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Diego Velázquez

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Diego Velázquez
Fichier:Diego Velázquez Autorretrato 45 x 38 cm - Collection Réelle Académie de Beaux-Arts de San Carlos - Musée de Beaux-Arts de Valence.jpg
Autorretrato De Velázquez (1650),
Musée de Beaux-Arts de Valence
Nom réel Diego Rodríguez de Silva et Velázquez
Naissance 6 juin de 1599
Séville, l'Espagne
Décès 6 août de 1660
Madrid, l'Espagne
Zone Peintre
Oeuvres soulignées Les Meninas
Les hilanderas
La rendición de Breda
Pour autres usages de ce terme, voyez-vous Diego Velázquez (désambiguïsation).

Diego Rodríguez de Silva et Velázquez (Séville, 6 juin de 1599 – Madrid, 6 août de 1660) connu comme Diego Velázquez, est allé un peintre baroque, envisagé un des maximums exposants de la peinture espagnole et figure incontestée de la peinture universelle.

Il est passé ses premiers ans à Séville où il a développé un style naturaliste d'illumination tenebrista par influence de Caravaggio et ses partisans. Il s'a déplacé à Madrid et aux 24 ans a été nommé peintre du roi, et quatre ans a après été montés à peintre de caméra, le charge le plus important entre les peintres du roi. À ce labeur a consacré le reste de sa vie. Son travail à partir d'alors consistait à peindre des portraits du roi, de sa famille, ainsi qu'autres tableaus pour décorer les demeures réelles. Son style a évolué vers une peinture de grande luminosité avec des coups de pinceau rapides et tu relâches. Dans cette évolution a eu beaucoup que voir l'étude de la collection réelle de peinture et son premier voyage à l'Italie où a étudié autant la peinture ancienne comme la contemporaine. Dans sa maturité, à partir de 1631, a peint des grandes oeuvres comme La rendición de Breda. Dans son dernier décennie son style s'est revenu plus esquemático et abocetado en obtenant une domination extraordinaire de la lumière. Cette période s'a inauguré avec le portrait du pape Innocent X, peint dans son deuxième voyage à l'Italie et à il ils appartiennent ses deux dernières tu oeuvres des maîtresses: Les Meninas et Les Hilanderas.

Son catalogue figure de 120-125 oeuvres. La reconnaissance comme peintre universel s'a produit tardivement, vers 1850. Il a obtenu sa maximale renommée entre 1880 et 1920, en coïncidant avec les peintres impresionistas français pour lesquels a été un référent. Manet s'a senti maravillado avec sa peinture et l'a qualifié comme «peintre de peintres» et «le plus grand peintre que n'a jamais existé».

Sommaire

Signalement biográfica

Premiers ans à Séville

[[j'Archive:Maison natale de Velazquez.jpg|140px|left|thumb|Sa maison natale à Séville.]] Velázquez est né à Séville et il a été baptisé le 6 juin 1599 dans la Église de Saint Pierre. Il a été le majeur de sept frères. Son père était Joao Rodríguez de Silva, d'origine portugais (ses grand-pères paternels s'étaient établis dans la ville originaires de Porto). Justement ses racines portugaises lui supposeraient il plus avance un problème, lorsqu'il a été postulado pour cavalier du Mandat de Santiago, puisqu'arrête alors le Portugal venait de se séparer de l'Espagne (1640) et l'environnement dans la Cour il n'était pas précisément très favorable vers les personnes liées avec ce pays -malgré ce que a remporté la nomination, grâce au soutien direct du Roi-. Sa mère, Jerónima Velázquez, était d'ascendencia sévillane. La famille figurait entre la petite hidalguía de la ville.[1][2]A adopté le nom de sa mère selon l'habitude portugaise, aussi habituelle en Andalousie.[3]

La Séville en que s'a formé le peintre il était la ville la plus riche et peuplée de l'Espagne, ainsi que la plus cosmopolite et ouverte de l'empire. Il disposait du monopole du commerce avec l'Amérique et il avait une importante colonie de marchands flamands et italiens.[3]aussi était un siège ecclésiastique de grande importance et il disposait de grands peintres.[4]

Apprentissage

Son talent a affleuré à âge très temprana. Récemment accomplis les dix ans il a commencé sa formation dans l'atelier de Francisco d'Herrera le Vieux, peintre prestigieux en la Séville du siècle XVII. Herrera avait très mauvais caractère et le jeune élève il n'a pas pu le supporter, donc quelques mois après, en 1610, il a changé de maître et il a formalisé contrat d'apprentissage avec Francisco Pacheco avec lequel a demeuré six ans.[5]

Dans l'atelier de Pacheco, Velázquez a acquis sa première formation technique et ses idées esthétiques. Le contrat d'apprentissage fixait des conditions de servitude: le jeune apprenti devait moler les couleurs, échauffer les queues, decantar les barnices, tensar les lienzos, armer châssis, ainsi qu'autres obligations.[6]

Les peintres desquels il a été apprenti
Fichier:La curación de San Buenaventura enfant par San Francisco.jpg Fichier:Portrait de Benito Arias Montano.jpg
Francisco d'Herrera le Vieux.
Curación De San Buenaventura enfant par San Francisco.		 Francisco Pacheco.
Portrait de Benito Arias Montano.

Pacheco (1564-1644) était un homme d'ample culture, auteur d'un important traité L'art de la peinture. Comme peintre était assez limité, fidèle partisan des modèles de Rafael et Miguel Ángel, interprétés de forme dure et sèche. Pourtant comme dibujante a réalisé des excellents portraits à crayon. Encore ainsi, il a su diriger à son discípulo et ne limiter ses capacités.[5] Pacheco est plus connu par ses écrits et par être le maître de Velázquez que comme peintre. Dans son important traité, publié póstumamente en 1649 et indispensable pour connaître la vie artistique espagnole d'alors, se montre fidèle à la tradition idealista de l'antérieur siècle XVI et peu de proclive aux progrès de la peinture naturista flamande et italienne. Il avait un grand prestige entre le clero et était très influyente dans les cercles littéraires sévillans qu'il réunissait à la noblesse locale.[7]

Justi, Le premier grand spécialiste sur le peintre, a signalé qu'il se convient en envisager que dans le bref temps qu'est passé avec Herrera il a dû lui transmettre l'impulsion initiale qu'il lui a donné grandeur et singularité. Il lui a dû enseigner la liberté de main, bien que l'exécution libre était déjà un trait connu dans son temps et il s'était antérieurement trouvé en Le Greco, Velázquez ne l'obtiendrait pas jusqu'à des ans plus tard à Madrid. Vraisemblablement son premier maître lui servît d'exemple dans la recherche de son propre style. Les analogías que se trouvent entre les deux sont seul de caractère général. Dans ses premières oeuvres de Diego il se trouve un dessin strict attentif à toucher l'exactitude de la réalité du modèle, de plastique sévère, totalement opposé aux contours sueltos de la tumultuosa fantaisie des figures d'Herrera. Il a continué avec un maître totalement différent, ainsi qu'Herrera était un peintre nato très temperamental, Pacheco était culte mais peu de peintre que ce que plus estimait il était l'orthodoxie. Justi Conclut au comparer les tableaus de Pacheco et Velázquez que peu d'influence artistique a exercé en son discípulo.[1]

Ses débuts comme peintre

Terminé la période d'apprentissage, en 1617, il a approuvé l'examen devant le corps de métier de peintres de Séville. Il a reçu licence pour exercer comme maître d'imaginería et à l'huile en pouvant pratiquer son art en tout le royaume, avoir boutique publique et embaucher des apprentis. il ne se sait pas si il a ouvert atelier. Avant d'accomplir les 20 ans, en avril de 1618, il s'a marié avec la fille de Pacheco et ils sont après né dans cette ville les deux filles du peintre.[5][4]

Dans ces premiers ans il a développé une extraordinaire maîtrise en dominant le naturel, conseguiendo la représentation du relais et des qualités, moyennant les nouveaux metodos du claroscuro, influencé principalement par le naturalismo de Caravaggio. Dans ses tableaus il apparaît une forte lumière dirigée qu'accentue les volumenes et objets simples apparaissent soulignés en premier plan. Le tableau de genre ou bodegón, de provenance flamande, avec sa représentation d'objets quotidiens et types vulgaires, lui a servi pour développer ces aspects. Aussi la production du peintre dans ce temps se consacre aux commissions religieux comme la Inmaculada Conception de la National Gallery de Londres et la Dîne en Emaús du Metropolitan Museum de New York. Cette forme d'interpréter le naturel lui a permis arriver au fond des personnages, en démontrant tempranamente une grande capacité pour le portrait en transmettant la force intérieure et temperamento des portraits. Comme le portrait de sor Jerónima de la Source de 1620, de celui qui se connaissent deux exemplaires de grande intensité, où transmet l'énergie de cette religieuse qu'avec 70 ans part de Séville pour fonder un convento en Philippines.[8]

Ils s'envisagent tu oeuvres des maîtresses de cette époque la Vieille friendo oeufs de 1618 et L'aguador de Séville réalisée en 1620. Dans la Vieille friendo oeufs démontre sa maîtrise dans la file d'objets de première file moyennant une lumière forte et intense que souligne des surfaces et des textures. Le aguador de Séville, tableau qui a porté à Madrid et a offert à Juan Fonseca qui lui a aidé à prendre position dans la cour, a des excellents effets: le grand pichet de vase saisit la lumière en ses estrías horizontaux tandis que petites gouttes d'eau transparentes glissent par sa surface.[9]

Premier style
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Vieille friendo oeufs (1618)
National Gallery of Scotland, Édimbourg		 L'aguador de Séville (1620)
Apsley House, Londres		 Jerónima de la Source (1620)
Musée du Pré, Madrid

Ses oeuvres, en spéciale ses bodegones, ont eu grande influence dans les peintres sévillans contemporaneos, en existant grande quantité de copies et imitations de ses bodegones. Des vingt oeuvres qui se conservent de cette période, neuf se peuvent envisager bodegones.[10]

Il s'est largement débattu l'inspiration de ces oeuvres tellement diverses à ce que il se faisait à Séville. Pour Brown l'originalité de ces peintures permet formuler l'hypothèse que l'auteur connaissait de quelque façon l'art qui s'était en réalisant en Espagne et en Europe.[9]

Rapide reconnaissance dans la cour

[[j'Archive:Diego Velázquez 034 detail.jpg|170px|left|thumb|Dans sa première visite à Madrid en 1622 a peint le portrait de Góngora en saisissant sans aucune concession sa triste amertume (détail).[11]]] En 1621 meurt à Madrid Felipe III et le nouveau monarque Felipe IV avantage à un noble de famille sévillane Gaspar de Guzman, après conde duc d'Olivares, que se convertit en peu de temps en le todopoderoso valable du roi. Olivares a plaidé par que la cour fût intégrée majoritairement par andalous. Pacheco a dû le comprendre comme une grande occasion pour son gendre procurandose les contacts opportuns pour que Velázquez fût présenté dans la cour. Son premier voyage à Madrid a eu lieu en au printemps de 1622.[12] Velázquez a dû être présenté à Olivares par Juan de Fonseca ou par Francisco de la Rioja, mais d'après relate Pacheco il ne s'a pas pu portraire au roi bien que s'a procuré.[13]. Le peintre est revenu à Séville.

Portrait de l'infant Monsieur Carlos (1626-27). Musée du Pré, (Madrid)

Grâce à Fonseca, Velázquez a pu visiter les collections réelles de peinture, d'énorme qualité, où Carlos I et Felipe II ils avaient réuni des tableaus de Titien, Véronèse, Tintoret et les Bassano. Selon Julián Gállego a alors dû comprendre la limitation artistique de Séville et qu'outre l'imitation de la nature existait une poésie en la peinture et une beauté dans l'intonation[14] L'étude posterior de la collection réelle, spécialement les tizianos, a eu une décisive influence dans l'évolution estilística du peintre qu'est passé du naturalismo austero de son époque sévillane et des sévères gammes terrosas à la luminosité de le gris argent et bleus transparents dans sa maturité.[8]

An et moyen après son premier voyage à Madrid, dans l'été de 1623, les amis de Pacheco, principalement Juan de Fonseca, qu'était capellán réel et avait été canónigo de Séville, ont réussi que le conde duc appelât à Velázquez pour portraire au roi.[13] L'a ainsi relaté Pacheco: «Appelé à Madrid s'hospedó en maison de monsieur Juan et a fait son portrait. Llevaronlo À palais cette nuit et dans une heure l'ont vus tous les de palais, les infants et le roi. Ordenose Que portraît à l'infant, mais il a semblé plus convenable faire d'abord le de sa Majesté, bien que n'a pas pu être je tellement prête par des grandes occupations; il s'a fait le 30 août à goût de sa Majesté et des infants et du conde duc, qu'a affirmé n'y avoir portrait au roi jusqu'alors... Il a réalisé aussi un boceto du Principe de Pays de Galles, que se trouvait dans ces jours à Madrid, qu'il lui a donné cents boucliers».[15]

En octobre de 1623 s'a ordonné à Velázquez que déplacera sa maison à Madrid et il a été nommé peintre du roi avec un salaire de vingt ducados au mois, en occupant la vacance de Rodrigo de Villandrando qu'était mort l'an antérieur.[13]

A après peint un premier portrait ecuestre du roi, qu'a été exposé je joins au célébrez Carlos V à cheval en Mühlberg de Titien dans la rue Majeure dans la visite du cardinal Barberini en 1626.[4]

[[Archives:Diego Velázquez 015.jpg|270px|thumb|left|Le triomphe de Bacchus, populairement connue comme les ivrognes, est envisagée l'oeuvre maîtresse de cette période (1628-29). Musée du Pré, [[Madrid[[" La rapide ascension de Velázquez a provoqué le ressentiment des peintres plus vétérans, comme Vicente Carducho et Eugenio Cajés que l'accusaient d'être seulement capable de peindre têtes. D'après il a écrit Jusepe Martínez, ceci a provoqué la réalisation d'un concours en 1627 entre Velázquez et les autres trois peintres réels: Carducho, Cajés et Angelo Nardi.[16] Le gagnant serait choisi pour peindre le lienzo principal du Salon Grand de l'Alcazar. Le motif du tableau était L'expulsion des moriscos de l'Espagne. Le jury, présidé par Juan Bautista Maíno, entre les bocetos présentés a déclaré vainqueur à Velázquez. Le tableau a été pendu dans le Alcazar de Madrid et il s'a perdu postérieurement dans l'incendie du même (1734). Ce concours a contribué au changement du goût de la cour, en abandonnant le vieux style de peinture et en acceptant la nouvelle peinture.[16]

En 1628 Velázquez avait déjà été monté à peintre de caméra, le charge le plus important entre les peintres de la cour. Son travail principal consistait à réaliser des portraits de la famille réelle, par ce que ceux-ci ils représentent la majeure part de sa production. Un autre travail était peindre des tableaus pour décorer les palais réels, ce que il lui a donné une majeure liberté dans l'élection de thèmes et en comment les représenter, liberté de laquelle ils ne jouaient pas les peintres communs, attachés aux commissions et à la demande du marché. Velázquez pouvait accepter aussi des commissions particulières, mais depuis qu'il s'a déplacé à Madrid, il a seulement accepté des commissions des membres plus influyentes de la cour.[17] Se sait qu'il a peint divers portraits du roi et du conde duc, beaucoup de de lesquels s'ont perdus dans l'incendie de l'Alcazar de 1734.[13]

Entre les oeuvres conservées de cette période il souligne spécialement Les ivrognes, sa première composition mitológica, en représentant l'ancienneté classique de forme vigorosa et quotidienne comme une réunion de paysans de son temps réunis allègrement pour boire, où encore persistent quelques façons sévillans. Entre les portraits de la famille réelle il souligne L'infant Monsieur Carlos, et des portraits n'appartenants à la famille réelle ils dépassent Le geógrafo du Musée de Beaux-Arts de Ruan et le Portrait d'homme jeune de la Alte Pinakothek de Múnich.[18]

En 1628 Rubens est arrivé à Madrid pour réaliser gestions diplomatiques et il a profité d'en peignant de l'ordre de dix portraits de la famille réelle. Il A aussi étudié la collection réelle de peinture en copiant à Titien. Il a demeuré dans la ville presque un an. Velázquez l'a accompagné au monastère de l'Escorial. Il a dû être une grande expérience pour Velázquez connaître à ce gan peintre qui se trouvait dans son apogée créatif et lui a sûrement aidé à comprendre qu'est-ce que il précisait pour compléter sa formation. Au se comparer les portraits de Felipe IV réalisés par les deux peintres, Rubens a peint au roi de forme alegórica, tandis que Velázquez l'a continué en représentant comme l'essence du pouvoir. Picasso l'a analysé j'ai pris: le Felipe IV de Velázquez il est personne diverse du Felipe IV de Rubens.[19]

Premier voyage à l'Italie

[[j'Archive:Diego Velasquez, The Forge of Vulcan.jpg|thumb|270px|La fragua de Vulcain (1630), Musée du Pré (Madrid).]]

La tunique de José (1630), Monastère de l'Escorial (Saint-Laurent de l'Escorial).

Après la part de Rubens et sûrement influencé par il, Velázquez a sollicité licence au roi pour voyager à l'Italie à compléter ses études.[20] Le 22 juillet 1629 lui ont accordés pour le voyage deux ans de salaire, 480 ducados, et puis disposait d'autres 400 ducados par le paiement de divers tableaus. Velazquez A voyagé avec un domestique et il portait des lettres de recommandation pour les autorités des lieux que voulait visiter.[21]

Ce voyage à l'Italie a représenté un changement décisif dans sa peinture. Son style s'a transformé radicalement. Depuis le siècle antérieur les artistes de toute l'Europe ils voyageaient à l'Italie pour connaître le centre admiré par tous de la peinture européenne. En plus Velázquez était le peintre du roi de l'Espagne et c'est pour cela qu'ils se lui ont ouvert toutes les portes en pouvant contempler des oeuvres qu'ils seulement étaient à la portée des plus privilégiés.[22]

Il est parti du Port de Barcelone dans le navire de Spinola, général genovés au service du roi espagnol que revenait à son terroir. Il S'a d'abord dirigé à Venise où l'ambassadeur espagnol lui a géré des visites aux principales collections artistiques des divers palais. Selon Palomino a copié des oeuvres de Tintoret. Comme la situation politique était délicate à Venise a demeuré là peu de temps et il est parti vers Ferrara, où se trouverait avec la peinture de Giorgione; il se méconnaît l'effet qu'il lui a produit l'oeuvre de ce grand innovateur.[23]

Il A après été en Cento intéressé en connaître l'oeuvre de Guercino, que peignait ses tableaus avec une illumination très blanche, ses figures religieuses étaient traitées comme des personnages courants et il était un grand paisajista. Pour Julián Galicien l'oeuvre de Guercino a été celle qui il a plus aidé à Velázquez à trouver son style personnel.[23]

à Rome le cardinal Francesco Barberini lui a facilité l'entrée aux séjours vaticanas, dans celles qui a consacré beaucoup de jours à la copie des frais de Míguel Angel et Rafael. Il S'a après déplacé à Villa Medicis dans le banlieue de Rome, où a copié sa collection de sculpture classique et il a réalisé paysages du naturel. il n'a seulement étudié les maître anciens; ils à ce moment-là se trouvaient des actifs à Rome les grands peintres du baroque, Pierre de Cortone, Andrea Sacchi, Nicolás Poussin, Claudio Lorraine et Gianlorenzo Bernini. il n'y a pas attestation directe de que Velázquez contactât avec ils, mais existent des importants indices de que il a connu de première main les nouveautés du monde artistique romano.[24]

L'assimilation de l'art italien dans le style de Velázquez se comprueba en les lienzos de la période La fragua de Vulcain et La tunique de José qu'ont été peints par initiative propre sans commission de par moyen. En La fragua de Vulcain, bien que persistent des éléments de la période sévillan, est une rupture importante avec sa peinture antérieure. Dans le traitement spatial ils s'apprécient des changements: la transition vers le fond est douce et l'intervalle entre des figures est très mesuré. Dans les coups de pinceau, avant étaient des capes de peinture ópaca, maintenant l'imprimación est très légère, le coup de pinceau est fluide et les coups de lumière ils produisent des étonnants effets entre les zones illuminées et les ombres. Il L'a ainsi décrit le peintre contemporaneo Jusepe Martínez: «il est venu très amélioré en ce qui concerne perspective et architecture se rapporte».[24]

Il a demeuré à Rome jusqu'à l'automne de 1630 et il est rentré à Madrid en passant par Napolés à des principes de 1631. Il A là connu à José de Rive, que se trouvait dans sa plénitude picturale.[17]

Maturité à Madrid

[[j'Archive:La couturière.jpg|150px|left|thumb| La couturière (1640), un de ses portraits ses plus intimes. ]] Conclu son premier voyage à l'Italie, avait obtenu «une technicienne de sévère perfection». Avec 32 ans il a entamé sa période de maturité. En Italie il avait complété son procès formatif en étudiant tu les oeuvres des maîtresses du renacimiento et son éducation picturale était la plus ample qu'un peintre espagnol avait reçu jusqu'à aujourd'hui.[25]

À partir de 1631 il revient à sa principale tâche de peintre de portraits réels dans une période d'ample production, en participant aux deux grands projets decorativos du moment: le nouveau Palais de la Bonne Retraite et la Tour de l'Arrêt, un pavillon de chasse du roi.[26]

Conçu le Palais de la Bonne Retraite comme une grande exaltation de la monarchie espagnole et de son souverain, Velázquez a réalisé pour le même une série de cinq portraits ecuestres de Felipe III, Felipe IV, tous les deux avec ses épouses et du principe héritier. Ceux-ci décoraient les testeros du grand Salon de Royaumes, pour dont murs s'a chargé aussi une ample série de lienzos avec des batailles en montrant le triomphe de la monarchie. Il a réalisé Velázquez un d'ils, La rendición de Breda, l'appelé aussi Les Jettes.[25] Autant le portrait de Felipe IV à cheval comme le de le prince se trouvent entre les oeuvres maîtresses du peintre. Peut-être en les autres trois portraits ecuestres a pu recevoir aide de son atelier, mais ils de toute manière se remarquent dans les mêmes détails de somme dextérité qu'ils appartiennent à la main de Velázquez. La disposition des portraits ecuestres du roi Felipe IV, la reine et le principe héritier dans le Salon de Royaumes, a été reconstruida par Brown apoyandose en des descriptions de l'époque:[27]


Fichier:Principe baltasar carlos cheval Velazquez lou.jpg.jpg
Fichier:Portrait de Felipe IV à cheval.jpg Fichier:La reine Isabel de Bourbon à cheval.jpg

Pour la Tour de l'Arrêt a peint trois portraits du roi, de son frère et du principe habillés de chasseurs. Aussi pour ce pavillon de chasse a peint autres trois tableaus, Ésope, Menipo et Mars en reposant. Par a alors peint aussi ses portraits de bufones, en dépassant entre ils les quatre de figure assises.[26]

Le décennie de 1630 a été celle qui il a plus peint; presque un tiers de son catalogue appartient à cette période. Vers 1640 cette intense production il est descendu drasticamente et déjà ne s'a pas récupéré dans le futur. il ne se connaît pas avec sécurité le motif de telle réduction, si bien s'argumente que Velázquez a été en accaparant labeurs cortesanas au service du roi, que lui ont aidés à gagner une meilleure position mais qu'ils lui ont soustraits temps pour peindre.[28]

En 1633 il s'était marié la fille de Velázquez, de nom Francisca, avec Juan Bautista Martínez du Maillet, peintre aussi. Un an après, son suegro lui céderait son post d'ujier de caméra, pour assurer le futur économique de sa fille. Velázquez occuperait en 1643 le post de Ayuda de Caméra, qu'il supposait les faveurs réelles, étant donné qu'il était une des personnes les plus prochaines au monarque. Par ailleurs, après cette nomination, ils se sont arrivés une série de malheurs dans la cour et dans les proximités du monarque: chute du pouvoir du valu du roi, le Conde-Duc d'Olivares (qu'avait été protector à il), la mort de la reine Isabel en 1644, la mort de sa suegro et maître Francisco Pacheco, le 27 novembre de ce même an, et la defunción du prince Baltasar Carlos, aux 17 ans d'âge.

Deuxième voyage à l'Italie

[[j'Archive:Diego Velaquez, le Vénus at Her Mirror (The Rokeby le Vénus).jpg|thumb|300px|le Vénus du miroir (1650).]] En 1649-51 Velázquez il a réalisé un deuxième voyage à l'Italie avec le fín d'acquérir pour le roi peintures et sculptures anciennes. il aussi devait embaucher à Pierre de Cortone pour peindre au frais divers plafonds de séjours qu'ils s'étaient réformé dans le Alcazar de Madrid. Après au ne pouvoir acheter des sculptures anciennes il a dû se conformer avec charger copies en bronze moyennant vidés ou moules obtenus d'originaux fameux. Il A non plus pu convaincre à Pietro de Cortona pour réaliser les frais de l'Alcazar et dans son lieu a embauché pour cela à Angelo Michele Colonna et Agostino Mitelli, experts dans la peinture de trampantojo. Ce travail de gestion plus que proprement créatif lui absorbait longtemps; il a voyagé par diverse villes en cherchant peintures de maîtres anciens, en sélectionnant sculptures anciennes pour copier et en obtenant les permissions pour le faire. Il a été un an en Italie sans peindre.[29]

Le Portrait d'Innocent X a déchaîné qu'autres membres de la curia papale souhaitassent des portraits à eux de la main de Velázquez. Palomino Dit qu'il a réalisé sept de personnages qu'il cite, deux n'identifiés et autrui qu'ils sont resté inacabados. Il résulte assez étonnant en Velázquez, surtout en s'agissant d'un peintre que se prodigaba très peu de.[29]

Une autre fois réalise un parcours par les principaux états italiens, bien que en deux étapes: la première, qu'arrive jusqu'à Venise, où il acquiert des oeuvres de Véronèse et Tintoret pour le monarque espagnol; et la deuxième, qu'arrive jusqu'à Rome, après passer par Naples, où il se retrouve avec Rive. à Rome il portrait au pontífice Innocent X, oeuvre dans laquelle, en utilisant comme moyen le contraste de lumières, réussit remplir d'expressivité tout le tableau. Il y a des théories qu'ils attribuent la fameuse le Vénus du Miroir à cette étape en Italie et ils identifient à la modèle comme la peintre Lavinia Triunfi, si bien certains auteurs croient qu'il est le portrait d'une amante de Velázquez, que lui a donné un fils illégitime. Le thème de la le Vénus avait déjà été traité en foule de versions par deux des maîtres que plus influence ils ont eu dans la peinture velazqueña: Titien et Rubens. La le Vénus de Velázquez apporte au genre une nouvelle variante: la déesse se trouve de dos et il montre son visage au spectateur dans un miroir.

Dernier décennie: sa cime picturale

De tour à Madrid ses charges administratifs ils lui ont absorbés de plus en plus. Felipe IV l'a nommé Aposentador Réel, charge qui lui a enlevé grande quantité de temps pour développer son labeur pictural[30]. Velázquez devait supervisar ne seulement le décor des palais réels, mais aussi l'hospedaje du monarque lorsque se déplaçait à autres lieux.

L'arrivée de la nouvelle reine, Mariana de l'Autriche, a motivé la réalisation de divers portraits. Aussi l'infante casadera Maria Teresa a été portrait dans diverse occasions donc devait s'envoyer son image aux possibles époux. Les nouveaux infants, nés de Mariana, ont aussi causé divers portraits, surtout Margarita, née en 1651.[30]

Dans la fin de sa vie a peint ses deux compositions plus grandes et complexes, ses oeuvres magistrales La fábula d'Aracné (1658), connue populairement comme Les Hilanderas, et le plus célébré et fameux de tous ses tableaus La famille de Felipe IV ou Les Meninas (1656). En ils nous voyons son style dernier où il semble représenter la scène moyennant une vision fugace. Il a employé des coups de pinceau osés que d'ils près semblent inconexas mais contemplées à distance acquièrent tout son sens, en s'anticipant à la peinture de Manet et aux impresionistas du siècle XIX dans lesquels a autant influencé son style[31]. Les interprétations de ces deux oeuvres ont causé multidud d'études et sont envisagées deux tu oeuvres des maîtresses de la peinture européenne.[30]

La dernière commission qui a reçu du roi a été peindre quatre peintures mitológicas pour le Salon des Miroirs, où s'ont placés je joins à des oeuvres de Titien, Tintoret, Véronèse et Rubens, les peintres préférés de Felipe IV. Des quatre oeuvres, il s'est seulement conservé Mercure et Argos, et les autres trois ont résulté détrui dans l'incendie de l'Alcazar en 1734[30]. Cette perte est spécialement grave parce que, par son thème, quelque des peintures comprenait nus, un genre peu de commun entre les peintres espagnols de l'époque.


Portraits des infants
144px Fichier:Diego Velázquez 027b.jpg
Les deux premiers portraits correspondent à l'infante Margarita peints en 1653 et 1659, le troisième est de l'infante María Teresa (1652) et la chambre est le prince Felipe Prospère (1659). Tous ils se trouvent en Kunsthistorisches Museum, Vienne.

D'accord à la mentalité de son époque, Velázquez souhaitait obtenir la noblesse et il a été proposé pour le Mandat de Santiago en 1658. Il se précisait être d'ascendencia noble, ne juif ni discute, et c'est pour cela que le Conseil de mandats Militaires a réalisé une recherche sur sa linaje. Il s'a pris déclaration à 148 témoins et il a été rejeté au ne se trouver pas ascendencia noble dans sa grand-mère paternelle ni dans ses grand-pères maternels. Dans ces circonstances il seulement la dispense du Pape pouvait remporter que Velázquez fût admis en à l'Ordre. Par de la chance, Innocent X appréciait au peintre que tellement lui avait précisément portrait, et il est allé grâce à la dispense papal que Velázquez a réussi appartenir au mandat de Santiago le 28 novembre 1659.[30]

En 1660 le roi et la cour ils ont accompagné à l'infante María Teresa à la frontière française où s'a trouvé avec son nouveau époux Luis XIV. Velázquez comme aposentador réel s'a chargé de préparer le logement du cortège et de décorer le pavillon où s'a produit la rencontre. Le travail a dû être épuisant et au tour enfermó de viruela.[30] Est mort à Madrid le 6 août 1660. Il a été enterré à jour suivant avec tous les honneurs du Mandat de Santiago dans la église de San Juan Bautista.[32] Sa femme, Juana Pacheco, est mort sept jours après.

Outre les écrits de Francisco Pacheco sur sa jeunesse et de la biographie de Palomino, pratiquement contemporaine, se dispose de beaucoup de documents administratifs sur des événements que lui sont arrivés. Pourtant rien se sait de ses lettres, écrits personnels, amitiés ou vie privée, que permettraient indagar dans sa vie, son travail et sa pensée. Ce que fait difficile la compréhension de la personnalité de l'artiste.[33]

ils oui se connaissent ses intérêts en des livres. Sa bibliothèque, très nombreuse pour l'époque, était formée par 154 exemplaires sur mathématiques, geometría, géographie, mécanicienne, anatomía, architecture et théorie de l'art. Récemment divers estudiosos à traves de ces livres ont essayé se rapprocher à la compression de sa personnalité.[34]

L'artiste

[[j'Archive:Principe Baltasar Carlos à cheval Velazquez detail.jpg|thumb|300px|Principe Baltasar Carlos à cheval (Détail-1635). Envisagée une de ses oeuvres maîtresses. Ses coups de pinceau rapides, abocetadas et d'énorme précision, anteceden en deux siècles les façons impresionistas.
(Pour élargir l'image clikear sur la même et sur les successives qu'apparaîtront; si revierte revienne à clikear.).]]

Son style pictural

Jusqu'à Les ivrognes, Velázquez peignait ses personnages avec des contours précis et en les soulignant clairement des fonds, ses coups de pinceau étaient ópacas et empastadas.[35]

Dans son premier voyage à l'Italie a réalisé une radicale transformation de son style. Dans ce voyage le peintre ensayó nouvelles techniciennes en cherchant la luminosité. Velázquez, qu'était allé en développant sa technicienne dans les ans antérieurs, a conclu cette transformation à intervenus de 1630 où il s'envisage qu'il a trouvé son langage pictural moyennant une combinaison de coups de pinceau tu relâches de couleurs transparentes et coups précis de pigmento pour ressortir les détails.[35]

À partir de La Fragua de Vulcain, peinte en Italie, la préparation des tableaus a changé et il s'a maintenu le reste de sa vie. Il se composait basiquement de blanc de plombe appliqué avec espátula, que formait un fond de grande luminosité complétée avec des coups de pinceau de plus en plus transparents.[35] En La rendición de Breda et dans le Portrait ecuestre de Baltasar Carlos, peints dans le décennie de 1630, a conclu ce changement. La ressource de fonds clairs et capes transparentes de couleur pour créer une grande luminosité étaient fréquente en des peintres flamands et des italiens, mais Velázquez a développé cette technicienne jusqu'à des bouts jamais vus.[35]

Cette évolution s'a produit en raison de la connaissance de l'oeuvre d'autres artistes, spécialement la collection réelle et les tableaus qu'il a étudié en Italie. Aussi par sa relation directe avec autres peintres, Rubens dans sa visite à Madrid et ceux qui a connu dans son premier voyage à l'Italie.[35] Velázquez, par tellement, ne faisait pas comme les autres peintres qu'il y avait en Espagne qu'ils peignaient en superposant capes de couleur. Il a développé son propre style de coups de pinceau diluidas et coups rapides et précis dans les détails. Ces petits détails avaient beaucoup d'importance dans la composition. L'évolution de sa peinture a poursuivi vers une majeure simplification et rápidez d'exécution. Sa technicienne, avec le pas du temps, s'est revenu plus précise et esquemática. Il a été le résultat d'un ample procès de maturation intérieure.[35]

Le peintre n'avait pas la composition totalement définie au début, il plutôt préférait l'ajuster d'après il allait en progressant le tableau en introduisant modifications qui améliorassent le résultat. il ne faisait pas des dessins préparatoires, il simplement faisait un bosquejo des lineas généraux de la composition. En beaucoup de de ses oeuvres ses célèbres corecciones s'apprécient à simple vue. Les contours des figures se vont en superposant dans le tableau selon modifiée sa position, ajoutait ou il éliminait des éléments. À simple vue ils se peuvent remarquer beaucoup de de ces ajustages: modifications dans la position des mains, des manches, dans les cous, dans les robes.[35] Une autre habitude à elle était retocar ses oeuvres après conclues, dans quelques cas ces retouches s'ont produits longtemps après.[36]

La palette de couleurs qui employait était très réduite en utilisant en toute sa vie les mêmes pigmentos. Ce que a varié avec le temps est la forme de les mêler et les appliquer.[35]

Le degré de fini est une autre part fondamentale de son art et il dépend du thème. Les figures sont toujours la part la plus élaborée, dans le cas de la famila réelle sont beaucoup plus travaillées qu'en les bufones où s'a pris les majeures libertés techniques.[35] En des tableaus comme L'encajera la zone abocetada avec des amples coups de pinceau occupe grande part du tableau. Tout au long de sa vie, en beaucoup de portraits et autres compositions mitológicas, religieuses ou historiques apparaissent ces zones esbozadas. Pour López Roi est clair que ces parts abocetadas ont une intensité expresiva intrínseca en étant bien intégrées dans la composition du tableau et peut s'envisager part de l'art de Velázquez.[36]

Fichier:Les Meninas detail.jpg
Détail de Les meninas où s'apprécie son dernier style: traits longs et sueltos en les contours et des coups de pinceau brefs dans les coups de lumière, fondamentalement dans les robes.
Pour voir avec détail le style de Velázquez, élargir clikeando sur cette image et les successives qu'apparaîtront, si revierte revienne à clikear.

Reconnaissance de sa peinture

La reconnaissance de Velázquez comme grand maître est assez tardif. Pratiquement jusqu'au principe du siècle XIX n'apparaît pas son nom entre les artistes envisagés majeurs.[37] Les causes sont diverses; Velázquez n'accoutumait pas à signer ses oeuvres, par ce que beaucoup de se attribuaient à autres artistes. En plus, la majeure part de sa course l'a consacré au service de Felipe IV, par ce que presque toute sa production a demeuré dans les palais réels, lieux peu d'accessibles au public. Au contraire que Murillo et Zurbarán, n'a pas dépis de la clientèle ecclésiastique et il a réalisé des peu d'oeuvres pour des églises et des autres bâtiments religieux, par ce que il n'a pas été un artiste populaire.

Le portrait de Pablo de Valladolid (1636-37) a été des plus admirés par Manet.

L'oeuvre de Velázquez a commencé à être connue lorsque les voyageurs étrangers qui visitaient l'Espagne ils ont pu la contempler dans le Musée du Pré, qu'a commencé à montrer les collections réelles en 1819. Avant seulement ceux qui disposaient d'un premiso spécial pouvaient contempler son oeuvre dans les palais regios.[33]

Le reconocimento de peintres et critiques a été en grandissant. L'étude sur le peintre de Stirling Maxwell, publié à Londres en 1855 et traduit au français en 1865, a aidé en le redescubrimiento de l'artiste, se traitait de la première étude moderne sur la vie et oeuvre du peintre. La révision de l'importance de Velázquez concidió avec un changement de sensibilité artistique.[33]

Lorsque Manet a réalisé son fameux voyage d'étude à Madrid en 1865, la renommée du peintre déjà était établie, mais personne s'a senti tellement maravillado et a été qui a plus fait par la compréhension et estimation de son art.[33] L'a qualifié comme le peintre de peintres et le plus grand peintre que n'a jamais existé.[38]

Par autant le surgimiento de Velázquez comme peintre universel s'a produit vers 1850. Dans la deuxième part du siècle a été censé le réaliste suprême et le père de l'art moderne.[39]

À la fin de siècle s'a ajouté l'interprétation de Velázquez comme un peintre protoimpresionista. Stevenson En 1899 a étudié ses tableaus avec regard de peintre et il a trouvé des nombreuses connexions entre la technicienne de Velázquez et les impresionistas français.[30]

Ortega et Gasset a situé le moment de maximale renommée de Velázquez entre 1880 et 1920, en coïncidant avec le temps des impresionistas français.[40]

Il Est après devenu l'inverse, vers 1920 l'impresionismo et ses idées esthétiques ont décliné et avec il l'égard de Velázquez.[41] Selon Ortega a commencé une période qu'il a appelé d'invisibilité de Velázquez.[40]

Catalogue et museografía

Fichier:Sebastián Morra (Velázquez) detail.jpg
Détail du portrait du nain Sebastian Morra (1645). Observese La luminosité du visage, son regard concentré, la représentation de ses vêtements et le traitement du fond neutro.

Les oeuvres conservées du peintre s'estiment entre cent vingt et cent vingt-cinq lienzos, quantité réduite donnés les quarante ans de dévouement pictural. Si ils s'ajoutent les oeuvres qu'ils s'ont référence mais qu'ils se sont perdu a dû peindre sur cent soixante tableaus. Dans les vingt premiers ans d'activité il a peint sur cent vingt à raison de six à l'an, alors qu'en ses derniers vingt ans seul a peint sur quarante tableaus à raison de deux annuels.[42] Palomino A expliqué que cette réduction s'a produit parce que les multiples activités de la cour lui enlevaient longtemps.[43]

Le premier catalogue sur l'oeuvre de Velázquez l'a réalisé Stirling-Maxwell en 1848 et comprenait 226 tableaus. Les successifs catalogues d'autres auteurs sont allés en réduisant le nombre de tableaus véritables jusqu'à arriver au chiffre actuel de 120-125. Des catalogues actuels, le plus utilisé il est le de López Roi publié en 1963 et révisé en 1979, en le premier comprenait cent vingt oeuvres et dans la révision étaient cent vingt-trois.[44]

Actuellement le Musée du Pré a quelques cinquante oeuvres du peintre, la part fondamentale de la collection réelle, alors qu'en autres lieux et des musées de Madrid se trouvent autres dix oeuvres.[45]

En le Kunsthistorisches Museum de Vienne se peuvent admirer dix tableaus, entre ils cinq portraits du dernier décennie.[23] Ces tableaus, la plupart portraits de l'infante Margarita, étaient envoyés à la cour imperial de Vienne pour que son premier l'empereur Leopoldo que s'était promis avec elle dans sa naissance pût remarquer sa croissance.[46]

En Grande-Bretagne il y a une vingtaine de tableaus et déjà en vie de Velázquez il y avait des supporters par coleccionar sa peinture. Il est où ils ont plus d'oeuvres de la période sévillan et l'unique le Vénus de Velázquez qu'y a sobrevivido. Les bodegones se trouvent en galerias publiques de Londres, Édimbourg et Dublin. La majeure part de ces oeuvres ils sont sorti de l'Espagne pendant l'invasion napoleónica.[47]

aux États-Unis il se trouve une autre vingtaine d'oeuvres, de ceux qui la moitié se trouvent en des musées de New York.[23]

Oeuvre

Voyez-vous aussi: Annexe:Tableaus de Velázquez et Catégorie:Tableaus de Diego Velázquez

La rendición de Breda

Article principal: La rendición de Breda
Fichier:D'overgave vont breda Velazquez.jpg
La rendición de Breda (1635), oeuvre cime du Baroque pictural.

Ce tableau de la bataille de Breda était destiné à décorer le grand Salon de Royaumes du Palais de la Bonne Retraite, ensemble avec autres tableaus de batailles de divers peintres. Le Salon de Royaumes était conçu comme une grande exaltation de la monarchie et de Felipe IV.[48]

Il s'agit d'une oeuvre de totale maturité technique où a trouvé une nouvelle forme de saisir la lumière. Le style sévillan a disparu, déjà il ne s'emploie pas la forme caravaggista de traiter le volume illuminé. La tecnica se revient très fluide jusqu'au point que dans quelques zones le pigmento ne couvre pas le lienzo en laissant voir la préparation du même.[48] dans ce tableau Velázquez a terminé de développer son style pictural. À partir de ce tableau peindra toujours avec cette technicienne, seulement réalisera des petits ajustages en elle.[49]

Dans la scène représentée le général espagnol Spinola reçoit de l'hollandais Justin du Nassau les clefs de la ville conquise. Les conditions de la rendición ont été excepcionalemente benignas et se leur a permis aux vaincus sortir de la ville avec les armes. La scène est une invention donc réellement l'acte de livraison de clefs n'a pas existé.[50]

Dans la foulée Velázquez a été en modifiant la composition diverse fois, effaçait ce que il ne lui plaisait pas avec des légères superpositions de couleur. Les radiographies permettent distinguer la superposition de beaucoup de modifications. Une des plus significatives sont tu les jettes des soldats espagnols, élément capital de la composition, qu'ont été ajoutées dans une phase posterior. La composition s'articule en profondeur moyennant une perspective aérienne. Entre les soldats hollandais de la gauche et les espagnols de la droite il y a des visages fortement illuminés et autrui sont traités en des différents niveaux d'ombres. La figure du général vaincu traité avec noblesse est une forme de ressortir au vainqueur.[50] À la droite le cheval de Spinola se meut il impatiente. Les soldats uns répondent et autrui ils semblent distraidos. Ils sont ces petits mouvements et des gestes ceux qui enlèvent rigidité à la rendición et lui donnent une apparence de naturel.[49]

Le portrait du pape Innocent X

Le portrait d'Innocent X (1649-51).
Article principal: Portrait d'Innocent X

Le portrait Le plus acclamé en vie du peintre et que suit aujourd'hui en suscitant admiration, est celui qui a réalisé au pape Innocent X. Peint dans son deuxième voyage à l'Italie, l'artiste était dans la cime de sa renommée et de sa technicienne.[29]

il n'était pas facile que le Pape posât pour un peintre, était un privilège que très peu d'ils réussissaient. Pour Enriqueta Harris les peintures que Velázquez lui a porté comme cadeau du roi ils ont dû mettre à Innocent en bonne disposition. Comme s'est expliqué l'artiste portait un an sans toucher les pinceaux et pour prendre pratique il a avant peint à son domestique Juan Semblable.[29]

Il s'a inspiré dans le portrait que Rafael a peint au pape Juillet II et dans l'évolution sur le même que Titien a réalisé au pape Paulo III, les deux très célèbres et copiés. Velázquez a rendu hommage à son admiré maître veneciano dans ce tableau plus que en aucun autre, bien que s'agit d'une création indépendante: la figure redressée dans son fauteuil a beaucoup de force.[29]

Avec des coups de pinceau tu relâches divers tons de rouges se combinent, depuis le plus lointain au plus proche, au fond le rouge obscur du rideau, après le plus clair du fauteuil, en premier plan l'impressionant rouge de la muceta avec ses lumineux reflets. Sur cet environnement domine la tête du pontifice de traits forts et regard sévère.[29]

Ce portrait a toujours été très admiré. Il a inspiré à des peintres de toutes les époques depuis Neri à Francis Bacon avec sa tourmentée série. Pour Joshua Reynols était le meilleur tableau de Rome et un des premiers portraits du monde.[29]

Palomino A dit que Velázquez a porté dans son tour à Madrid une copie. Il s'envisage qu'il est le de le Wellington Museum de Londres. Wellington l'arrebató aux français à Vitoria, que à son tour l'avaient expoliado à Madrid pendant la Guerre de l'Indépendance. Il s'agit de l'unique copie autógrafa de Velázquez beaucoup de répliques existantes.[29]

Les meninas

Article principal: Les meninas
Les Meninas, nom avec lequel est connu populairement ce tableau depuis le siècle XIX, est envisagée l'oeuvre la plus importante du peintre.

Il s'agit d'une des oeuvres les plus fameuses et controversées de notre temps. Grâce à Palomino savons les noms de tous les personnages qu'apparaissent dans le tableau. Dans le centre en premier plan apparaît l'infante Margarita, assistée par deux dames d'honneur ou meninas. Dans la droite ils sont les nains Maribarbola et Nicolás Pertusato, ce dernier en donnant un puntapie au chien. Derrière, en pénombre, ils apparaissent une dame de compagnie et un il garde de corps, au fond dans la porte José Petit-fils, aposentador de la reine. À la gauche en peignant un grand lienzo que voyons par il derrière se trouve le peintre Diego Velázquez. Dans le miroir reflétés ils se devinent les rois Felipe IV et son épouse Mariana de l'Autriche.[51]

Il s'est déjà signalé que Velázquez ajustait la composition conforme le tableau devançait. La mofidicación plus importante qu'a réalisé il est la tête de Velázquez qu'avant regardait vers l'infante et il enfin regarde vers le spectateur. Il a employé très des peu de couleurs, pratiquement ce que ils se voient dans sa palette plus la gamme de bleus.[51] Palomino A expliqué que la croix du Mandat de Santiago qu'apparaît dans l'habillement du peintre a été ajoutée après la mort de Velázquez par ordre de Felipe IV.[52]

Les figures de premier terme sont résolues moyennant des coups de pinceau tu relâches et longues avec des petits coups de lumière. Derrière l'exécution est encore plus somera en apparaissant les figures en pénombre. La faute de définition augmente vers le fond et ils sont les rois représentés dans le miroir les figures plus someras. Cette même technicienne s'emploie pour créer l'atmosfera nebulosa de la part grande du tableau, qu'a habituellement été soulignée comme la part la plus remportée de la composition.[51]

L'espace arquitectónico est plus complexe que dans autres tableaus en étant l'unique où apparaît le plafond de la chambre. La profondeur de l'environnement est accentuée par l'alternance des jambas des fenêtres et les cadres de tableaus du mur droit, alors que dans la gauche ce papier de remarquer l'espace l'assume le grand châssis du tableau qu'apparaît représenté par derrière, aussi aide la séquence en perspective des crochets d'araignée du plafond. Ce plateau en pénombre ressort le groupe bien illuminé de l'infante.[52]

Pourtant il ne semble pas que l'infante Margarita soit la raison de la composition. Les spectateurs que nous remarquons le tableau nous avertissons que les gestes gelés et les regards vers nous du groupe de l'infante: il nous est en signalant que le centre de l'action n'est pas peint et il se trouve en dehors du tableau dans la zone depuis où nous nous regardons. Études récentes basées sur cette idée de Michel Foucault ont prêté beaucoup d'attention à la relation entre la scène que se développe en le tableau et l'espace devant le tableau où est le spectateur.[53]

L'Antérieur doit voir avec ce que Velázquez est en train de peindre dans le grand tableau de la gauche que ne se voit pas. Le Plus probable est qu'est en peignant à Felipe IV et à la reine Mariana qu'ils sont les bustos que se voient reflétés dans le miroir et que seraient les figures qu'ils seraient par tellement dans la zone où il est le spectateur.[52]

La fábula d'Aracné (Les hilanderas)

Article principal: La fábula d'Aracné

La fábula d'Aracne l'a peint pour un client particulier, Pedro d'Arce, qu'appartenait à la cour. Dans le tableau se représente le mythe d'Aracne, une extraordinaire tejedora, que Ovidio a décrit dans ses Metamosfosis. La mortelle a défié à la déesse Minerve pour démontrer que tejía comme une déesse. Le résultat a été un match nul et il s'a conclu que le tápiz d'Aracne était d'égale qualité que le de la déesse. Dans le tableau en premier terme ils se voient à la déesse et à Aracne tejiendo ses respectifs tápices. Dans le fond se représente le moment posterior, pendus dans les murs les tápices terminés, en que se déclarent de qualité équivalentes.[54]

Fichier:Les hilanderas Velázquez detail.jpg
Détail de la zone cental de Les hilanderas (1658). En premier terme, la compétition entre Aracne, à la droite avec blusa blanche tejiendo sa tàpiz, et la gauche Minerve, couverture avec un manto blanc. Au fond, de forme anacrónica, se juge le résultat qu'il termine en match nul.
Pour voir avec détail le style de Velázquez, élargir clikeando sur cette image et les successives qu'apparaîtront, si revierte revienne à clikear.

Après le peindre Velázquez, ils s'ont ajoutés 4 bandes suplementando les quatre côtés du tableau: le supérieur s'a augmenté quelques 50 cm, sur 22 cm le latéral droit, 21 le gauche et quelques 10 cm le côté inférieur,[55] En restant à la fin avec 222 cm d'hauteur et 293 de large.

Il est exécuté de forme très rapide sur un fond anaranjado en employant mélanges très fluides. Les figures en premier terme sont difuminadas, définies avec des coups rapides que provoquent cette borrosidad et plus à le fond cet effet augmente en étant les coups de pinceau les plus brefs et transparents. À la gauche représente une rueca dont les radios se devinent en une borrosa impression de mouvement. Velázquez est ressorti cet effet en disposant dans l'intérieur de la circunferencia quelques coups de lumière que suggèrent les fugaces reflets des radios en mouvement.[55]

Il a introduit dans la composition beaucoup de changements, un des plus significatifs est la femme de la gauche qu'écarte le rideau qu'au début il ne figurait pas dans le tableau.[55]

Le tableau se trouve en des mauvaises conditions de conservation. Pour les estudiosos, est l'oeuvre où la couleur est plus lumineux et où il a obtenu la majeure domination de la lumière. Le contraste entre l'intense luminosité de la scène du fond et le claroscuro du séjour en premier plan est très accusé. il aussi y a un autre grand contraste dans le premier terme entre la lumineuse figure d'Aracne et les figures en ombre de la déesse Minerve et autres tejedoras.[56]

Relation d'oeuvres

[[j'Archive:Diego Velázquez 041.jpg|thumb|170px|Le bufón Calabacillas (1637-39)]]

Menipo (1639)
Juan de Couple (1649-50)
Fichier:Le barbier du Pape Velazquez.jpg
Cadre connu comme le barbier du Pape (1649-50)
Fichier:Felipe IV embarnecido (Musée du Pré).jpg
Dernier portrait de Felipe IV (1655)

Voyez-vous aussi

Les maîtres anciens qu'il a étudié dans la collection réelle et en Italie:

La peinture contemporaine qui s'a trouvé dans son premier voyage à l'Italie:

Ses protectores:

Les principaux musées où il se conserve son oeuvre:

Références

  1. ↑ 1,0 1,1 Justi, op. cit., p.107-114
  2. ↑ Galicien, op. cit., p.15
  3. ↑ 3,0 3,1 Ragusa, op. cit., p.23
  4. ↑ 4,0 4,1 4,2 Harris, Biographie, p.424-425
  5. ↑ 5,0 5,1 5,2 Pérez Sánchez, op. cit., p.24-26
  6. ↑ Galicien, op. cit., p.37-38
  7. ↑ Ragusa, op. cit., p.24-29
  8. ↑ 8,0 8,1 Pérez Sánchez, op. cit., p.27-31
  9. ↑ 9,0 9,1 Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.12
  10. ↑ López Roi, Velázquez, p.10
  11. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.34
  12. ↑ García Serraller,, op. cit., p.36-37
  13. ↑ 13,0 13,1 13,2 13,3 Pérez Sánchez, op. cit., p.31-32
  14. ↑ Galicien, op. cit., p.52
  15. ↑ García Serraller,, op. cit., p.40-43
  16. ↑ 16,0 16,1 Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.60-61
  17. ↑ 17,0 17,1 Brown, Velázquez. La technicienne du caractère, p.10
  18. ↑ García Serraller,, op. cit., p.55-59
  19. ↑ López Roi, Velázquez, p.17
  20. ↑ Pérez Sánchez, op. cit., p.35-36
  21. ↑ Galicien, op. cit., p.74-75
  22. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.69
  23. ↑ 23,0 23,1 23,2 23,3 Galicien, op. cit., p.76-80
  24. ↑ 24,0 24,1 Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.70-77
  25. ↑ 25,0 25,1 Pérez Sánchez, op. cit., p.36-37
  26. ↑ 26,0 26,1 Harris, Biographie, p.426
  27. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.107-111
  28. ↑ Brown, Velázquez. La technicienne du caractère, p.11-12
  29. ↑ 29,0 29,1 29,2 29,3 29,4 29,5 29,6 29,7 Harris, Innocent X, p.203-213
  30. ↑ 30,0 30,1 30,2 30,3 30,4 30,5 30,6 Brown, Velázquez. La technicienne du caractère, p.13
  31. ↑ Harris, Biographie, p.427-428
  32. ↑ MADRID | Tombe de Velázquez. Il apparaît le dallage de l'église où s'a enterré
  33. ↑ 33,0 33,1 33,2 33,3 Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.305-6
  34. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.266
  35. ↑ 35,0 35,1 35,2 35,3 35,4 35,5 35,6 35,7 35,8 Brown, Velázquez. La technicienne du caractère, p.16-20
  36. ↑ 36,0 36,1 López Roi, Velázquez, p.122-127
  37. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.267-9
  38. ↑ García Serraller,, op. cit., p.131-3
  39. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.307-8
  40. ↑ 40,0 40,1 Ortega, La renommée de Velázquez
  41. ↑ Herzer, op. cit., p.7-10
  42. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.169
  43. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.183
  44. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.306-7
  45. ↑ Galicien, op. cit., p.193-204
  46. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.222
  47. ↑ Harris, Velázquez et la Grande-Bretagne, p.333-337
  48. ↑ 48,0 48,1 Pérez Sánchez, op. cit., p.37-38
  49. ↑ 49,0 49,1 Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.84-87
  50. ↑ 50,0 50,1 López Roi, Velázquez, p.17
  51. ↑ 51,0 51,1 51,2 Brown, Velázquez. La technicienne du caractère, p.181-194
  52. ↑ 52,0 52,1 52,2 López Roi, Velázquez, p.156-164
  53. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.259
  54. ↑ Brown, Velázquez. Peintre et cortesano, p.252
  55. ↑ 55,0 55,1 55,2 Brown, Velázquez. La technicienne du caractère, p.200-204
  56. ↑ López Roi, Velázquez, p.135-136

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