible son ressorgiment et il précède toutes les autres nations. Hors Italie, l'antiquité classique supposera un cabal académique assimilable, et le développement du Renaixement dépendra constamment des impulsos marqués pour Italie. Artistes importés depuis Italie ou formats là, ils font le papier de vrais transmissors.

Característiques artistiques

Leonardo da Vinci, La dame de l'ermini, Musée Czartoryski, Cracòvia

De forme genèrica on peut établir les característiques artistiques du Renaixement en trois:

  1. La revenue à l'Antiquité. Ressorgiran autant les anciennes formes arquitectòniques, comme les ordres classiques, l'utilisation de motifs formels et plastiques anciens, l'incorporació d'anciennes croyances, les thèmes de mitologia, de histoire, ainsi que l'adoption d'anciens éléments symboliques. À la fois il y a une volonté d'étude des monuments anciens et de théorisation enveloppe les systèmes de proportions pour saisir l'esprit du classicisme et ne seulement ses formes. Donc n'en sera une copie servil, mais la penetració et la connaissance des lois que soutiennent l'art classique.
  2. Ressorgiment d'une nouvelle relation avec la Nature comme modèle à imiter ou perfectionner. La meilleure peinture est celui qui se ressemble plus au naturel et cette imitation n'est pas incompatible avec la recerca de la beauté idéale en le sens platònic, puisque le artiste doit sélectionner les formes pour saisir la beauté. En conséquence cette nouvelle relation avec la nature va unie à un conception idéal et réaliste de la science. La mathématique se deviendra en la principale aide d'un art que se soucie pour fonder rationnellement son idéal de beauté. L'aspiration d'accéder à la vérité de la Nature, comme en l'Antiquité, ne s'oriente à faire la connaissance de phénomène casual, mais à faire la penetració de l'idée.
  3. La attitude antropocèntrica: «l'homme comme mesure de toutes les choses» implique la découverte et l'application sistemàtica des lois de la perspective linéaire, autant pour projeter des bâtiments comme pour créer un espace tridimensional en la peinture et la sculpture. Cette nouvelle predisposició artistique est essentiellement culturelle et pressuposa en l'artiste une formation scientifique que, à la fois, lui permet se libérer d'attitudes médiévales.

Architecture

Article principal: Architecture du Renaixement
L'église de Sainte Maria Novella, Florència, la façade fut dessinée pour Leon Battista Alberti

L'architecture est la manifestation artistique où se remarque plutôt l'influence de l'antiquité classique. Cette influence se met en evidencia en deux aspects: d'une bande l'utilisation des éléments formels de l'art grec et roma et, d'autre bande, la racionalització de l'espace. Au sujet des éléments formels se reviennent à utiliser les ordres classiques tel comme les avait défini Vitruvi (toscà, dòric, jònic, corintí et composé), le arc de moyen point déplace l'arc visé et le dôme de moyenne sphère prend la place des cimboris gothiques, les structures arquitravades, les entaulaments et frontons, les cassetons.

L'unité, la symétrie et la proportion en sont des éléments clefs. En le système de proportions se remarque clairement l'importance des formes geomètriques basiques: le cercle et le carré , la sphère et le cub sont les formes les plus adaptées pour sa régularité perfecte. Quant aux éléments decoratius s'employèrent les pilastres, les frontons, les pòrtics, motifs heràldics, les volutes, les clefs...

Depuis ses débuts, la architecture renaixentista eut un caractère profà et, lògicament, il surgit en une ville où le art gothique n'y avait pénétré: Florència; en changement, à l'Europe des grandes cathédrales, s'implanta avec des difficultés.

S'a caractérisé pour l'usage de proportions modulars, superposició d'ordres, usage de dômes et introduction de l'ordre colossal. En le Quattrocento fut fréquent parcourir à des colonnes et pilastres adossés, aux capitells classiques (avec préférence le corinti, même si en substituant les caulicles pour des figures fantastiques ou d'animaux), les fusts llisos et le arc de moyen point, au tour de canon et d'aresta, ainsi que à des couvertures de bois avec cassetons.

Les arquitectes du Quatre-cent (siècle XVème)

Cathédrale de Sainte Maria du Fiore (Florència), oeuvre de Filippo Brunelleschi (1377-1446).Cet orfebre, sculpteur et arquitecte est l'iniciador de l'architecture renaixentista. Brunelleschi a étudié et dessiner sistemàticament les bâtiments anciens de Rome; le besoin de représenter enveloppe le papier l'architecture le porta à trouver les lois de la perspective linéaire. Sa première grande oeuvre est le dôme de la cathédrale de Florència. Le dôme passe à être l'élément dominé à l'extérieur des églises renaixentistes et de toute l'architecture religieuse arrière jusqu'au siècle XIXème. S'envisage le modèle de toutes les grands dômes arrière, jusqu'au point que Miquel Ange, quand projetait la de Saint Pere du Vaticà, il va dire qu'il ferait une soeur une plus grande mais ne plus belle que le dôme de Brunelleschi.

L'architecture du Quattrocento excella pour le décor sòbria (putti, guirnaldes de fleurs ou fruits...), l'allargament du dôme (Cathédrale de Florència, de Filippo Brunelleschi) et les façades de pierre tosca (Palau Medici-Riccardi, de Michelozzo) ou avec les carreus en realçament (Palau Rucellai, de Bernardo Rossellino, projet de Leon Battista Alberti). Bernardo Rossellino, outre sculpteur et arquitecte, c'est un excellent urbanista que rangea la place de Pienza en concevant les espaces extérieurs d'une façon tellement géniale comme seulement s'avait vu à la Ancienne Grèce.[1]

La maduresa du Cinq-cent (siècle XVIème)

L'architecture du Cinquecento eut comme centre Rome: l'année [1506] Donato d'Angelo Bramante finalisait son célèbre projet pour la basílica de Saint Pere du Vaticà. Les palais s'ornaven de valuosos bas relais (Palau Grimani de Venise, 1549, oeuvre de Michele Sanmicheli) ou de sculptures exonérées (Bibliothèque de Saint Marc, 1537-50, Venise, oeuvre de Jacopo Sansovino). Enfin Michelangelo Buonarroti , en mourant Bramante, il reçoit la commission du papa Pau IIème de continuer les oeuvres de la basílica. S'acceptent ses conditions de modifier le projet et y disparaissent les grilles et torretes. Le projet déjà est à point pour recevoir le principal thème arquitectònic: le dôme . La dreçarà enveloppe tambour, en créant définitivement le type de dôme occidental et toutes celui qui suivront, jusqu'au siècle XIXème, en seront une imitation. Aussi projeta une seule entrée, auquel donne la préférence un pòritc avec llinda et avec double filera de colonnes exonérées. En la rare activité arquitectònica de Miquel Ange toujours s'appréciera plus son sens des volumes que ne pas des espaces intérieurs. [1]

Sculpture

Article principal: Sculpture du Renaixement

La sculpture du Quattrocento réussit se libérer plenament des conditions du cadre arquitectònic que avaient déterminé la plàstica médiévale. L'intérêt des sculpteurs du Quattrocento se centre clairement en la figure exonérée, lequel chose ne veut pas dire que le relais arquitectònic disparaisse. Quant aux thèmes, le Renaixement, orienté à l'étude de l'homme, il revient au motif basique de la sculpture classique: la figure humaine, spécialement les figures nues, tout en essayant refléter l'anatomia, la fonction du corps et sa relation avec l'espace. Les matériels plus preuats reviennent à être la pierre et le bronze . Novament sera Florència la ville pionnière en le développement du nouveau style.

Le Quatre-cent (siècle XVème)

Détail de la Porte du Paradis, du Baptisteri de Saint Joan (Florència), oeuvre de Lorenzo Ghiberti.

Lorenzo Ghiberti († 1455) est l'auteur des deux portes que manquaient au Baptisteri de la cathédrale de Florència. la porte, de bronze fût, il ramasse des scènes evangèliques, et il suppose une révélation en le panorama escultòric renaixentista, que encore est plus palesa en la deuxième porte que se lui charge, la dénommée porte du paradis. Y développe un conception pictural du relais.

Donatello († 1466) est le sculpteur le plus important du siècle XVème italien. Son oeuvre se dirige à représenter l'homme plein de vie, dignité et noblesse.

Autres artistes de valeur sont: Luca della Robbia, auteur des relais d'une tribune de la cathédrale de Florència, en lequel la grâce des enfants cantors atteint intéresser plus que le mouvement ou l'expression.

Le Cinq-cent (siècle XVIème)

En Miquel Ange († 1564) confluent la beauté et l'expressivitat. sa personnalité pleine d'idealisme est la de un des caractères maximaux de l'histoire de l'art. Presque toujours employa le blanc et compact marbre de Carrara. Ses figures sont toujours grandioses, véritables titans; ce sont l'archétype de l'homme et le traitement de l'anatomia seulement est un prétexte pour remporter l'idéal. En ses sculptures transcedeix une vitalitat contenue.

Peinture

Article principal: Peinture du Renaixement
La Mère de Dieu de l'Anunciació de Fra Angelico (1400-1455).

La peinture de Renaixement prend comme point de départ l'afany de vérité, l'intent de représenter le monde comme est à la réalité. Giotto est l'antecedent plus clair en cet égard de la Nature comme la grande maîtresse de l'artiste. D'ici en dérivent les característiques propres de la peinture du Renaixement:

Maîtres du siècle XVème

La naissance de Venus de Sandro Botticelli . Ce peintre florentí représenta l'ambient neoplatònic de la cour des Mèdici. ce fut pratiquement oublié depuis le siècle XVIème (Giorgio Vasari lui consacra un des chapitres plus fluixos de son oeuvre) jusqu'à son redescobriment le siècle XIXème.

En la peinture du Quattrocento peuvent distinguir les peintres que montrent une préoccupation fondamentale pour le problème de la perspective et de la corporeïtat des figures, comme serait le cas de Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna et les peintres que donnent priorité à la ligne, au dibuix, aux formes doux et nítides comme Fra Angelico et Botticelli.

Si Brunelleschi et Donatello sont les iniciadors incontestés du Renaixement en architecture et sculpture, Masaccio, un autre florentí, se peut envisager le premier peintre renaixentista, puisque rompt avec l'élégance du dernier gothique et il revient à la préoccupation pour la réalité que avait préconisé Giotto un siècle avant. Masaccio (1401-1428), coneixedor et admirador de l'oeuvre de Giotto, il part de sa préoccupation pour le volume et la monumentalitat mais c'est capable de donner à ses figures une plenitud vitale et une individualitat très accusées, un cromatisme plus habite et intense, et une organisation de l'espace du tableau deuxièmes les lois de la perspective linéaire. Sa morte, en pleine jeunesse, il va faire impossible qu'il laissât une oeuvre tellement étendue comment autres peintres de sa génération. Les oeuvres fondamentales sont les frais de la chapelle Brancacci à l'église du Carmine et le frais de la Trinitat.

En la peinture de Piero della Francesca pouvons y voir l'influence des compositions de Masaccio et l'intérêt pour la geometria comme élément fondamental de la peinture. Son traité De prospectiva pingendi (1482) est une extraordinaire précision mathématique quant aux lois de la perspective linéaire, et cette préoccupation reste palesa à ses oeuvres: La Flagel.lació de Christ (1459). Mais peut-être l'oeuvre sommet de Piero della Francesca sont les frais de la Légende de la Vît Croix à l'église de Saint Francesc de Arezzo.

Andrea Mantegna (1430-1506), né près Padoue, se va forme entre cette ville et Venise, en un ambient en què la peinture d'influence bizantina encore était beaucoup preuada. Mais le contact avec les humanistes et l'admiration pour Donatello, que avait travaillé à Padoue, ils déterminèrent l'orientation du peintre le plus important du Quattrocento à l'Italie septentrionale. Au palais ducal de Màntua a peint entre 1473 et 1474 un des cycles de peinture mural plus importantes du Renaixement: La Chambre des Époux.

Fra Angelico suppose le pont avec le gothique. Sa peinture est intimista, quasi bien naïve, encore chargée de symbolisme, mais ses architectures dénotent un vrai domaine de la perspective et une préoccupation pour la lumière, que l'éloigne des fonds irréels du gothique linéaire. Ses thèmes sont religieux.

Un autre courant de la peinture du Renaixement raccorde directement avec le refinament et l'élégance du gothique, mais en y ajoutant les nouveautés renaixentistes: perspective, naturalisme, étude de l'anatomia... Botticelli (1444-1510), comme autres peintres florentins, il cherche les lignes agiles, les figures élégantes voluptuoses, les fonds de fable... Ses outils sont le domaine de la ligne, du dibuix et de la couleur. Boticelli s'a formé à l'atelier du vieux Filippo Lippi, l'influence de est évidente en les premières oeuvres du florentí: un bon nombre de Vierges avec l'Enfant, L'Histoire de Judith, la Adoració des Rois, etc. Tout et ainsi, déjà en ces oeuvres se peut voir le monde formel propre de Boticelli caractérisé pour le rythme subtil des corps et les robes en des personnages que reflètent en le visage une expression mélancolique. Les oeuvres capitales de Boticelli sont les grands tableaus de thème mitològic peints à l'ambient de la cour du Mèdici, comme La naissance de Venus.

Estilísticament proche à Fra Angèlico se trouve Fra Filippo Lippi (1406-1469), d'une élégance plus mundana, même si sa peinture est essentiellement religieuse.

Maîtres du siècle XVIème

Détail de la Chapelle Sixtina de Michelangelo Buonarroti.

Florència continue au siècle XVIème en étant la capitale du art, mais ses figures maximales se déplacent à Rome, où la cour pontifícia constitue le mécénat d'une époque nouvelle, ou ils voyagent pour plusieurs villes. En général les peintres polis à Florència accordent au dibuix une importance une plus grande qu'autres écoles en un siècle en què la ligne perd son profil de delimitadora des formes. L'école de peinture du Cinq-cent apporte trois géants: Leonardo da Vinci, Miquel Ange et Rafael.

Leonardo Da Vinci est le grand archétype de l'homme renaixentista, également doté pour la création esthétique que pour la science. Deux de ses peintures, la Saint dîner et La Gioconda, ce sont exemples culminants de l'histoire de la peinture. Déjà à la Vierge des Roches (National Gallery) Leonardo s'avait montré comme un grand maître de la composition triangulaire et des lumières.

Miquel Ange est fonamentalment sculpteur, et en conséquence, il conserve l'eenrgia du dibuix et le souhait de mouvement et fort. À tour de la Chapelle Sixtina le dinamisme atteint sa plenitud: oeuvre vaste et colossale. À son oeuvre y trouvons toutes les racines du manierisme: c'est un monde drmàtic, bien différencié de l'équilibre et l'optimisme de l'homme du premier Renaixement.

Rafael excella pour l'encís de ses Madonne, et la qualité des éléments picturaux -lumières, composition, etc.- mais son grand apport se`ta en son conception spatial, en la profondeur et l'amplitud de l'espace en què se meuvent les figures des grandes compositions (La querelle du Sagramnent, L'école d'Athènes) des halles vaticanes.

L'école veneciana

Ticià à la peinture Bacanal, il rend culte à la joie d'habiter veneciana, en un paysage lluminós, avec un nu féminin en un angle, lluentors enveloppe les étoffes luxoses et l'exaltation de la guerre de la boisson au centre. il devient, donc, un quatre de thème mitològic en un tableau social, en une fête gaie.

L'influence de Venise en l'art de la peinture est capitale. Au siècle XVIème une série de grands peintres: Ticià, Veronese, Il Tintoretto, ils découvrent pour la peinture permis qu'ils exploseront les artistes du Barroc. Plusieurs circumtàncies confluent pour susciter à la ville des canals une peinture originale. Tout d'abord la boirina de la ville desdibuixa les contours et il sensibilise la pupille des peintres pour attribuer plus intérêt à la forme que aux contours, ou ce soit, à la couleur avant que au dibuix. Seguidament l'histoire de la république veneciana est fonde en une ville métropolitaine et commerciale, où il y a gens de pays lointains, abillats avec indumentàries de couleurs vifs. Et, enfin une société riche et esplendorosa.

Cette école rendra culte à la couleur, en préférence les couleurs càlids, plus idonis pour refléter la forme belle ou l'ambient opulent; se donnera une vision poètica du paysage, que se remplit de lumières; il donnera de l'importance aux thèmes secundaris (à l'anècdota, au détail, se lui accorde la même attention que au thème principal); s'exaltera la richesse des palais, les étoffes, la musicienne,... [1]

Ticià excellera pour ses retrats et c'est le maître des formes blanes et rondes, comme le démontre sa prédilection pour les noeud femenis et enfantins (Venus d'Urbino, Dànae en recevant la pluie d'or).

Il Veronese est le peintre du luxe: les scènes se développent en des palais de marbre, avec columnates et balustrades, et jardins avec source; ses figures s'enveloppent avec des robes coûteux et s'endorment avec joiells (comme sa version de Venus et tu rendes compte).

Il Tintoretto déjà trasllueix la crise de la peinture renaixentista: avec ses lumières violentes, les contrastes de lumière et ombre, les escorços, du mouvement as, instable, du paysage romàntic, de la profondeur obtenue en intervenant l'alternança de zones de différente intensité lumínica déjà prefigura le Barroc . [1]

Musicienne

Article principal: Musicienne du Renaixement

En ne connaître la musicienne grecque ou romana avec autant de précision que l'architecture et la sculpture, la musicienne renaixentista ne se produisit comme une restauration de l'ancien. La musicienne de cette époque fut une culminació de l'antérieur (Ars nouvelle) en cherchant naturalitat, proportion et harmonie entre texte et melodia.

Les característiques principaux fussent:

De la musicienne vocale religieuse en excelle:

  1. Motet: composition polifònica enveloppe textes sacres de modérée extension. Interprété majoritàriament nous les services religieux. ce fut très important pendant tout le renaixement. ils excellent les figures de Josquin Depuis Prés, Giovanni Pierluigi da Palestrina et Orlando di Lasso entre moulus d'autres.
  2. Messe: se développe enveloppe les parts de l'ordinaire: kyrie eleison; Gloria in Excelsis Deo; Credo; Sanctus et Agnus Dei. Les compositors se pouvaient baser sur du chant plat mais aussi en la musicienne profane, à exception de la Missae sine nominez (messe sens nom) que n'était pas inspirée en rentre thème preexistent.

Diffusion européenne du Renaixement

Sauf le Renaixement hispànic, ce style artistique ne laissa pas un signal très profond en les intérêts estètics européens. Le Renaixement est un mouvement essentiellement italien et c'est díficil de parler de vrai Renaixement hors la península Italique. Avec tout la peinture remporta une diffusion une plus grande que le reste d'activités plàstiques, fait lògic si s'envisage que c'est plus facile exportar peintures et enregistrés que sculptures ou palais. [1]

Le Renaixement hispànic

Article principal: Renaixement hispànic

L'art renaixentista ne s'imposa plenament aux territoires penínsulars jusqu'au siècle XVIème. [2]

En la architecture, l'art gothique il fut en train d'être le style prédominant au long de tout le siècle XVème et principes du XVIème. il il y a de l'influence du style italique au palais de Carles Vème au Alhambra (oeuvre de Pedro Machuca) et à la cathédrale de la même ville. En changement, l'architecture renaixentista hispànica se développa avec le style herrerià, caractérisé pour l'austeritat et la solemnitat, comme le monastère de San Lorenzo de l'Escorial; et avec autres bâtiments de style plateresc, caractérisé pour un décor abondant et délicate, comme en la façade de l'université de Salamanque.

La sculpture hispànica reçut des influences du Renaixement italien, mais les sculpteurs reflétèrent l'intensité du sentiment religieux plus que ne pas la beauté idéale. La plupart d'oeuvres sont des tailles de bois de couleurs vifs. Entre les sculpteurs excella Alonso Berruguete.

La peinture se caractérisa pour la préoccupation de la perspective et les mesures anatòmiques, l'application de plusieurs gammes tonal en les couleurs et les ombres en suivant les enseignements italiens. El Greco sobresurtí enveloppe de tous les autres peintres. vous faites des peintures religieuses et retrats avec un style très original, plein de dramatisme et mouvement; il excella pour l'usage de la couleur et les figures allongées. De son oeuvre, très ample, il excelle L'enterrament du comte d'Orgaz, extraordinaire peinture classicista de la composition, avec característiques manieristes et contrastes de lumière. Un autre auteur excellé fut en Luis de Morales.

Le Renaixement nòrdic

Le Renaixement artistique ne fut pas à Allemagne une tentative de résurrection de l'art classique, mais une rénovation intense de l'esprit germànic, motivé pour la Réforme en protestant.

Albrecht Dürer (1471-1528) est l'artiste le plus universel du Renaixement allemand pour ses peintures, dibuixos, enregistrés et écrits théoriques enveloppe art. Son oeuvre déjà fut reconnue et admirée en tout Europe en vie et il imposa l'empremta de l'artiste moderne, en raccordant la réflexion théorique avec la transició décisive entre la pratique médiévale et l'idealisme renaixentista. il exerça une profonde influence en les artistes du siècle XVIème de son propre pays et des Pays Bas. Dürer a compris l'imperiositat d'acquérir une connaissance rationnelle de la production artistique.

Après la Réforme le mécénat de la noblesse allemande se centra en première place en l'architecture, pour la capacité de celle-ci pour montrer le pouvoir et prestigi des governants. Ainsi à des moyens du siècle XVIème s'élargit le château d'Heidelberg, en suivant les directrius classiques. Pourtant, la plupart des princes allemands ont préféré conserver les oeuvres gothiques, en se limitant à les décorer avec ornamentació renaixentista. Les empereurs Habsburg et la famille Fugger fussent les plus importantes mecenes, en s'excellant la protection de Johannes Kepler et Tycho Brahe.

Le Renaixement aux Pays Bas

À la fois que se développait à Italie le Cinquecento italien, la dénommée peinture flamande atteignit un développement notable. Cette école se fit célèbre pour son notable naturalisme, sauf que partage avec les maîtres italiens. Quelques grands noms de l'époque furent les paisatgistes Joachim Patinir et Quentin Matsys le Jeune; le retratista Antonio Meurs, le Bosco; Pieter Brueghel le Vieux et Gaspar Baiton. Posteriorment se focalisa la littérature avec les meilleurs auteurs de l'époque.

Artistes remarquables du Renaixement

Références

  1. ↑ 1,0 1,1 1,2 1,3 1,4 Barnecha, E; Fernández, À.; Haro, J (1984). Histoire de l'Art. Barcelone: éditorial Vicens Vives.
  2. ↑ Pour la comprensió du temps historique, se préférable le concepte de Renaixement hispànic au de Renaixement espagnol puisque ne pouvons pas analyser les faits historiques depuis la nosta vision actuelle.

Voyez aussi

Liens externs

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