Expressionnisme

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Le expressionnisme a été un mouvement culturel surgi en Allemagne à des principes du siècle XX, qu'a eu plasmación dans un grand nombre de champs: arts plastiques, littérature, musique, cinéma, théâtre, il danse, photographie, etc. Sa première manifestation a été dans le terrain de la peinture, en coïncidant dans le temps avec l'apparition du fauvismo français, fait qui a converti à les deux mouvements artistiques en les premiers exposants des appels “avant-gardes historiques”. Plus que un style avec caractéristiques propres communs a été un mouvement hétérogène, une attitude et une forme de comprendre l'art qui a agglutiné à des divers artistes de tendances très divers et différent formation et niveau intellectuel. Surgi comme réaction au impresionismo, face au naturalismo et le caractère positivista de ce mouvement de fins du siècle XIX les expresionistas défendaient un art un plus personnel et intuitif, où predominase la vision intérieure de l'artiste –la “expression”– face à la plasmación de la réalité –la “impression”–.

L'expressionnisme a l'habitude d'être compris comme la déformation de la réalité pour exprimer de forme plus subjective la nature et l'être humain, en donnant primacía à l'expression des sentiments plus que à la description objective de la réalité. Compris de cette forme, l'expressionnisme est extrapolable à n'importe quelle époque et espace géographique. Ainsi, il s'est souvent qualifié d'expresionista l'oeuvre de divers auteurs comme Matthias Grünewald, Pieter Brueghel le Vieux, Le Greco ou Francisco de Goya. Quelques historiens, pour le distinguer, écrivent “expressionnisme” –en minuscules– comme terme générique et “Expressionnisme” –en des majuscules– pour le mouvement allemand.^[1]

Avec ses couleurest violents et sa thématique de solitude et de misère, l'expressionnisme il a reflété la amertume qu'il a envahi aux cercles artistiques et des intellectuels de la l'Allemagne prebélica, ainsi que de la Première Guerre mondiale (1914-1918) et de la période d'entreguerras (1918-1939). Cette amertume a provoqué un désir vehemente de changer la vie, de chercher nouvelles dimensions à l'imagination et de renouveler les langages artistiques. L'expressionnisme défendait la liberté individuelle, la primacía de l'expression subjective, le irracionalismo, l'apasionamiento et les thèmes interdits –le morboso, demoníaco, sexuel, fantastique ou pervertido–. Il a essayé refléter une vision subjective, une déformation émotionnelle de la réalité, à travers le caractère expresivo des milieux plastiques, qu'ont touché une signification métaphysique, en ouvrant les sens au monde intérieur. Compris comme une genuina expression de l'âme allemande, son caractère existencialista, son souhait métaphysique et la vision tragique de l'être humain dans le monde ils lui ont faits reflet d'un conception existentiel libérée au monde de l'esprit et à la préoccupation par la vie et la mort, conception qui s'a l'habitude d'il qualifier de "nordique" par s'associer au temperamento que tópicamente s'identifie avec l'estereotipo des pays du nord de l'Europe. Fidèle reflet des circonstances historiques en que s'a développé, l'expressionnisme a révélé le côté pessimiste de la vie, l'angoisse existentielle de l'individu, que dans la société moderne, industrialisée, se voit alienado, isolé. Ainsi, moyennant la distorsión de la réalité prétendaient impactar au spectateur, arriver à son côté son plus émotif.

L'expressionnisme n'a pas été un mouvement homogéneo, mais de grande diversité estilística: il y a un expressionnisme modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista et futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstrait (Kandinski), etc. Bien que son majeur centre de diffusion s'a donné en Allemagne, il aussi se perçoit dans autres artistes européens (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) et américains (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En Allemagne il s'a organisé principalement autour de deux groupes: Die Brücke (fondé en 1905), et Der Blaue Reiter (fondé en 1911), bien que a eu quelques artistes n'assignés à aucun groupe. Après la Première Guerre mondiale il est apparu l'appel Nouveau Objectivité, que si a bien surgi comme refus à l'individualismo expresionista en défendant un caractère un plus social de l'art, son distorsión formel et son colorido intense leur font des héritiers directs de la première génération expresionista.

Sommaire 1 Définition 2 Origines et influences 3 Architecture 3.1 Deutscher Werkbund 3.2 École de l'Amsterdam 3.3 Arbeitsrat für Kunst 3.4 Der Ring 3.5 Neues Bauen 4 Sculpture 5 Peinture 5.1 Die Brücke 5.2 Der Blaue Reiter 5.3 Neue Sachlichkeit 5.4 Autres artistes 5.5 Le groupe de Vienne 5.6 École de Paris 5.7 Autres pays 6 Littérature 6.1 Narratives 6.2 Poésie 6.3 Théâtre 7 Musique 8 Opéra 9 Il danse 10 Cinéma 11 Il photographie 12 Voyez-vous aussi 13 Références 14 Bibliografía 15 Tu raccordes externes

Définition

[[j'Archive:Corinth Ecce homo.jpg|thumb|250px|Ecce homo (1925), De Lovis Corinth, Pinacothèque de Bâle.]] La transition du siècle XIX au XX a comporté des nombreux changements politiques, sociaux et culturels. D'un côté, l'auge politique et économique de la bourgeoisie, qu'a habité dans les derniers décennies du siècle XIX (la Belle Époque) un moment de grand esplendor, reflété en le modernismo, mouvement artistique post au service du luxe et l'ostentation déployés par la nouvelle classe dirigeante. Pourtant, les procès révolutionnaires effectués depuis la Révolution Française (le dernier, en 1871, l'échouée Commune de Paris) et la crainte à que se répétassent ils ont porté aux classes politiques à faire une série de concessions, comme les réformes de travail, les assurances sociales et l'enseignement basique obligatoire. Ainsi, la descente du analphabétisme a comporté une augmentation des médias et une majeure diffusion des phénomènes culturels, qu'ils ont acquis majeure portée et majeure rapidité de diffusion, en surgissant la “culture de masses”.^[2]

D'autre part, les avances techniques, spécialement dans le terrain de l'art l'apparition de la photographie et le cinéma, ont porté à l'artiste à se poser la fonction de son travail, que déjà ne consistait à pas imiter à la réalité, donc les nouvelles techniques ils le faisaient de forme plus objective, facile et reproducible. Également, les nouvelles théories scientifiques ont porté aux artistes à se remettre en question l'objectivité du monde que nous percevons: la théorie de la relativité de Einstein, le psicoanálisis de Freud et la subjectivité du temps de Bergson ont provoqué que l'artiste s'éloignât de plus en plus de la réalité. Ainsi, la recherche de nouveaux langages artistiques et nouvelles formes d'expression a comporté l'apparition des mouvements de avant-garde, qu'ont supposé une nouvelle relation de l'artiste avec le spectateur: les artistes vanguardistas cherchaient intégrer l'art avec la vie, avec la société, faire de son oeuvre une expression de l'inconscient collectif de la société que représente. À la fois, l'interaction avec le spectateur provoque que celui-ci s'implique en l'aperçu et compréhension de l'oeuvre, ainsi que dans sa diffusion et mercantilización, facteur qui portera à un majeur auge des galeries d'art et des musées.^[3]

L'expressionnisme fait partie des appelés “avant-gardes historiques”, c'est-à-dire, les produites depuis les premiers ans du siècle XX, dans l'environnement préalable à la Première Guerre mondiale, jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale (1945). Cette dénomination comprend, en plus, au fauvismo, le cubisme, le futurismo, le constructivismo, le neoplasticismo, le dadaísmo, le surréalisme, etc. L'avant-garde est íntimamente liée au concept de modernité, caractérisé par la fin du determinismo et de la supremacía de la religion, substitués par la raison et la science, le objetivismo et le individualismo, la confiance en la technologie et le progrès, dans les propres capacités de l'être humain. Ainsi, les artistes prétendent se mettre à la tête du progrès social, exprimer moyennant son oeuvre l'évolution de l'être humain contemporain.^[4]

Le terme “expressionnisme” a été utilisé par première fois par le peintre français Julien-Auguste Hervé, qu'a utilisé le mot “expressionisme” pour désigner une série de tableaus présentés en le Salon des Indépendants de Paris en 1901, en confrontation au impresionismo. Le terme allemand “expressionismus” a été adapté directement du français –puisqu'expression en allemand est ‘ausdruck’–, en s'employant par première fois dans le catalogue de la XXII Exposé de la Secesión de Berlin en 1911, que comprenait autant des oeuvres d'artistes allemands comme français. En littérature, a été appliqué par première fois en 1911 par le critique Kurt Hiller.^[5] Postérieurement, le terme expressionnisme a été diffusé par l'écrivain Herwarth Walden, éditeur de la revue Der Sturm (La tempête), que s'a converti dans le principal centre difusor de l'expressionnisme allemand. Walden A appliqué initialement le terme à tous les avant-gardes surgies entre 1910 et 1920. En revanche, l'application du terme expressionnisme lié exclusivement à l'art allemand d'avant-garde a été idée de Paul Fechter dans son livre Der Expressionismus (1914), qu'en suivant les théories de Worringer a lié les nouvelles manifestations artistiques comme une expression de l'âme collective allemande.^[6]

L'expressionnisme a surgi comme réaction à l'impresionismo: ainsi que les impresionistas reflétaient en le lienzo une “impression” du monde circundante, un simple reflet des sens, les expresionistas prétendaient refléter son monde intérieur, une “expression” de ses propres sentiments. Ainsi, les expresionistas ont employé la ligne et la couleur d'une façon temperamental et émotif, de fort contenu symbolique. Ce réaction face à l'impresionismo a supposé une forte rupture avec l'art élaboré par la génération précédente, en convertissant à l'expressionnisme en un sinónimo de l'art moderne pendant les premiers ans du siècle XX.^[7] L'expressionnisme a supposé un nouveau concept de l'art, compris comme une forme de saisir l'existence, de traslucir en des images le sustrato que subyace sous la réalité apparente, de refléter l'inmutable et éternel de l'être humain et la nature. Ainsi, l'expressionnisme a été le point de départ d'un procès de transmutación de la réalité qu'a cristallisé dans le expressionnisme abstrait et le informalismo. Les expresionistas utilisaient l'art comme une forme de refléter ses sentiments, son état animique, propenso par le général à la mélancolie, à l'évocation, à un decadentismo de cour neorromántico. Ainsi, l'art était une expérience catárquica, où se purificaban les soulagements spirituels, l'angoisse vitale de l'artiste.^[8]

En la génesis de l'expressionnisme un facteur fondamental a été le refus au positivismo, au progrès cientificista, à la croyance dans les possibilités illimitées de l'être humain basées sur la science et la technicienne. En revanche, il s'a commencé à générer un nouveau climat de pessimisme, d'escepticismo, de mécontent, de critique, de perte de valeurs. Se vislumbraba une crise dans le développement humain, que s'a effectivement vu confirmée avec l'estallido de la Première Guerre mondiale.^[9] Aussi on peut signaler en Allemagne le refus au régime imperialista de Guillermo II par part d'une minorité intellectuelle, noyée par le militarisme pangermanista du káiser. Ces facteurs ont favorisé un caldo de culture dans lequel s'est progressivement allé en concevant l'expressionnisme, dont les premières manifestations ils s'ont produits dans le terrain de la littérature: Frank Wedekind a dénoncé dans ses oeuvres la morale bourgeoise, face à celle que il opposait la liberté pasional des instincts; Georg Trakl s'evadió de la réalité en se réfugiant dans un monde spirituel créé par l'artiste; Heinrich Mann a été qui plus a directement dénoncé la société guillermina.^[10]

L'apparition de l'expressionnisme dans un pays comme l'Allemagne n'a pas été un fait aléatoire, mais qu'il s'explique par la profonde étude consacré à l'art pendant le siècle XIX par les filósofos, artistes et théoriques allemands, depuis le romantisme et les multiples apports au champ de la esthétique de personnages comme Wagner et Nietzsche, jusqu'à la esthétique culturelle et l'oeuvre d'auteurs comme Konrad Fiedler (Pour enjuiciar oeuvres d'art visuel, 1876), Theodor Lipps (Esthétique, 1903-1906) et Wilhelm Worringer (Abstraction et empatía, 1908). Ce courant théorique a laissé une profonde empreinte dans les artistes allemands de fins du siècle XIX et principes du XX, centrée surtout dans le besoin de se exprimer de l'artiste (la “innerer Drang” ou besoin intérieur, principe qui a assumé postérieurement Kandinski), ainsi que la constatation d'une rupture entre l'artiste et le monde extérieur, l'environnement qui l'enveloppe, fait qui le convertit en un être introvertido et alienado de la société. Il A aussi influencé le changement produit dans l'environnement culturel de l'époque, que s'a éloigné du goût classique grecorromano pour admirer l'art populaire, primitivo et exótico –surtout de l'Afrique, Océanie et Extrême-Orient–, ainsi que le art médiéval et l'oeuvre d'artistes comme Grünewald, Brueghel et Le Greco.^[11]

En Allemagne, l'expressionnisme a été plus un concept théorique, une proposition idéologique, que n'un programme artistique collectif, si bien s'apprécie une sceau estilístico commune à tous ses membres. Face au academicismo imperante dans les centres artistiques officiels, les expresionistas s'ont groupés autour de de les divers centres de diffusion du nouveau art, spécialement en des villes comme Berlin, Cologne, Múnich, Hanovre et Dresde. Également, son labeur difusora à travers des publications, galeries et exposés ont aidé à étendre le nouveau style par toute l'Allemagne et, plus tard, toute l'Europe.^[7] A été un mouvement hétérogène que, il écarte de la diversité de ses manifestations, réalisées en des divers langages et des milieux artistiques, a présenté des nombreuses différences et même contradictions dans son sein, avec grand divergencia estilística et thématique entre les divers groupes qu'ont surgi tout au long du temps, et même entre les propres artistes qu'ils les intégraient. Même les limites chronologiques et géographiques de ce courant sont imprécises: si bien la première génération expresionista (Die Brücke, Der Blaue Reiter) a été la plus emblématique, la Nouvelle Objectivité et l'exportation du mouvement à autres pays a supposé sa continuité dans le temps au moins jusqu'à la Seconde Guerre mondiale; geográficamente, si bien le centre neurálgico de ce style s'a situé en Allemagne, il s'a bientôt étendu à autres pays européens et même du continent américain.^[12]

Après la Première Guerre mondiale l'expressionnisme est passé en Allemagne de la peinture au cinéma et le théâtre, qu'ils utilisaient le style expresionista en ses décorés, mais de forme purement esthétique, démunie de sa signification originale, de la subjectivité et le desgarramiento propres des peintres expresionistas, que s'ont convertis paradoxalement en artistes maudits.^[13] Avec l'advenimiento du nazisme, l'expressionnisme a été censé “art degenerado” (Entartete Kunst), en le liant avec le communisme et en le rayant d'inmoral et subversivo, en même temps qu'ont envisagé que son fealdad et infériorité artistique étaient un signe du déclin de l'art moderne (le decadentismo, pour sa part, avait été un mouvement artistique qu'il a eu vrai développement). En 1937 il s'a organisé un exposé en le Hofgarten de Múnich avec le titre précisément de Art degenerado, avec le but de denostarlo et montrer au public la basse qualité de l'art produit dans la République de Weimar. Pour telle fin ils ont été confiscadas quelques 16.500 oeuvres de divers musées, ne seulement d'artistes allemands, mais d'étrangers comme Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse, Picasso, Braque, Chagall, etc. La plupart de ces oeuvres ils ont été vendue postérieurement à galeristas et marchantes, surtout dans une grande vente aux enchères célébrée en Lucerna en 1939, bien que quelques 5.000 de ces oeuvres ont été directement détrui en mars de 1939, en supposant un notable préjudice pour l'art allemand.^[14]

Après la Seconde Guerre mondiale l'expressionnisme a disparu comme style, si a bien exercé une puissante influence en beaucoup de courants artistiques de la deuxième moitié de siècle, comme le expressionnisme abstrait nord-américain (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), le informalismo (Jean Fautrier, Jean Dubuffet), le groupe TOUCHE (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) et le neoexpresionismo allemand –directement héritier des artistes de Die Brücke et Der Blaue Reiter, ce que reste patent dans son nom–, et artistes individuel comme Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard Buffet, Nicolas de Staël, Horst Avant, etc.^[15]

Origines et influences

[[j'Archive:Mathis Gothart Grünewald 022.jpg|thumb|250px|La Crucifixión, table centrale du Retable d'Isenheim (1512-1516), de Matthias Grünewald, Musée d'Unterlinden, Colmar.]] Bien que il se connaît principalement par expressionnisme au mouvement artistique développé en Allemagne à des principes du siècle XX, beaucoup d'historiens et critiques d'art ils aussi emploient ce terme de forme plus générique pour décrire le style de grande variété d'artistes tout au long de toute la Histoire. Compris comme la déformation de la réalité pour chercher une expression une plus émotionnelle et subjective de la nature et de l'être humain, l'expressionnisme est donc extrapolable à n'importe quelle époque et espace géographique. Ainsi, il s'est souvent qualifié d'expresionista l'oeuvre de divers auteurs comme Jêrome Bosch, Matthias Grünewald, Quentin Metsys, Pieter Brueghel le Vieux, Le Greco, Francisco de Goya, Honoré Daumier, etc.^[1]

Les racines de l'expressionnisme se trouvent en des styles comme le symbolisme et le postimpresionismo, ainsi qu'en les Nabis et en des artistes comme Paul Cézanne, Paul Gauguin et Vincent Van Gogh. Également, ils ont des points de contact avec le neoimpresionismo et le fauvismo par son expérimentation avec la couleur.^[7] Les expresionistas ont reçu des nombreuses influences: en premier lieu la de l'art médiéval, spécialement le gothique allemand. De signe religieux et caractère trascendente, l'art médiéval mettait l'accent sur l'expression, ne dans les formes: les figures avaient peu de corporeidad, en perdant intérêt par la réalité, les proportions, la perspective. En revanche, il accentuait l'expression, surtout dans le regard: les personnages se symbolisaient plus que ils se représentaient. Ainsi, les expresionistas s'ont inspirés dans les principaux artistes du gothique allemand, développé à travers deux écoles fondamentales: le style international (finaux du siècle XIV-première moitié du XV), représenté par Conrad Soest et Stefan Lochner; et le style flamand (deuxième moitié du siècle XV), développé par Konrad Witz, Martin Schongauer et Hans Holbein le Vieux. Ils S'ont aussi inspiré dans la sculpture gothique allemande, qu'a souligné par sa grande expressivité, avec des noms comme Veit Stoss et Tilman Riemenschneider. Un autre point de référence a été Matthias Grünewald, peintre tardomedieval que bien que a connu les innovations du Renaissance il a suivi dans une ligne personnelle, caractérisée par l'intensité émotionnelle, une expresiva distorsión formelle et un intense colorido incandescente, comme dans son oeuvre maîtresse, le Retable d'Isenheim.^[16]

Autrui des référents de l'art expresionista a été l'art primitivo, spécialement le de l'Afrique et Océanie, diffusé depuis des fins du siècle XIX par les musées etnográficos. Les avant-gardes artistiques ont trouvé dans l'art primitivo une majeure liberté d'expression, originalité, nouvelles formes et matérielles, un nouveau conception du volume et la couleur, ainsi qu'une majeure transcendance de l'objet, puisque dans ces cultures n'étaient pas des simples oeuvres d'art, mais qu'ils avaient une finalité religieuse, magique, totémica, votiva, suntuaria, etc. Ils sont des objets qu'ils expriment une communication directe avec la nature, ainsi qu'avec les forces spirituelles, avec des cultes et rituels, sans aucun de type de médiation ou interprétation.^[17]

Mais sa majeure inspiration a provenu du postimpresionismo, spécialement de l'oeuvre de trois artistes: Paul Cézanne, qu'a commencé un procès de desfragmentación de la réalité en des formes géométriques qu'a abouti dans le cubisme, en réduisant les formes à cilindros, cônes et sphères, et en dissolvant le volume à partir des points les plus essentiels de la composition. Il plaçait la couleur par des capes, imbricando quelques couleurs avec autrui, sans besoin de lignes, en travaillant avec des taches. il n'utilisait pas la perspective, mais que la superposition de tons cálidos et froids donnaient sensation de profondeur. Deuxièmement Paul Gauguin, qu'a apporté un nouveau conception entre le plan pictural et la profondeur du tableau, à travers couleurs plates et arbitraires, qu'ils ont une valeur symbolique et decorativo, avec des scènes de difficile classement, situées entre la réalité et un monde onírico et magique. Son séjour à Tahiti a provoqué que son oeuvre dérivât à un vrai primitivismo, avec influence du art oceánico, en reflétant le monde intérieur de l'artiste au lieu d'imiter la réalité. Finalement, Vincent Van Gogh élaborait son oeuvre selon des critères d'exaltation animique, en se caractérisant par la faute de perspective, l'instabilité des objets et couleurs, que frottent l'arbitraire, sans imiter la réalité, mais qu'ils proviennent de l'intérieur de l'artiste. En raison de sa fragile santé mentale ses oeuvres sont reflet de son état d'esprit, depresivo et torturé, ce que se reflète en des oeuvres de coups de pinceau sinuosas et couleurs violentes.^[18]

En dernière instance rentre remarquer l'influence de deux artistes que les expresionistas ont envisagé comme des précédents immédiats: le norvégien Edvard Munch, influencé dans ses débuts par l'impresionismo et le symbolisme, a bientôt dérivé vers un style personnel que serait fidèle reflet de son intérieur obsessionnel et torturé, avec des scènes d'environnement opresivo et énigmatique –centrées dans le sexe, la maladie et la mort–, caractérisées par la sinuosidad de la composition et un colorido fort et arbitraire. Les images angoissantes et désespérées de Munch –comme dans Le cri (1893), paradigme de la solitude et l'incomunicación– ont été un des principaux points d'arraché de l'expressionnisme.^[19] Pareil d'influyente a été l'oeuvre du belge James Ensor, qu'a ramassé la grande tradition artistique de son pays –en spécial Brueghel–, avec préférence par des thèmes populaires, en le traduisant en des scènes énigmatiques et irreverentes, de caractère absurde et burlesco, avec un sens de l'humeur acide et corrosivo, centré en des figures de vagabundos, ivrognes, squelettes, masques et scènes de carnaval. Ainsi, L'entrée de Christ à Bruxelles (1888) représente la Passion de Jesús au milieu d'une parade de carnaval, oeuvre qui a causé un grand scandale dans son moment.^[20]

Architecture

La architecture expresionista s'a développé principalement en Allemagne, Pays-Bas, l'Autriche, la Tchécoslovaquie et le Danemark. Il s'a caractérisé par l'usage de nouveaux matériels, suscité en des occasions par l'usage de formes biomórficas ou par l'agrandissement de possibilités offerte par la fabrication en masse de matériels de construction comme la brique, le acier ou le verre. Beaucoup d'architectes expresionistas ont combattu en la Première Guerre mondiale, et son expérience, combinée avec les changements politiques et sociaux produit de la Révolution allemande de 1918, ils ont abouti en des perspectives utópicas et un programme socialiste romantique. L'architecture expresionista a reçu l'influence du modernismo, surtout de l'oeuvre d'architectes comme Henry vont de Velde, Joseph Maria Olbrich et Antoni Gaudí. De caractère fortement expérimental et utópico, les réalisations des expresionistas soulignent par sa monumentalité, l'emploi de la brique et la composition subjective, qu'attribue à ses oeuvres vrai air d'excentricité.^[21]

Un il apporte théorique à l'architecture expresionista a été l'essai Architecture de vitre (1914) de Paul Scheerbart, où attaque le funcionalismo par sa faute d'artisticidad et défend le remplacement de la brique par la vitre. Nous voyons ainsi, par exemple, le Pavillon de Vitre de l'Exposé de Cologne de 1914, de Bruno Taut, auteur qui a aussi reflété son ideario par écrit (Architecture alpine, 1919).^[22] L'architecture expresionista s'a développé en des divers groupes, comme la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für Kunst, Der Ring et Neues Bauen, lié ce dernier à la Nouvelle Objectivité; aussi on peut signaler la École de l'Amsterdam. Les principaux architectes expresionistas ont été: Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun et Rudolf Steiner.

Deutscher Werkbund

[[Archive:Taut Glass Pavilion extérieur 1914.jpg|thumb|250px|right|Pavillon de Vitre pour l'Exposé de Cologne de 1914, de Bruno Taut.]] La Deutscher Werkbund (Fédération allemande du travail) a été le premier mouvement arquitectónico lié avec l'expressionnisme produit en Allemagne. Fondée en Múnich le 9 octobre 1907]] par Hermann Muthesius, Friedrich Naumann et Karl Schmidt, a incorporé postérieurement à des figures comme Walter Gropius, Bruno Taut, Hans Poelzig, Peter Behrens, Theodor Fischer, Josef Hoffmann, Wilhelm Kreis, Adelbert Niemeyer et Richard Riemerschmidt. Héritière du Jugendstil et de la Sezession vienesa, et inspirée dans le mouvement Arts & Crafts, son but était l'intégration d'architecture, industrie et artesanía à travers le travail professionnel, l'éducation et la publicité, ainsi qu'introduire la création arquitectónico dans la modernité et lui conférer un caractère industriel. Les principales caractéristiques du mouvement ont été l'usage de nouveaux matériels comme le verre et l'acier, l'importance du design industriel et le funcionalismo decorativo.^[23]

La Deutscher Werkbund a organisé des diverses conférences publiées postérieurement en forme d'annuaires, comme L'art en l'industrie et le commerce (1913) et Le transport (1914). Également, en 1914 ils ont célébré un exposé à Cologne qu'il a obtenu un grand succès et diffusion internationale, en soulignant le pavillon de verre et acier dessiné par Bruno Taut. Le succès de l'exposé a provoqué un grand auge du mouvement, qu'est passé d'avoir 491 membres en 1908 à 3000 en 1929.^[24] Pendant la Première Guerre mondiale a été sur le point de disparaître, mais resurgió en 1919 après une convention à Stuttgart, où a été choisi président Hans Poelzig –substitué en 1921 par Riemerschmidt–. Pendant ces ans s'ont produits diverse controverses sur si il devait primer plus le design industriel ou l'artistique, en se produisant diverses dissensions dans le groupe.

Dans les ans 1920 le mouvement il a dérivé de l'expressionnisme et l'artesanía au funcionalismo et l'industrie, en incorporant nouveaux membres comme Ludwig Mies vont der Rohe. Il s'a édité une nouvelle revue, Die Form (1922-1934), qu'a diffusé les nouvelles idées du groupe, centrées dans l'aspect social de l'architecture et dans le développement urbanistique. En 1927 ils ont célébré un nouveau exposé à Stuttgart, en bâtissant une grande colonie de logements, la Weissenhofsiedlung, avec création de Mies vont der Rohe et bâtiments bâtis par Gropius, Behrens, Poelzig, Taut, etc., Je joins à des architectes d'en dehors de l'Allemagne comme Jacobus Johannes Pieter Oud, Le Corbusier et Victor Bourgeois. Cet échantillon a été un des points de départ du nouveau style arquitectónico que commençait à surgir, connu comme style international ou racionalismo. La Deutscher Werkbund s'a dissolu en 1934 dû principalement à la crise économique et au nazisme. Son esprit a influencé énormément en la Bauhaus, et a inspiré la fondation d'organismes semblés dans autres pays, comme la Suisse, l'Autriche, la Suède et la Grande-Bretagne.^[25]

École de l'Amsterdam

Parallèlement à la Deutscher Werkbund allemande, entre 1915 et 1930 s'a développé une notable école arquitectónica de caractère expresionista en Ámsterdam (Pays-Bas). Influencés par le modernismo (principalement Henry vont de Velde et Antoni Gaudí) et par Hendrik Petrus Berlage, s'ont inspirés dans les formes naturelles, avec des bâtiments design imaginativo où predomina l'usage de la brique et le béton. Ses principaux membres ont été Michel de Klerk, Piet Kramer et Johan vont der Mey, qu'ont travaillé de forme conjointe infinité de fois, en contribuant en grande façon au développement urbanistique d'Ámsterdam, avec un style organique inspiré dans l'architecture traditionnelle hollandaise, en soulignant les surfaces onduladas. Ses principales oeuvres ont été le Scheepvaarthuis (Van der Mey , 1911-1916) et le Eigen Haard Sois (De Klerk, 1913-1920).^[26]

Arbeitsrat für Kunst

[[Archive:Einsteinturm 7443.jpg|thumb|300px|right|Tour Einstein (1919-22), de Erich Mendelsohn, Potsdam.]] Le Arbeitsrat für Kunst (Conseil de travailleurs de l'art) a été fondé en 1918 à Berlin par l'architecte Bruno Taut et le critique Adolf Behne. Surgi après la fin de la Première Guerre mondiale, son but était la création d'un groupe d'artistes que pût influencer dans le nouveau gouvernement allemand, en vue de la régénération de l'architecture nationale, avec un clair composant utópico. Ses oeuvres soulignent par l'usage du verre et l'acier, ainsi que par les formes imaginativas et chargées d'un intense misticismo. Ils Ont aussitôt saisi des membres remontants à la Deutscher Werkbund, comme Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Otto Bartning et Ludwig Hilberseimer, et ont raconté avec la collaboration d'autres artistes, comme les peintres Lyonel Feininger, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde et Max Pechstein, et les sculpteurs Georg Kolbe, Rudolf Belling et Gerhard Marcks. Cette variété s'explique parce que les aspirations du groupe étaient plus politiques qu'artistiques, en prétendant influencer dans les décisions du nouveau gouvernement autour de l'art et l'architecture. Pourtant, après les événements de janvier de 1919 liés avec la Ligue Espartaquista, le groupe a renoncé à ses fins politiques, en se consacrant à organiser exposés. Taut A démissionné comme président, en étant substitué par Gropius, bien que s'ont enfin dissolu le 30 mai 1921]].^[27]

Der Ring

[[Archive:Chilehaus.jpg|thumb|Chilehaus (1923), De Fritz Höger, Hambourg.]] Le groupe Der Ring (Le cercle) a été fondé à Berlin en 1923 par Bruno Taut, Ludwig Mies vont der Rohe, Peter Behrens, Erich Mendelsohn, Otto Bartning, Hugo Häring et divers architectes plus, à ceux que s'ont bientôt ajouté Walter Gropius, Ludwig Hilberseimer, Hans Scharoun, Ernst May, Hans et Wassili Luckhardt, Adolf Meyer, Martin Wagner, etc. Son but était, de même que dans les mouvements précédents, renouveler l'architecture de son époque, en mettant spécial accent dans les aspects sociaux et urbanistiques, ainsi que dans la recherche en des nouveaux matériels et des techniciennes de construction. Entre 1926 et 1930 ils ont développé un notable labeur de construction de logements sociaux à Berlin, avec des maisons qu'ils soulignent par l'exploitation de la lumière naturelle et son emplacement en des zones vertes, en soulignant la Hufeisensiedlung (Cologne de l'Herradura, 1925-1930), de Taut et Wagner. Der Ring A disparu en 1933 après l'advenimiento du nazisme.^[28]

Neues Bauen

Neues Bauen (Nouveau bâtiment) a été le nom qu'il s'a donné en architecture à la Nouvelle Objectivité, réaction direct aux excès estilísticos de l'architecture expresionista et le changement dans l'état d'esprit national, dans celui qui predominaba le composant social sur l'individuel. Architectes comme Bruno Taut, Erich Mendelsohn et Hans Poelzig se sont revenus vers l'approche simple, fonctionnel et pratique de la Nouvelle Objectivité. La Neues Bauen floreció dans la brève période entre l'adoption du plan Dawes et l'auge du nazisme, en comprenant exposés publics comme le Weissenhof Sois, l'ample organisation urbain et projets de promotions publiques de Taut et Ernst May, et les influyentes expériences de la Bauhaus.

Sculpture

La sculpture expresionista n'a pas eu une sceau estilístico commune, en étant le produit individuel de divers artistes qu'ont reflété dans son oeuvre ou bien la thématique ou bien la distorsión formelle propres de l'expressionnisme. Ils soulignent spécialement trois noms:

• Ernst Barlach: inspiré dans l'art populaire russe –après un voyage au pays eslavo en 1906– et la sculpture médiévale allemande, ainsi qu'en Brueghel et Jêrome Bosch, ses oeuvres ont vrai air caricaturesco, en travaillant beaucoup le volume, la profondeur et l'articulation du mouvement. Il a développé deux thématiques principales: le populaire (habitudes quotidiennes, scènes paysanes) et –surtout après la guerre– la peur, l'angoisse, la terreur. il n'imitait pas la réalité, mais qu'il créait une réalité nouvelle, en jouant avec les lignes faites faillite et les angles, avec anatomías distancées du naturalismo, tendiendo à la geometrización. Il a travaillé de préférence en bois et yeso, qu'en des occasions passait postérieurement au bronze. Entre ses oeuvres soulignent: Le fugitivo (1920-1925), Le vengador (1922), La mort dans la vie (1926), Le flautista (1928), Le bebedor (1933), Vieille friolera (1939), etc.^[29]

• Wilhelm Lehmbruck: educado à Paris, son oeuvre a un marqué caractère clasicista, si bien deformado et estilizado, et avec une forte charge introspectiva et émotionnelle. Pendant sa formation à Düsseldorf a évolué depuis un naturalismo de cour sentimentale, en passant par un dramatismo baroque avec influence de Rodin, jusqu'à un réalisme influencé par Meunier. En 1910 il s'a installé à Paris, où il a accusé l'influence de Maillol. Finalement, après un voyage à l'Italie en 1912 a commencé une majeure geometrización et stylisation de l'anatomía, avec certaine influence médiévale dans le prolongement de ses figures (Femme arrodillada, 1911; Jeune de pied, 1913).^[30]

• Käthe Kollwitz: Épouse d'un médecin d'un quartier pauvre de Berlin, a connu de près la misère humaine, fait qui l'a marqué profondément. Socialiste et féministe, son oeuvre a un marqué composant de revendication sociale, avec des sculptures, litografías et aguafuertes qu'ils soulignent par son crudeza: La révolte des tejedores (1907-1908), La guerre des paysans (1902-1908), Hommage à Karl Liebknecht (1919-1920).^[31]

Les membres de Die Brücke (Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff) ont aussi pratiqué la sculpture, puisque sa expérimentation avec la xilografía leur a permis facilement passer à la taille de bois, matériel qui leur résultait très convenable pour son expression intimista de la réalité, puisque la tosquedad et l'aspect irrégulier de ce matériel, son aspect brut et inacabado, même primitivo, supposaient la parfaite expression de son concept de l'être humain et la nature. Il se perçoit dans ces oeuvres l'influence de l'art africain et oceánico, de celui qui louaient son simplicidad et son aspect totémico, que trasciende l'art pour être objet de communication trascendental.^[32]

Dans le décennie de 1920, la sculpture a dérivé vers l'abstraction, en suivant le rhumb des dernières oeuvres de Lehmbruck, de marquée stylisation géométrique tendant à l'abstraction. Ainsi, l'oeuvre de sculpteurs comme Rudolf Belling, Oskar Schlemmer et Otto Freundlich s'a caractérisé par l'abandon de la figuration en ouvres d'une libération formelle et thématique de la sculpture. Pourtant, perduró un vrai clasicismo, influencé par Maillol, dans l'oeuvre de Georg Kolbe, consacré spécialement au nu, avec des figures dynamiques, en des mouvements rítmicos proches au ballet, avec une attitude vitalista, gai et salutaire qu'a été bien reçue par les nazis. Son oeuvre sa plus fameuse a été Le Matin, exposée dans le Pavillon de l'Allemagne bâti par Ludwig Mies vont der Rohe pour le Exposé International de Barcelone de 1929. Gerhard Marcks a réalisé une oeuvre également figurativa, mais plus estática et de thématique plus expresiva et complexe, avec des figures d'aspect arcaico, inspirées dans les tailles médiévales. Ewald Tuerai il s'a consacré principalement aux animaux, de formes presque abstraites, en suivant le chemin initié par Marc en Der Blaue Reiter.^[33] Autres sculpteurs expresionistas ont été Bernhard Hoetger, Ernst Oldenburg et Renée Sintenis, alors qu'en dehors de l'Allemagne rentrerait citer au français Antoine Bourdelle, le britannique Jacob Epstein, le croate Ivan Meštrović, le espagnol Victorio Mâle, le hollandais Lambertus Zijl, le polonais August Zamoyski et le finlandais Wäinö Aaltonen.

Peinture

[[j'Archive:Franz Marc 004.jpg|thumb|250px|Caliban, Personnage de “La Tempête” de Shakespeare (1914), de Franz Marc, Kunstmuseum, Bâle.]] La peinture s'a développé principalement autour de deux groupes artistiques: Die Brücke, fondé à Dresde en 1905, et Der Blaue Reiter, fondé en Múnich en 1911. Dans la postguerre, le mouvement Nouvelle Objectivité a surgi comme contrepoids à l'individualismo expresionista en défendant une attitude une plus engagée socialement, bien que technique et a formellement été un mouvement héritier de l'expressionnisme. Les éléments les plus caractéristiques des oeuvres d'art expresionistas sont la couleur, le dynamisme et le sentiment. Le Fondamental pour les peintres de principes de siècle n'était pas refléter le monde de façon réaliste et fidèle –juste au contraire que les impresionistas– mais, surtout, exprimer son monde intérieur. Le but primordial des expresionistas était transmettre ses émotions et des sentiments plus profonds.

En Allemagne, le premier expressionnisme a été héritier de l'idealismo posromántico de Arnold Böcklin et Hans von Marées, en influant principalement dans la signification de l'oeuvre, et en donnant majeure importance au dessin face au coup de pinceau, ainsi que à la composition et à la structure du tableau. Également, il a été primordial l'influence d'artistes étrangers comme Munch, Gauguin, Cézanne et Van Gogh, reflétée en des divers exposés organisées à Berlin (1903), Múnich (1904) et Dresde (1905).^[34]

L'expressionnisme a souligné par la grande quantité de groupements artistiques qu'ils ont surgi dans son sein, ainsi que par la foule d'exposés célébrés en tout le territoire allemand entre les ans 1910 et 1920: en 1911 il s'a fondé à Berlin la Nouvelle Secesión, escisión de la Secesión berlinesa fondée en 1898 et que présidait Max Liebermann. Son premier président a été Max Pechstein, et comprenait à Emil Nolde et Christian Rohlfs. Plus tard, en 1913, il a surgi la Libre Secesión, mouvement éphémère qu'a été eclipsado par l'Herbstsalon (Salon d'Automne) de 1913, promû par Herwarth Walden, où joins aux principaux expresionistas allemands ont exposé des divers artistes cubistas et futuristas, en soulignant Chagall, Léger, Delaunay, Mondrian, Archipenko, Hans Arp, Max Ernst, etc. Pourtant, malgré sa qualité artistique, l'exposé a été un insuccès économique, par ce que l'initiative ne s'est pas revenu à répéter.^[35]

L'expressionnisme a eu une notable présence, outre à Berlin, Múnich et Dresde, dans la région de la Rhénanie, d'où procédaient Macke, Campendonk et Morgner, ainsi qu'autres artistes comme Heinrich Nauen, Franz Henseler, Paul Adolf Seehaus, etc. En 1902, le philanthrope Karl Ernst Osthaus a créé le Folkwang (Salle du Village) de Hagen, avec le but de promouvoir l'art moderne, en acquérant nombreuses oeuvres d'artistes expresionistas ainsi que de Gauguin, Van Gogh, Cézanne, Matisse, Munch, etc. Également, à Düsseldorf un groupe de jeunes artistes ils ont fondé la Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler (Ligue spéciale de supporters à l'art et des artistes de l'Allemagne occidentale), qu'a célébré des divers exposés de 1909 à 1911, en se déplaçant en 1912 à Cologne, où, malgré le succès de ce dernier exposé, il s'a dissolu la ligue.^[36]

Dans la postguerre a surgi le Novembergruppe (Groupe de Novembre, par la révolution allemande de novembre de 1918), fondé à Berlin le 3 décembre 1918 par Max Pechstein et César Klein, avec le but de réorganiser l'art allemand après la guerre. Entre ses membres ont figuré des peintres et des sculpteurs comme Vasili Kandinski, Paul Klee, Lyonel Feininger, Heinrich Campendonk, Otto Freundlich et Käthe Kollwitz; architectes comme Walter Gropius, Erich Mendelsohn et Ludwig Mies vont der Rohe; compositeurs comme Alban Berg et Kurt Weill; et le dramaturgo Bertolt Brecht. Plus que un groupe avec une sceau estilístico commune, est allé une association d'artistes avec le but d'exposer conjointement, chose qu'ils ont fait jusqu'à sa dissolution avec l'arrivée du nazisme.^[37]

Die Brücke

[[Archive:Kirchner - Panneau Die Brücke (1910).jpg|thumb|250px|Panneau de présentation pour un exposé de Die Brücke dans la Galerie Arnold de Dresde (1910), de Ernst Ludwig Kirchner.]] Die Brücke (Le pont) s'a fondé le 7 juin 1905]] à Dresde, formé par quatre étudiants d'architecture de l'École Technique Supérieure de Dresde: Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff. Le nom a été idéé par Schmidt-Rottluff, en symbolisant à travers un pont sa prétention d'asseoir les bases d'un art de futur. Vraisemblablement l'inspiration lui est venu d'une phrase de Ainsi parlait Zarathoustra de Nietzsche: “La grandeur de l'homme est qu'il est un pont et n'une fin”.^[38] En 1906 s'ont unis au groupe Emil Nolde et Max Pechstein, ainsi que le suisse Cuno Amiet et l'hollandais Lambertus Zijl; en 1907, le finlandais Akseli Gallen-Kallela; en 1908, Franz Nölken et l'hollandais Kees Van Dongen; et, en 1910, Otto Mueller et le tchèque Bohumil Kubišta. Bleyl S'a séparé du groupe en 1907, en se déplaçant à Silésie, où a été professeur dans l'École d'Ingénierie Civile, en abandonnant la peinture. Dans ses débuts, les membres de Die Brücke ont travaillé dans un petit atelier situé dans la rue Berliner Straßet nº 65 de Dresde, acquis par Heckel en 1906, qu'ils mêmes ont décoré et amueblaron en suivant les directives du groupe.^[39]

Le groupe Die Brücke a cherché relier avec le public en général, en lui faisant participant des activités du groupe. Ils ont idéé la figure du “membre passif”, que moyennant un abonnement annuel de douze cadres ils recevaient périodiquement un bulletin avec les activités du groupe, ainsi que divers enregistrés (les “Brücke-Mappen”). Avec le temps le nombre de membres passifs est monté à soixante-huit.^[40] En 1906 ont publié un manifeste, Programm, où Kirchner a exprimé sa volonté de convoquer à la jeunesse pour un projet d'art social que transformât le futur. Ils prétendaient à travers l'art influencer dans la société, en s'envisageant quelques prophètes révolutionnaires qui remporteraient il changer la société de son temps. L'intention du groupe était attirer à tout élément révolutionnaire que voulût s'unir; ils l'ont ainsi exprimé dans une lettre dirigée à Nolde. Son majeur intérêt était détruire les vieilles conventions, de même qu'il s'était en faisant en France. Selon Kirchner, ils ne pouvaient pas se mettre des règles et l'inspiration devait couler libre et donner expression immédiate aux pressions émotionnelles de l'artiste. La charge de critique sociale qu'ils ont imprimé à son oeuvre leur a valu les attaques de la critique conservatrice que les a rayé d'être un danger pour la jeunesse allemande.^[41]

Les artistes de Die Brücke étaient influencés par le mouvement Arts & Crafts, ainsi que par le Jugendstil et les Nabis, et artistes comme Van Gogh, Gauguin et Munch. Ils S'ont aussi inspiré en le gothique allemand et l'art africain, surtout après les études réalisées par Kirchner des xilografías de Durero et de l'art africain du Musée Etnológico de Dresde.^[42] aussi étaient intéressés dans la littérature russe, spécialement Dostoyevski. En 1908, après un exposé de Matisse à Berlin, ont exprimé également son admiration par les fauvistas, avec ceux qui partageaient la simplicidad de la composition, le manierismo des formes et l'intense contraste de couleurs. Tous les deux partaient du postimpresionismo, en rejetant l'imitation et en soulignant l'autonomie de la couleur. Pourtant, ils varient les contenus thématiques: les expresionistas étaient plus angoissants, marginaux, désagréables, et soulignaient plus le sexe que les fauvistas. Ils rejetaient l'academicismo et faisaient allusion à à la “liberté maximale d'expression”. Plus que un programme estilístico propre, son nexo d'union était le refus au réalisme et l'impresionismo, et sa recherche d'un projet artistique qu'impliquât l'art avec la vie, pour ce que ils ont éprouvé avec des diverses techniciennes artistiques comme la peinture murale, la xilografía et la ebanistería, écarte de la peinture et la sculpture.^[43]

Die Brücke A attribué spéciale importance aux oeuvres graphiques: sa principale moyen d'expression a été la xilografía, technicienne qui leur permettait il refléter son conception de l'art d'une façon directe, en laissant un aspect inacabado, brut, sauvage, proche au primitivismo qu'autant admiraient. Ces enregistrés en bois présentent des surfaces irrégulières, qu'ils ne dissimulent pas et ils profitent de de forme expresiva, en appliquant taches de couleur et en soulignant la sinuosidad des formes. Ils Ont aussi utilisé la litografía, la aguatinta et le aguafuerte, qu'ont l'habitude d'être d'un réduit cromatismo et simplification estilística.^[44] Die Brücke Défendait l'expression directe et instintiva du stimule créateur de l'artiste, sans des normes ni des règles, en rejetant totalement n'importe quel type de réglementation académique. Comme a dit Kirchner: “le peintre transforme en oeuvre d'art le conception de son expérience”.^[45]

Aux membres de Die Brücke leur intéressait un type de thématique centrée en la vie et la nature, reflétée de forme spontanée et instintiva, par ce que ses principaux thèmes sont les nus –soit en intérieur ou extérieur–, ainsi que scènes de cirque et music-hall, où trouvent la maximale intensité qu'ils peuvent extraire à la vie.^[46] Cette thématique a été synthétisée en des oeuvres sur bañistas que ses membres ont réalisé de préférence entre 1909 et 1911 dans ses séjours dans les lacs proches à Dresde: Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. Ils sont des oeuvres où ils expriment un naturismo sans faire de mystères, un sentiment presque panteísta de comunión avec la nature, à la fois que techniquement vont en épurant sa palette, dans un procès de déformation subjective de la forme et la couleur, qu'acquiert une signification symbolique.^[38]

En 1911 la plupart d'artistes du groupe ils s'ont installés à Berlin, en entamant sa course en solitaire. Dans la capitale allemande ils ont reçu l'influence du cubisme et le futurismo, patent en l'esquematización des formes et dans l'utilisation de tons plus froids à partir d'alors. Sa palette s'est revenu plus obscure et sa thématique sa plus désolée, mélancolique, pessimiste, en perdant la sceau estilístico commune qu'avaient à Dresde pour courir chemins de plus en plus divergentes, en entamant chacun sa marche personnelle.^[47] Une des majeurs exposés où ont participé les membres de Die Brücke a été la Sonderbund de Cologne de 1912, où en plus Kirchner et Heckel ont reçu la commission de décorer une chapelle, qu'a reçu un grand succès.^[48] Encore ainsi, en 1913 s'a produit la dissolution formelle du groupe, en raison du refus qu'a provoqué dans ses collègues la publication de l'histoire du groupe (Chronique de la société artistique de Die Brücke) par part de Kirchner, où s'attribuait à soi même une spéciale importance qu'il n'a pas été admise par le reste de membres.^[49]

Les principaux membres du groupe ont été:

• Ernst Ludwig Kirchner: grand dibujante –son père était professeur de dessin–, depuis sa visite à un exposé de xilografía de Durero en 1898 a commencé à faire enregistrés en bois, matériel dans lequel il a aussi réalisé des tailles d'influence africaine, avec un fini irrégulier, sans pulir, en soulignant les composants sexuels. Il utilisait des couleurs primaires, comme les fauvistas, avec certaine influence de Matisse, mais avec des lignes faites faillite, violentes –au contraire que les arrondies de Matisse–, en des angles fermés, aigus. Les figures sont estilizadas, avec un prolongement d'influence gothique. Depuis son déplacement à Berlin en 1910 a réalisé des compositions plus esquemáticas, avec des lignes coupantes et des zones inacabadas, et certaine distorsión formelle. Progressivement son coup de pinceau s'est revenu plus nerveuse, agressive, avec des lignes superposées, composition plus géométrique, avec des formes angulosas inspirées dans la décomposition cubista. Depuis 1914 il a commencé à subir troubles mentaux et, pendant la guerre, il a souffert une maladie respiratoire, facteurs qui ont influencé dans son oeuvre. En 1937 ses travaux ils ont été confiscados par les nazis, en se suicidant à l'an suivant.^[50]

• Erich Heckel: Son oeuvre s'a nourri de l'influence directe de Van Gogh, à celui que a connu en 1905 dans la Galerie Arnold de Dresde. Entre 1906 et 1907 il a réalisé une série de tableaus de composition vangoghiana, de coups de pinceau courts et couleurs intenses –predominantemente le jaune–, avec pâte dense. il plus a tard évolué à des thématiques plus expresionistas, comme le sexe, la solitude, l'incomunicación, etc. Il A aussi travaillé avec le bois, en des oeuvres linéaires, sans perspective, avec influence gothique et cubista. Il a été un des expresionistas plus liés au courant romantique allemande, ce que se reflète dans sa vision utópica des classes marginales, par celles qui exprime un sentiment de solidarité et revendication. Depuis 1909 il a réalisé une série de voyages par toute l'Europe qu'ils lui ont mis en contact tellement avec l'art ancien comme avec le de les nouveaux avant-gardes, spécialement le fauvismo et le cubisme, de ceux qui adopte l'organisation spatiale et le colorido intense et subjectif. Dans ses oeuvres tiende à descuidar l'aspect figurativo et descriptivo de ses compositions pour ressortir le contenu émotif et symbolique, avec des coups de pinceau denses que font que la couleur occupez tout l'espace, sans attribuer importance au dessin ou la composition.^[51]

• Karl Schmidt-Rottluff: dans ses débuts il a pratiqué le macropuntillismo, pour passer à un expressionnisme de figures esquemáticas et visages coupants, de coup de pinceau relâche et couleurs intenses. Il a reçu certaine influence de Picasso dans sa étape bleue, ainsi que de Munch et l'art africain et, depuis 1911, du cubisme, palpable dans la simplification des formes qu'a appliqué à ses oeuvres dès lors. Doué d'une grande maîtrise pour la aquarelle, savait dosificar très bien les couleurs et distribuer les claroscuros, alors qu'en peinture appliquait coups de pinceau denses et épais avec clair précédent en Van Gogh. Il A aussi réalisé des tailles en bois, parfois policromada, avec influence africaine –visages allongés, yeux almendrados–.^[52]

• Emil Nolde: Lié à Die Brücke pendant 1906-1907, a travaillé en solitaire, desligado de tendances –ne s'envisageait pas un expresionista, mais un “artiste allemand”–. Consacré en principe à la peinture de paysages, thèmes florales et animaux, sentait prédilection par Rembrandt et Goya. À des principes de siècle il employait la technicienne divisionista, avec empaste très gros et coups de pinceau courts, et avec fort téléchargement cromática, d'influence postimpresionista. Pendant son séjour en Die Brücke a abandonné le procès d'imitation de la réalité, en se dénotant dans son oeuvre une inquiétude intérieure, une tension vitale, une crispation qui se reflète dans le pouls interne de l'oeuvre. Il a commencé alors les thèmes religieux, en se centrant dans la Passion de Christ, avec influence de Grünewald, Brueghel et Jêrome Bosch, avec des visages desfigurados, un profond sentiment d'angoisse et une grande exaltation de la couleur (Le dernier dîner, 1909; Pentecostés, 1909; Sainte María Egipcíaca, 1912).^[53]

• Otto Mueller: Grand admirateur du art égyptien, a réalisé des oeuvres sur des paysages et nus avec des formes esquemáticas et angulosas où se perçoit l'influence de Cézanne et Picasso. Ses nus ont l'habitude de se situer en des paysages naturels, evidenciando l'influence de la nature exótica de Gauguin. Son dessin est net et fluide, éloigné du style âpre et gestuel des autres expresionistas, avec une composition de surfaces plates et douces lignes courbes, en créant une atmosphère d'ensoñación idílica. Ses figures maigres et esbeltas sont inspirées en Cranach, de dont le Vénus avait une reproduction dans son étude. Ils sont nus de grande simplicité et naturel, sans des traits de provocation ou sensualité, en exprimant une perfection idéale, la nostalgie d'un paradis perdu, en que l'être humain habitait en comunión avec la nature.^[54]

• Max Pechstein: de formation académique, a étudié Beaux-Arts à Dresde. Dans un voyage à l'Italie en 1907 s'a enthousiasmé avec le art etrusco et les mosaicos de Rávena, alors que dans son suivant séjour à Paris est entré en contact avec le fauvismo. En 1910 il a été fondateur avec Nolde et Georg Tappert de la Nouvelle Secesión berlinesa, de celle qui a été son premier président. En 1914 il a réalisé un voyage par Océanie, en recevant comme tellement autres artistes de l'époque l'influence de l'art primitivo et exótico. Ses oeuvres ont l'habitude d'être des paysages solitaires et agrestes, généralement de Nidden, une population de la côte báltica qu'était son lieu de veraneo.^[55]

Der Blaue Reiter

[[Archive:Franz Marc 005.jpg|thumb|300px|Les grands chevaux bleus (1911), de Franz Marc, Walker Art Center, Minneapolis.]] Der Blaue Reiter (L'Écuyer Bleu) a surgi en Múnich en 1911, en groupant à Vasili Kandinski, Franz Marc, August Macke, Paul Klee, Gabriele Münter, Alfred Kubin, Alexej von Jawlensky, Lyonel Feininger, Heinrich Campendonk et Marianne von Werefkin. Le nom du groupe a été choisi par Marc et Kandinski en prenant café dans une terrasse, après une conversation où ont coïncidé dans son goût par les chevals et par la couleur bleue, bien que est de remarquer que Kandinski a déjà peint un tableau avec le titre L'Écuyer Bleu en 1903 (Collection Et.G. Bührle, Zúrich).^[56] De nouveau, plus que une sceau estilístico commune partageaient une déterminée vision de l'art, dans celle qui imperaba la liberté créateur de l'artiste et l'expression personnelle et subjective de ses oeuvres. Der Blaue Reiter n'a pas été une école ni un mouvement, mais un groupement d'artistes avec des inquiétudes similaires, centrées dans un concept d'art ne comme imitation, mais comme expression de l'intérieur de l'artiste.^[57]

Der Blaue Reiter A été une escisión du groupe Neue Künstlervereinigung München (Nouvelle Association d'Artistes de Múnich), fondée en 1909, de celle qui était président Kandinski, et que comprenait en plus à Marc, Jawlensky, Werefkin, Kubin, Klee, Münter, les frères David et Vladimir Burliuk, Alexander Kanoldt, Adolf Erbslöh, Karl Hofer, etc. Pourtant, divergencias esthétiques ont causé l'abandon de Kandinski, Marc, Kubin et Münter, en fondant le nouveau groupe.^[58] Der Blaue Reiter Avait des peu de points en commun avec Die Brücke, en coïncidant basiquement dans son opposition à l'impresionismo et au positivismo; pourtant, face à l'attitude temperamental de Die Brücke, face à sa plasmación presque physiologique de l'emotividad, Der Blaue Reiter avait une attitude plus refinada et spirituelle, en prétendant saisir l'essence de la réalité à travers la purification des instincts. Ainsi, au lieu d'utiliser la déformation physique, ils optent par sa totale dépuration, en arrivant ainsi à l'abstraction. Sa poétique s'a défini comme un expressionnisme lyrique, dans celui qui l'evasión ne s'acheminait pas vers le monde sauvage mais vers le spirituel de la nature et le monde intérieur.^[59]

Les membres du groupe ont montré son intérêt par le misticismo, le symbolisme et les formes de l'art qu'envisageaient plus genuinas: le primitivo, le populaire, l'enfantin et le de malades mentaux. Der Blaue Reiter A souligné par l'usage de l'aquarelle, face à l'enregistré utilisé principalement par Die Brücke. Aussi on peut signaler l'importance attribuée à la musique, que s'a l'habitude d'assimiler à la couleur, ce que a facilité la transition d'un art figurativo à un plus abstrait.^[60] D'égale forme, dans ses essais théoriques ont montré sa prédilection par la forme abstraite, dans celle qui ils voyaient un grand contenu symbolique et psychologique, théorie qui a élargi Kandinski dans son oeuvre Du spirituelle dans l'art (1912), où cherche une synthèse entre l'intelligence et l'emotividad, en défendant que l'art se communique avec notre esprit intérieur, et que les oeuvres artistiques ils peuvent être tellement expresivas comme la musique.^[56] Kandinski Exprime un concept mystique de l'art, avec influence de la teosofía et la philosophie orientale: l'art est expression de l'esprit, en étant les formes artistiques reflet du même. Comme dans le monde des idées de Platon, les formes et sons ils relient avec le monde spirituel à travers la sensibilité, de l'aperçu. Pour Kandinski, l'art est un langage universel, accessible à n'importe quel être humain. Le chemin de la peinture devait être depuis la lourde réalité matérielle jusqu'à l'abstraction de la vision pure, avec la couleur comme moyen, c'est pour cela qu'a développé toute une complexe théorie de la couleur: dans La Peinture comme art pur (1913) soutient que la peinture est déjà un organisme séparé, un monde en soi même, une nouvelle forme de l'être, qu'agit sur le spectateur à travers la vue et qu'il provoque en il profondes expériences spirituelles.^[61]

Der Blaue Reiter A organisé des divers exposés: la première a été dans la Galerie Thannhäuser de Múnich, inaugurée le 18 décembre 1911]] avec le nom I Ausstellung der Redaktion donnes Blauen Reiter (I Exposé des Directeurs de l'Écuyer Bleu).^[62] A été la plus homogénea, donc se remarquait une claire influence mutuelle entre tous les composants du groupe, dissipée plus avance par une majeure individualité de tous ses membres. Ils ont exposé des oeuvres Macke, Kandinski, Marc, Campendonk et Münter et, comme invités, Arnold Schönberg –compositeur mais auteur aussi d'oeuvres picturales–, Albert Bloch, David et Vladimir Burliuk, Robert Delaunay et le Douanier Rousseau. Le deuxième exposé s'a effectué dans la Galerie Hans Goltz en mars de 1912, consacrée à des aquarelles et des oeuvres graphiques, en confrontant l'expressionnisme allemand avec le cubisme français et le suprematismo russe. La dernière grand exposé s'a produit en 1913 dans le siège de Der Sturm à Berlin, en parallèle au premier Salon d'Automne célébré en Allemagne.^[63]

Un des majeures bornes du groupe a été la publication du Almanaque (mai de 1912), avec motif de l'exposé organisé à Cologne par le Sonderbund. Ils l'ont réalisés en collaboration avec le galerista Heinrich von Tannhäuser et avec Hugo von Tschudi, directeur des musées de Bavière. Je joins à des nombreuses illustrations, il ramassait des divers textes des membres du groupe, consacrés à l'art moderne et avec des nombreuses références à l'art primitivo et exótico. Il se montrait la théorie picturale du groupe, centrée dans l'importance de la couleur et dans la perte de la composition réaliste et le caractère imitativo de l'art, face à une majeure liberté créative et une expression une plus subjective de la réalité. Il se parlait également des pionniers du mouvement (Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Rousseau), dans celui qui se comprenait autant aux membres de Die Brücke et Der Blaue Reiter comme à Matisse, Picasso et Delaunay. Il S'a aussi compris la musique, avec des références à Schönberg, Webern et Berg.^[64]

Der Blaue Reiter A eu sa fin avec la Première Guerre mondiale, dans celle qui ils sont mort Marc et Macke, alors que Kandinski a dû revenir à la Russie. En 1924 Kandinski et Klee, joins à Lyonel Feininger et Alexej von Jawlensky, ont fondé Die Blaue Vier (Les Quatre Bleus) dans le sein de la Bauhaus, en exposant conjointement son oeuvre par le terme de dix ans.^[65]

Les principaux représentants de Der Blaue Reiter ont été:

• Vasili Kandinski: De vocation tardive, a étudié droit, économie et politique avant de se passer à la peinture, après visiter un exposé impresionista en 1895. Établi en Múnich, s'a entamé en le Jugendstil, conjugándolo avec des éléments de la tradition russe. En 1901 il a fondé le groupe Phalanx, et a ouvert sa propre école. Pendant 1906-1909 il a eu une période fauvista, pour passer postérieurement à l'expressionnisme. Depuis 1908 son oeuvre il a été en perdant l'aspect thématique et figurativo pour gagner en expressivité et colorido, en entamant progressivement le chemin vers l'abstraction, et depuis 1910 a créé des tableaus en où l'importance de l'oeuvre résidait en la forme et la couleur, en créant plans picturaux par confrontation de couleurs.^[66] Son abstraction était ouverte, avec un foyer dans le centre, en poussant avec une force centrífuga, en dérivant les lignes et taches vers dehors, avec grande richesse formelle et cromática. Le propre Kandinski distinguait son oeuvre entre “des impressions”, reflet direct de la nature extérieure (qu'il serait son oeuvre jusqu'à 1910); “improvisations”, expression de signe interne, de caractère spontané et de nature spirituelle (abstraction expresionista, 1910-1921); et “compositions”, expression également interne mais élaborée et formée lentement (abstraction constructive, depuis 1921).^[67]

• Franz Marc: étudiant de théologie, pendant un voyage par l'Europe entre 1902 et 1906 a décidé se faire peintre. Imbuido D'un grand misticismo, s'envisageait un peintre “expresivo”, en essayant exprimer son “j'intérieur”. Son oeuvre a été assez monotemática, en se consacrant principalement aux animaux, spécialement les chevaux. Malgré cela, ses traitements étaient très variés, avec des contrastes très violents de couleur, sans perspective linéaire. Il a reçu l'influence de Degas –qu'a aussi fait une série sur des chevaux–, ainsi que du cubisme órfico de Delaunay et des atmosphères flottantes de Chagall. Pour Marc, l'art était une forme de saisir l'essence des choses, ce que a traduit dans une vision mystique et panteísta de la nature, qu'a reflété surtout dans les animaux, que pour il avaient une signification symbolique, en représentant concepts comme l'amour ou la mort. Dans ses représentations d'animaux la couleur était également symbolique, en soulignant le bleu, la couleur la plus spirituelle. Les figures étaient simples, esquemáticas, tendiendo à la geometrización après son contact avec le cubisme. Pourtant, desengañado aussi des animaux, a commencé comme Kandinski le chemin vers l'abstraction, course qui s'a vu truncada avec sa mort en la contienda mondiale.^[68]

• August Macke: En 1906 il a visité la Belgique et l'Hollande, où il a reçu l'influence de Rembrandt –empaste gros, contrastes accusés–; en 1907, à Londres, ils lui ont enthousiasmés les prerrafaelitas; également, en 1908 à Paris il a contacté avec le fauvismo. Il A dès lors abandonné la tradition et il a renouvelé des thématiques et coloridos, en travaillant avec des couleurs claires et cálidos. il plus a tard reçu l'influence du cubisme: contrainte cromática, lignes géométriques, figures esquematizadas, contrastes ombre-lumière. Il Est finalement arrivé à l'art abstrait, influencé par Kandinski et Delaunay: il faisait une abstraction rationnelle, géométrique, avec des taches linéaires de couleur et compositions basées sur plans géométriques coloreados. Dans ses dernières oeuvres –après un voyage au nord de l'Afrique– il est revenu au colorismo fort et les contrastes exagérés, avec un vrai air surrealista. Il s'inspirait en des thèmes quotidiens, en des environnements généralement urbains, avec un air lyrique, gai, serein, avec des couleurs d'expression symbolique comme en Marc.^[69]

• Paul Klee: de formation musicale, en 1898 s'est passé à la peinture, en dénotant comme Kandinski un sens pictural d'evanescencia musical, tendant à l'abstraction, et avec un air onírico que lui porterait au surréalisme.^[70] Entamé en le Jugendstil, et avec influence de Böcklin, Redon, Van Gogh, Ensor et Kubin, prétendait comme ce dernier obtenir un état j'interviens entre la réalité et l'ensoñación idéale. Plus tard, après un voyage à Paris en 1912 où a connu à Picasso et Delaunay, s'a intéressé plus par la couleur et ses possibilités compositivas. Dans un voyage à l'Afrique en 1914 avec Macke s'a réaffirmé sa vision de la couleur comme élément dinamizador du tableau, que serait la base de ses compositions, où perdura la forme figurativa combinée avec une certaine atmosphère abstraite, en des curieuses combinaisons que seraient un de ses sceaux estilísticos plus reconocibles. Klee recreó Dans son oeuvre un monde fantastique et ironique, proche au des enfants ou les fous, que lui rapprochera à l'univers des surrealistas –se sont signalé nombreux points de contact entre son oeuvre et la de Joan a Regardé–.^[71]

• Alexej von Jawlensky: Militaire russe, a abandonné sa course pour se consacrer à l'art, en s'installant en Múnich en 1896 avec Marianne von Werefkin. En 1902 il a voyagé à Paris, trabando amitié avec Matisse, avec qui a travaillé un temps et avec qui s'a entamé en le colorido fauve. Il s'a consacré principalement au portrait, inspiré dans les icônes de l'art traditionnel russe, avec des figures en attitude hierática, de grande taille et esquematización compositiva. Il travaillait avec des grandes surfaces de couleur, avec un colorido violent, delimitado par des forts traits noirs.^[72] Pendant la guerre s'a réfugié en Suisse, où il a réalisé des portraits proches au cubisme, avec des visages ovales, de nez allongé et yeux asymétriques. Plus tard, par influence de Kandinski, s'a approché à l'abstraction, avec des portraits réduits à des formes géométriques, de couleurs intenses et cálidos.^[73]

• Lyonel Feininger: Nord-américain d'origine allemande, en 1888 a voyagé à l'Allemagne pour étudier musique, en se passant postérieurement à la peinture. Dans ses débuts il a travaillé comme caricaturista pour divers journaux. Il a reçu l'influence du cubisme órfico de Delaunay, patent en le geometrismo de ses paysages urbains, de formes angulosas et inquiétantes, semblées aux de Le cabinet du docteur Caligari –en dont decoradores a probablement influencé–. Ses personnages sont caricaturescos, de grande taille –parfois en arrivant à la même hauteur des bâtiments–, bâtis par superposition de plans de couleur. Professeur de la Bauhaus de 1919 à 1933, en 1938, à cause du nazisme, retornó à son New York natal.^[74]

• Gabriele Münter: Il a étudié à Düsseldorf et Múnich, en encaissant dans le groupe Phalanx, où a connu à Kandinski, avec celui qui a entamé une relation et il est passé des longues saisons dans la localité de Murnau. Il A là peint des nombreux paysages dans lesquels il dévoilait une grande emotividad et une grande domination de la couleur, avec influence de l'art populaire bávaro, ce que se dénote dans les lignes simples, couleurs claires et lumineux et une soignée distribution des masses. Il a reçu de Jawlensky l'yuxtaposición de taches brillantes de couleur avec nítidos contours, que se convertiraient dans sa principale sceau artistique. Entre 1915 et 1927 il a laissé de peindre, après sa rupture avec Kandinski.^[75]

• Heinrich Campendonk: Influencé par le cubisme órfico et l'art populaire et primitivo, a créé un type d'oeuvres de signe primitivista, avec dessin de grande rigidité, figures hieráticas et compositions desjerarquizadas. Dans ses oeuvres il a un papier déterminant le contraste de couleurs, avec un coup de pinceau héritier de l'impresionismo. Plus tard, par influence de Marc, la couleur a gagné indépendance à l'égard de l'objet, en touchant une majeure valeur expresivo, et descomponiendo l'espace à la façon cubista. Il superposait les couleurs en des capes transparentes, en réalisant compositions libres où les objets semblent flotar sur la surface du tableau. De même qu'en Marc, sa thématique s'a centré dans un concept idealizado de comunión entre l'homme et la nature.^[76]

• Alfred Kubin: écrivain, dibujante et illustratif, son oeuvre s'a basé sur un monde fantasmagórico de monstres, d'aspect morboso et hallucinant, en reflétant son obsesión par la mort. Influencé par Max Klinger, a travaillé principalement comme illustratif, en des dessins en blanc et noir d'air decadentista avec des réminiscences de Goya, Blake et Félicien Rops. Ses scènes s'encadraient en des environnements crepusculares, fantasmagóricos, que rappellent également à Odilon Redon, avec un style caligráfico, parfois en frottant l'abstraction. Ses images fantastiques, mórbidas, avec des références au sexe et la mort, ont été precursoras du surréalisme. Il A aussi été écrivain, dont la principale oeuvre, L'autre côté (1909), a pu y avoir influencé sur Kafka.^[77]

• Marianne von Werefkin: appartenant à une famille aristócrata russe, a reçu des classes de Ilya Repin à Saint-Pétersbourg. En 1896 il s'a déplacé à Múnich avec Jawlensky, avec celui qui avait entamé une relation, en se consacrant plus à la diffusion de l'oeuvre de celui-ci que à la à elle propre. Dans cette ville a créé un salon de notable renommée comme tertulia artistique, en arrivant à influencer en Franz Marc à niveau théorique. En 1905, après quelques divergencias avec Jawlensky, a peint à nouveau. Cet an a voyagé à la France, en recevant l'influence des nabis et les futuristas. Ses oeuvres sont d'un colorido brillant, plein de contrastes, avec preponderancia de la ligne dans la composition, à celle que se subordina la couleur. La thématique est fortement symbolique, en soulignant ses énigmatiques paysages avec des processions de morts.^[78]

Neue Sachlichkeit

[[Archive:Georg Schrimpf Martha 1925-11.jpg|thumb|250px|Martha (1925), de Georg Schrimpf, Pinakothek der Moderne, Múnich.]] Le groupe Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité) a surgi après la Première Guerre mondiale comme un mouvement de réaction face à l'expressionnisme, retornando à la figuration réaliste et à la plasmación objective de la réalité circundante, avec un marqué composant social et reivindicativo. Développé entre 1918 et 1933, a disparu avec l'advenimiento du nazisme.^[79] L'environnement de pessimisme qu'a amené la postguerre il a favorisé l'abandon par part de quelques artistes de l'expressionnisme le plus spirituel et subjectif, de recherche de nouveaux langages artistiques, par un art un plus engagé, plus réaliste et but, dur, direct, utile pour le développement de la société, un art révolutionnaire dans sa thématique, si bien ne dans la forme.^[80] Les artistes s'ont séparés de l'abstraction, en réfléchissant sur l'art figurativo et en rejetant toute activité que ne répondît pas aux problèmes de l'acuciante réalité de la postguerre. Ils ont incarné ce groupe Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann, Conrad Felixmüller, Christian Schad, Rudolf Schlichter, Ludwig Meidner, Karl Hofer et John Heartfield.

Face à l'introspection psychologique de l'expressionnisme, l'individualismo de Die Brücke ou l'espiritualismo de Der Blaue Reiter, la Nouvelle Objectivité a proposé le retour au réalisme et à la plasmación objective du monde circundante, avec une thématique une plus sociale et engagée politiquement. Pourtant, ils n'ont pas renoncé aux réussites techniques et esthétiques de l'art d'avant-garde, comme le colorido fauvista et expresionista, la “vision simultanée” futurista ou l'application du fotomontaje à la peinture et l'enregistré du verismo. La récupération de la figuration a été une conséquence commune dans l'espace à la fin de la guerre: outre la Nouvelle Objectivité, a surgi en France le purismo et en Italie la peinture métaphysique, precursora du surréalisme. Mais dans la Nouvelle Objectivité ce réalisme est plus engagé que dans autres pays, avec des oeuvres de dénonciation sociale qu'ils prétendent desenmascarar la société bourgeoise de son temps, dénoncer à l'estamento politique et militaire que les a portés au désastre de la guerre. Si bien la Nouvelle Objectivité s'a opposé à l'expressionnisme par être un style spirituel et individualiste, a maintenu en revanche son essence formelle, puisque son caractère grotesque, de déformation de la réalité, de caricaturización de la vie, a été déplacé à la thématique sociale abordée par les nouveaux artistes de la postguerre.^[81]

La Nouvelle Objectivité a surgi comme refus au Novembergruppe, dont la faute d'engagement social rejetaient. Ainsi, en 1921, un groupe d'artistes dadaístas –entre lesquels se trouvaient George Grosz, Otto Dix, Rudolf Schlichter, Hanna Höch, etc.– Ils s'ont présentés comme “Opposition au Groupe de Novembre”, en rédigeant une Lettre ouverte à celui-ci. Le terme Nouvelle Objectivité a été idéée par le critique Gustav Friedrich Hartlaub pour l'exposé Nouveau Objectivité. Peinture allemande depuis l'expressionnisme, célébrée en 1925 en la Kunsthalle de Mannheim. Selon des mots d'Hartlaub: “le but est surpasser les mezquindades esthétiques de la forme à travers une nouvelle objectivité née de la contrariété vers la société bourgeoise de l'exploitation”.^[82]

En parallèle à la Nouvelle Objectivité a surgi le dénommé “réalisme magique”, nom proposé également par Hartlaub en 1922 mais diffusé surtout par Franz Roh dans son livre Postexpresionismo. Réalisme magique (1925). Le réalisme magique s'a situé plus à la droite de la Nouvelle Objectivité –bien que est allé également éliminé par les nazis–, et il représentait une ligne une plus personnelle et subjective que le groupe de Grosz et Dix. Face à la violence et dramatismo de ses coetáneos objectifs, les réalistes magiques ont élaboré une oeuvre une plus calmée et intemporelle, plus sereine et évocatrice, transmisora d'une quietud que prétendait apaiser les esprits après la guerre. Son style était proche au de la peinture métaphysique italienne, en essayant saisir la transcendance des objets au-delà du monde visible. Entre ses figures ont souligné Georg Schrimpf, Alexander Kanoldt, Anton Räderscheidt, Carl Grossberg et Georg Scholz.^[83]

Les principaux exposants de la Nouvelle Objectivité ont été:

• George Grosz: originaire du dadaísmo, était intéressé par l'art populaire. Il a montré depuis jeune dans son oeuvre une intense contrariété par la vie, que s'a converti après la guerre en indignation. Dans son oeuvre a analysé froide et metódicamente la société de son temps, desmitificando aux classes dirigeantes pour montrer son côté son plus cruel et despótico. Il a chargé spécialement contre la armée, la bourgeoisie et le clero, en des séries comme Le visage de la classe dominante (1921) ou Ecce Homo (1927), en des scènes où predomina la violence et le sexe. Ses personnages ont l'habitude d'être mutilados de guerre, assassins, suicidés, bourgeois riches et rechonchos, prostituées, vagabundos, etc., En des figures escuetas, silueteadas en des peu de traits, comme des poupées. Techniquement, il a employé des ressources d'autres styles, comme l'espace geometrizante du cubisme ou le captage du mouvement du futurismo.^[84]

• Otto Dix: Entamé dans le réalisme traditionnel, avec influence de Hodler, Cranach et Durero, en Dix la thématique sociale, patética, directe et macabre de la Nouvelle Objectivité restait soulignée par la représentation réaliste et minuciosa, presque diáfana, de ses scènes urbaines, peuplées par le même type de personnages que portrayait Grosz: assassins, lisiados, prostituées, bourgeois et mendigos. Il a exposé de façon froide et metódica les horreurs de la guerre, les carnicerías et tueries qu'il a assisté à comme soldat: ainsi, dans la série La Guerre (1924), s'a inspiré dans l'oeuvre de Goya et de Callot.^[85]

• Max Beckmann: de formation académique et débuts proches à l'impresionismo, l'horreur de la guerre lui a porté comme à ses collègues à refléter de forme crue la réalité qui l'enveloppait. Il a accusé alors l'influence d'anciens maîtres comme Grünewald, Brueghel et Jêrome Bosch, joins à des nouveaux apports comme le cubisme, de celui qui il a pris son concept d'espace, que se revient dans son oeuvre un espace accablant, presque claustrofóbico, où les figures ont un aspect de solidité escultórica, avec des contours très delimitados. Dans sa série L'enfer (1919) a fait un portrait dramatique du Berlin de postguerre, avec des scènes de grande violence, avec des personnages torturés, qu'ils crient et se retuercen de douleur.^[85]

• Conrad Felixmüller: ferviente Adversaire de la guerre, pendant la contienda a assumé l'art comme forme d'engagement politique. Lié au cercle de Pfemfert, éditeur de la revue Die Aktion, s'a mû dans l'environnement antimilitariste de Berlin, que rejetait l'esteticismo en art, en défendant un art engagé et de finalité sociale. Influencé par le colorido de Die Brücke et par la décomposition cubista, a simplifié l'espace à des formes angulaires et cuadriláteras, qu'il dénommait “cubisme synthétique”. Sa thématique s'a centré en des ouvriers et dans les classes sociales plus défavorisées, avec un fort composant de dénonciation.^[86]

• Christian Schad: membre du groupe dadaísta de Zúrich (1915-1920), où a travaillé avec papier photographique –ses “schadografías”–, s'a consacré postérieurement au portrait, en des portraits froids et desapasionados, strictement objectifs, presque deshumanizados, en étudiant avec regard sobre et scientifique aux personnages que portrait, qu'ils se voient réduits à des simples objets, seuls et isolés, sans capacité de se communiquer.^[83]

• Ludwig Meidner: Membre du groupe Die Pathetiker (Les Patéticos) joins à Jakob Steinhardt et Richard Janthur, son principal thème a été la ville, le paysage urbain, qu'a montré en des scènes abigarradas, sans espace, avec des grandes foules de gens et bâtiments angulosos de precario équilibre, dans un environnement opresivo, angoissant. Dans sa série Paysages apocalyptiques (1912-1920) a portrait des villes détrui, qu'ils brûlent ou ils éclatent, en des vues panoramiques que montrent plus froidement l'horreur de la guerre.^[87]

• Karl Hofer: entamé en un vrai clasicismo proche à Hans von Marées, a étudié à Rome et Paris, où lui a surpris la guerre et il a été fait prisonnier pendant trois ans, fait qui a marqué profondément le développement de son oeuvre, avec des figures tourmentées, de gestes vacilantes, en attitude estática, encadrées en des créations claires, de couleurs froides et coup de pinceau pulcra et impersonal. Ses figures sont solitaires, d'aspect pensativo, mélancolique, en dénonçant l'hypocrisie et la folie de la vie moderne (Le couple, 1925; Hommes avec des torches, 1925; La chambre noire, 1930).^[88]

Autres artistes

[[j'Archive:Modersohn-Becker - Kniende Mutter mit Kind.jpg|thumb|250px|Mère arrodillada avec enfant (1907), de Paula Modersohn-Becker, Alte Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Berlin.]] Quelques artistes ne s'ont pas attribué à aucun groupe, en développant de forme personnelle un expressionnisme fortement intuitif, de diverses tendances et styles:

• Paula Modersohn-Becker: il a étudié à Brême et Hambourg, en s'installant postérieurement dans la colonie d'artistes de Worpswede (1897), encadrée en celui-là alors en un paisajismo proche à la École de Barbizon. Pourtant, son intérêt par Rembrandt et les peintres allemands médiévaux ils lui ont portés vers la recherche d'un art plus expresivo. Influencée par le postimpresionismo, ainsi que par Nietzsche et Rilke, a commencé à employer dans ses oeuvres couleurs et formes appliqués symboliquement. Dans quelques visites à Paris entre 1900 et 1906 il a reçu l'influence de Cézanne, Gauguin et Maillol, en combinant de forme personnelle les formes tridimensionales de Cézanne et les créations linéaires de Gauguin, principalement en des portraits et des scènes maternelles, ainsi que nus, évocateurs d'un nouveau conception dans la relation du corps avec la nature.^[89]

• Lovis Corinth: Formé en l'impresionismo –duquel a été une des principales figures en Allemagne je joins à Max Liebermann et Max Slevogt–, a dérivé dans sa maturité vers l'expressionnisme avec une série d'oeuvres d'introspection psychologique, avec une thématique centrée en l'erótico et macabre. Après une attaque cérébrale qu'a subi en 1911 et qu'il lui a paralysé la main droite, il a appris à peindre avec la gauche. Si il a bien suivi ancré dans l'impression optique comme méthode de création de ses oeuvres, a touché un croissant rôle principal l'expressivité, en terminant en Le Christ rouge (1922), scène religieuse de notable angoisse proche aux visions de Nolde.^[90]

• Christian Rohlfs: de formation académique, s'a consacré principalement au paysage de style réaliste, jusqu'à ce qu'a abouti dans l'expressionnisme presque aux cinquante ans d'âge. Le fait déterminant pour le changement a pu être son embauche en 1901 comme professeur de l'école-musée Folkwang de Hagen, où a pu contacter avec les meilleures oeuvres de l'art moderne international. Ainsi, à partir de 1902 il a commencé à appliquer la couleur de forme plus systématique, à la façon puntillista, avec un colorido très lumineux. Il a reçu plus tard l'influence de Van Gogh, avec des paysages de coup de pinceau rítmica et pastosa, en des franges onduladas, sans profondeur. Finalement, après un exposé de Die Brücke en le Folkwang en 1907, a essayé des nouvelles techniciennes, comme la xilografía et le linóleo, avec des accentués contours noirs. Sa thématique était variée, bien que centrée en des thèmes bibliques et de la mythologie nordique.^[91]

• Wilhelm Morgner: Élève de Georg Tappert, peintre lié à la colonie de Worpswede, dont paisajismo lyrique lui a influencé en premier lieu, a évolué plus tard à un style un plus personnel et expresivo, influencé par le cubisme órfico, où touchent importance les lignes de couleur, avec des coups de pinceau puntillistas que s'yuxtaponen en formant quelque chose semblé à un tapiz. À l'accentuer la couleur et la ligne il a abandonné la profondeur, en des compositions plates où les objets se situent en parallèle, et les figures ils ont l'habitude de se représenter de profil. Depuis 1912 il a touché importance dans son oeuvre la thématique religieuse, en des compositions presque abstraites, avec lignes simples tracées avec la couleur.^[92]

Le groupe de Vienne

[[j'Archive:Egon Schiele 022.jpg|thumb|200px|Semblable de femmes (1915), de Egon Schiele, Magyar Szépmüvészeti Múzeum, Budapest.]] En Autriche, les expresionistas ont reçu l'influence du modernismo allemand (Jugendstil) et autrichien (Sezession), ainsi que des simbolistas Gustav Klimt et Ferdinand Hodler. L'expressionnisme autrichien a souligné par la tension de la composition graphique, deformando la réalité de forme subjective, avec une thématique principalement erótica –représentée par Schiele– ou psychologique –représentée par Kokoschka–.^[93] En confrontation à l'impresionismo et l'art académique decimonónico preponderante en la la Autriche du changement de siècle, les jeunes artistes autrichiens ont suivi le sillage de Klimt en recherche d'une majeure expressivité, en reflétant dans ses oeuvres une thématique existentielle de grand fond philosophique et psychologique, centré en la vie et la mort, la maladie et la douleur, le sexe et l'amour.^[94]

Ses principaux représentants ont été Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Richard Gerstl, Max Oppenheimer, Albert Paris von Gütersloh et Herbert Boeckl, outre Alfred Kubin, membre comme s'est vu de Der Blaue Reiter. Il rentrerait souligner principalement l'oeuvre de deux artistes:

• Egon Schiele: discípulo De Klimt, son oeuvre a tourné autour d'une thématique basée sur la sexualité, la solitude et l'incomunicación, avec vrai d'air de voyeurismo, avec des oeuvres très explicites pour lesquelles a même été détenu, accusé de pornographie. Consacré principalement au dessin, a attribué un papier essentiel à la ligne, avec celle qui a basé ses compositions, avec des figures estilizadas immergées dans un espace opresivo, tenso. Recreó Une tipología humaine reiterativa, avec un canon allongé, esquemático, éloigné du naturalismo, avec des couleurs vives, exaltés, en soulignant le caractère linéaire, le contour.^[95]

• Oskar Kokoschka: Il a reçu l'influence de Van Gogh et du passé classique, principalement le baroque (Rembrandt) et la école veneciana (Tintoret, Veronese). Il A aussi été lié à la figure de Klimt, ainsi que de l'architecte Adolf Loos. Pourtant, il a créé son propre style personnel, visionario et tourmenté, en des compositions où l'espace touche grand rôle principal, un espace dense, sinuoso, où se voient plongées les figures, que flotan en il immergées dans un courant centrífuga que produit un mouvement espiral. Sa thématique avait l'habitude d'être l'amour, la sexualité et la mort, en se consacrant aussi parfois au portrait et le paysage.^[96] Ses premières oeuvres avaient un style médiéval et simbolista proche aux Nabis ou l'époque bleue de Picasso. Depuis 1906, dans qu'il a connu l'oeuvre de Van Gogh, s'a entamé dans un type de portrait de cour psychologique, que prétendait refléter le déséquilibre émotionnel du portrait, avec supremacía de la ligne sur la couleur. Ses oeuvres plus purement expresionistas soulignent par les figures retorcidas, d'expression torturée et apasionamiento romantique, comme L'épouse du vent (1914). Depuis les ans 1920 il s'a consacré plus à le paysage, avec un vrai aspect baroque, de coup de pinceau plus légère et couleurs plus brillantes.^[97]

École de Paris

Il se dénomme École de Paris à un groupe heterodoxo d'artistes qu'ont travaillé à Paris dans la période d'entreguerras (1905-1940), liés à des divers styles artistiques comme le postimpresionismo, l'expressionnisme, le cubisme et le surréalisme. Le terme englobe à une grande variété d'artistes, autant français comme des étrangers qu'ils résidaient dans la capitale française dans l'intervalle entre les deux guerres mondiales. Dans cette époque la ville du Seine était un fértil centre de création et diffusion artistique, autant par son environnement politique, culturel et économique, comme par être l'origine de divers mouvements d'avant-garde comme le fauvismo et le cubisme, et lieu de résidence de grands maîtres comme Picasso, Braque, Matisse, Léger, etc. il aussi était un remarcable centre de coleccionismo et de galeries d'art. La plupart d'artistes résidait dans les quartiers de Montmartre et Montparnasse, et se caractérisait par sa vie mísera et bohemia.^[98]

Dans l'École de Paris s'a donné une grande diversité estilística, si bien la plupart ont été liés en majeur ou moindre mesure à l'expressionnisme, bien que interprété de forme personnelle et heterodoxa: artistes comme Amedeo Modigliani, Chaïm Soutine, Jules Pascin et Maurice Utrillo ont été connus comme “leur maudits” (les maudits), par son art bohemio et torturé, reflet d'un environnement noctámbulo, misérable et désespéré. En revanche, Marc Chagall représente un expressionnisme plus vitalista, plus dynamique et colorista, en synthétisant son iconografía russe natal avec le colorido fauvista et l'espace cubista.^[99]

Les membres les plus soulignés de l'école ont été:

• Amedeo Modigliani: Il s'a installé en Montmartre en 1906, où se réunissait dans “Le lapin agile” avec Picasso, Max Jacob, Apollinaire, Soutine, etc. Influencé par le symbolisme et le manierismo (Pontormo, Parmigianino), s'a consacré principalement au paysage, le portrait et le nu, avec figures allongées inspirées dans les maîtres italiens du Cinquecento. Hedonista, Cherchait la félicité, le plaisante, par ce que ne lui intéressait pas le courant destructiva nietzscheana de l'expressionnisme allemand. Dans ses oeuvres il remarquait avec force le contour, de lignes fluides, héritières du arabesco modernista, alors que l'espace se formait par yuxtaposición de plans de couleur. Ses portraits étaient de grande introspection psychologique, à ce que contribuait une certaine déformation et la transmission de cet air mélancolique et désolé propre de sa vision bohemia et angoissée de la vie. Il s'a consacré aussi à la sculpture, avec influence de Brâncuşi, ainsi que manierista et africaine, avec des oeuvres symétriques, allongées, frontales, proches à la sculpture arcaica grecque.^[100]

• Marc Chagall: installé à Paris en 1909, a réalisé des oeuvres de caractère onírico, proches à un vrai surréalisme, distorsionando la réalité à son caprice. Il employait une gamme de couleur exaltée, principale nexo d'union avec l'expressionnisme allemand –bien que il ne s'envisageait pas expresionista–, en des thèmes populaires et religieux, avec disproportion et faute d'intérêt par l'hiérarchisation dans la narration des faits. Influencé par le fauvismo, le cubisme et le futurismo, ses scènes se trouvent dans un espace irréel, d'autrui à des règles de perspective ou échelle, dans un monde où évoque ses souvenirs enfantins et les thèmes populaires russes et juifs, mêlés avec le monde des rêves, la musique et la poésie. Il a pris de Delaunay la transparence de plans et couleurs, ainsi que la création d'espace à travers la couleur et la simultaneidad temporelle moyennant l'yuxtaposición d'images. Entre 1914 et 1922 il est revenu à la Russie, où a été commissaire culturel dans l'École de Beaux-Arts de Vitebsk. De tour à Paris, a évolué vers le surréalisme.^[101]

• Georges Rouault: lié en principe au symbolisme –a été discípulo de Gustave Moreau– et au fauvismo, sa thématique de caractère moral –centré en le religieux– et son colorido obscur l'ont rapprochés à l'expressionnisme. Ses oeuvres ses plus emblématiques sont les de nus féminins, qu'ont un air amer et désagréable, avec des figures lánguidas et blanquecinas (Odaliscas, 1907); scènes circenses, principalement de clowns, avec air caricaturesco, en remarquant notablement les contours (Tête d'un clown tragique, 1904); et scènes religieuses, avec dessin plus abstrait et colorido plus intense (La Passion, 1943). L'oeuvre de Rouault –spécialement les oeuvres religieuses– avait une forte charge de dénonciation sociale, d'increpación vers les vices et des défauts de la société bourgeoise; même en une thématique comme la circense soulignait son côté son plus négatif et deprimente, sans des concessions comiques ou sentimentaux, avec un aspect sórdido et cruel. Il sentait prédilection par le gouache et l'aquarelle, avec des tons obscurs et des surfaces éclaboussées, en des capes superposées de pigmentos translúcidos, avec un grafismo de lignes cassées que soulignait l'expressivité de la composition.^[102]

• Jules Pascin: d'origine bulgare et ascendencia juive, s'a installé à Paris après des brefs séjours à Berlin, Vienne et Prague; en 1914 il s'a déplacé aux États-Unis, en revenant à Paris en 1928 jusqu'à son suicide deux ans plus soir. Son oeuvre exprimait le desarraigo et l'aliénation du desterrado, ainsi que les obsèdes sexuels que lui ont marqués depuis son adolescence. Dans ses débuts il a montré l'influence du fauvismo et le cubisme, ainsi que de Toulouse-Lautrec et Degas en les nus. Il avait une délicate technicienne, avec une ligne finamente suggérée et une couleur de tons iridiscentes, en montrant en ses nus un air lánguido et evanescente.^[103]

• Chaïm Soutine: Russe de famille juive, s'a installé à Paris en 1911. Sa personnalité violente et autodestructiva lui provoquait une relation passionnée avec son oeuvre, en lui portant beaucoup de fois à casser ses tableaus, et en se reflétant dans un coup de pinceau fort et incontrolada et une thématique angoissante et désolée, comme en sa Buey en chaîne (1925), inspiré en le Buey desollado de Rembrandt. Peintre impulsif et spontané, avait un besoin irrefrenable de refléter immédiatement en le lienzo son emotividad intérieur, motif pour lequel ses oeuvres manquent de n'importe quelle préparation préalable. Influencé par Rembrandt, Le Greco et Tintoret, son colorido est intense, en exprimant avec la direction des coups de pinceau les sentiments de l'artiste. Également, il est évident l'empreinte de Van Gogh en l'impulsividad du geste pictural, surtout dans ses paysages.^[104]

• Maurice Utrillo: artiste bohemio et torturé, son activité artistique a été parallèle à sa dépendance à l'alcool. D'oeuvre autodidacta et avec vrai d'aspect naïf, s'a consacré principalement au paysage urbain, en portrayant de forme magistrale l'environnement populaire du quartier de Montmartre, en soulignant son aspect de solitude et opresión, reflété avec une technicienne épurée et linéaire, de certain héritage impresionista.^[105]

Autres artistes qui ont développé son oeuvre dans le sein de l'École de Paris ils ont été Lasar Segall, Emmanuel Mané-Katz, Pinchus Krémègne, Moïse Kisling, Michel Kikoïne et le japonais Tsuguharu Foujita.

Autres pays

[[j'Archive:Frits Van donnent Berghe - Vruchtbaarheid 10-03-2009 15-31-07kopie.jpg|thumb|180px|Fertilité, de Frits Van donnent Berghe, Kunstmuseum aan Zee, Oostende.]]

• la Belgique: l'expressionnisme belge a été héritier du symbolisme primitivista, en accusant également une forte influence du peintre renacentista flamand Pieter Brueghel le Vieux, ainsi que la de James Ensor, maître des expresionistas belges. Le premier groupe a surgi en 1914 dans la colonie d'artistes de Sint-Martens-Latem, intégré par Albert Servaes, Gustave Van de Woestijne, Gustave De Smet, Frits Van donnent Berghe et Constant Permeke. Pourtant, la guerre dispersó le groupe: Permeke s'a réfugié en Grande-Bretagne, et De Smet et Van donnent Berghe en Hollande. En dehors de son environnement ils ont reçu des nombreuses influences, principalement du cubisme et l'art africain. Passée la guerre l'expressionnisme belge a revécu avec notable force, surtout autour de la revue Selection et à la galerie du même nom, à Bruxelles. Les influences du moment ont été la de le cubisme et de l'École de Paris, reflétées en un vrai air monumental et une approche sociale tendante au ruralismo, avec des scènes costumbristas inspirées en les classiques flamands. Le mouvement perduró pratiquement jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale, si bien avec une continue baisse depuis 1930.^[106]

• le Brésil: dans ce pays nous avons la présence de Cândido Portinari, peintre de renom universel. De famille pauvre, a étudié dans l'École Nationale de Beaux-Arts de Rio de Janeiro. En 1929 il a voyagé à l'Europe, en s'établissant à Paris après parcourir l'Espagne, l'Italie et l'Angleterre, pour revenir en 1931. Avec influence de Picasso, dans son oeuvre a exprimé le monde des pauvres et défavorisés, des ouvriers et les agriculteurs. Un autre nom à souligner serait le de Anita Malfatti, envisagée l'introductora des avant-gardes européens et nord-américains en Brésil. En 1910 il a voyagé à Berlin, où il a étudié avec Lovis Corinth. Son oeuvre s'a caractérisé par les couleurs violentes, en des portraits, nus, paysages et scènes populaires. Depuis 1925 il a abandonné l'expressionnisme et il a commencé une course une plus conventionnelle.^[107]

• la Tchécoslovaquie: pays surgi après la Première Guerre mondiale avec le démembrement du AutricheEmpire Austro-Hongrois, les avant-gardes ils sont arrivé avec quelque chose de délai, ce que s'a traduit en une certaine mixtificación de styles, en se produisant un expressionnisme fortement mêlé avec le cubisme. Ses principaux représentants ont été Bohumil Kubišta, Emil Filla et Antonín Procházka. L'oeuvre de Filla est une profonde réflexion sur la guerre –est resté fortement marqué par son expérience dans le champ de concentration de Buchenwald–, avec une grande influence de la peinture hollandaise du siècle XVII. Procházka A exprimé la beauté et la poésie des objets mundanos, qu'agissait de trascender en extrayant d'ils une vision idealizada mais très descriptiva, en employant souvent la technicienne de la encáustica. Kubišta, Influencé par Van Gogh et Cézanne, a été membre temporellement de Die Brücke. De formation autodidacta et intéressé par la philosophie et la optique, a étudié les couleurs et la construction géométrique de la peinture. Son oeuvre a évolué depuis 1911 à un style un plus influencé par le cubisme.^[108]

• l'Équateur: il rentre remarquer l'oeuvre de Oswaldo Guayasamín. Il a étudié dans l'École de Beaux-Arts de Quito. Entre 1942 et 1943 il a voyagé par les États-Unis et le Mexique, où a été assistante d'Orozco. Un an a après voyagé par des divers pays de l'Amérique Latine, entre ils le Pérou, le Brésil, le Chili, l'Argentine et l'Uruguay, en trouvant en tous ils une société indigène oprimida, thématique que, dès lors, est apparu toujours dans ses oeuvres. Dans ses peintures posterior figurativas a traité des thèmes sociaux, en simplifiant les formes. Son oeuvre a reflété la douleur et la misère qu'il supporte la majeure part de l'humanité, en dénonçant la violence qui lui a touché habiter en étant humain dans le siècle XX, marqué par les guerres mondiales, les génocides, les champs de concentration, les dictatures, les tortures, etc. Il a des peintures murales à Quito, Madrid (Aéroport de Barajas), Paris (Siège de la UNESCO), etc.

• l'Espagne: dans ce pays, comme dans bien de pays méditerranéens, l'expressionnisme a eu relatif succès, puisque sa vision intimista, spirituelle et existencialista de l'être humain a un composant plus marcadamente nordique. Pourtant, il a été pratiqué par des divers artistes isolés, en soulignant la figure de José Gutiérrez Solana: sa peinture a reflété une vision subjective, pessimiste et dégradée de l'Espagne, similaire à la de la Génération du 98. Il écarte de l'influence qu'en il ils ont exercé les peintres du tenebrismo baroque, en spécial Juan de Valdés Leal, autant par sa thématique lúgubre et desengañada comme par les compositions d'accusé claroscuro est patent l'influence des Peintures noires de Francisco de Goya ou du romantique Eugenio Lucas. Sa peinture a souligné la misère d'une l'Espagne sórdida et grotesque, moyennant l'usage d'un coup de pinceau dense et de trait gros dans la conformation de ses figures. Autres artistes encadrés en majeur ou moindre mesure en l'expressionnisme ils ont été Ignacio Zuloaga, Rafael Zabaleta, Eugenio Beau, Benjamín Palencia et José María López Mosquée, ainsi que l'oeuvre tardive du peintre modernista catalan Isidre Nonell. Quelques experts aussi remarquent vrai expressionnisme en le Guernica de Picasso.^[109]

• les États-Unis: il a souligné Edward Hopper, membre de la École Ashcan, caractérisée par ses représentations de thématique sociale dans les grandes villes, spécialement New York. Sa peinture s'a caractérisé par un peculiar et rebuscado jeu entre des lumières et des ombres, par la description des intérieurs et par la représentation de la solitude, que comporte un aspect d'incomunicación. Un autre nom à remarquer serait le de Max Weber, peintre d'origine russe, qu'a étudié en le Pratt Institute de Brooklyn et à Paris (1905-1908), où a reçu l'influence de Cézanne. Ses premières oeuvres ont été de signe cubista et expresionista (Restaurant chinois, 1915, Musée Whitney d'Art Américain, New York), en évoluant depuis 1917 vers l'abstraction, en soulignant par le colorido brillant, les distorsiones violentes et un fort ton émotionnel. Il est de souligner que les États-Unis a accueilli des nombreux artistes expresionistas qu'ont émigré à cause du nazisme, par ce que ce mouvement a touché ici un grand auge, en exerçant une puissante influence entre les jeunes artistes, ce que s'a vu reflété en le surgimiento du expressionnisme abstrait nord-américain.

• la Finlande: il souligne l'oeuvre de Akseli Gallen-Kallela, peintre assigné par un temps au groupe Die Brücke. Ses premières peintures avaient état imprégnées de romantisme, mais après la mort de sa fille a réalisé des travaux plus agressifs, tels comme la Défense du Sampo, La vengeance de Joujahainen ou La mère de Lemminkainen. Son oeuvre s'a centré en le folklore finlandais, avec un sens reivindicativo de sa culture face à l'injerencia russe. Un autre important exposant a été Tyko Sallinen: il a étudié art à Helsinki, en résidant à Paris entre 1909 et 1914, où il a reçu l'influence du fauvismo. Sa thématique s'a centré dans le paysage carelio et la vie rurale, avec des couleurs brillantes de trait fort. Il a été membre du Novembergruppe.^[110]

• la France: postérieurement à l'École de Paris, s'a développé en France entre 1920 et 1930 un “expressionnisme français” centré dans l'oeuvre de trois artistes: Marcel Gromaire, Édouard Goerg et Amédée de la Patellière. Ce groupe s'a vu influencé par le cubisme, en développant un style un plus sobre et contenu que l'expressionnisme allemand, avec des multiples points de contact avec l'école flamande. Aussi on peut signaler la figure individuelle de Gène Paul, peintre autodidacta influencé par Van Gogh et Cézanne, ainsi que par Velázquez, Goya et Le Greco. Ses oeuvres s'ont caractérisés par les coups de pinceau gestuels, compositions osées, perspectives forcées, usage de diagonales et zigzags, et zones plates de couleur. À différence d'autres expresionistas de l'époque comme Soutine et Rouault, ses oeuvres sont pleines d'optimisme, stimulé par sa passion par la vie et son désir de surpasser son handicap –a été blessé pendant la guerre–. En raison du dynamisme et le mouvement inhérent dans ses peintures, quelques critiques ils envisagent à Gène Paul un precursor de l'expressionnisme abstrait.^[111]

• l'Hongrie: pays également surgi après la Première Guerre mondiale, il souligne la figure de Tivadar Kosztka Csontváry. Pharmacien de profession, aux vingt-sept ans s'a entamé dans la peinture après une vision mystique que lui a révélé qu'il serait un grand peintre. Depuis 1890 il a réalisé un long voyage par le Méditerranée (Dalmatie, l'Italie et la Grèce), le nord de l'Afrique et le Moyen-Orient (le Liban, la Palestine, l'Égypte et la Syrie). Bien que son art a commencé à être reconnu, son caractère solitaire, sa progressive esquizofrenia et ses délires religieux lui ont portés à se éloigner de la société. Il a peint plus de une centaine d'images, en soulignant son emblématique Cedro solitaire (1907). Son art a relié avec le postimpresionismo et l'expressionnisme, bien que a été un autodidacta et son style est difficilement clasificable. il encore est ainsi passé à l'Histoire comme un des plus importants peintres hongrois.

• l'Italie: pays également méditerranéen, l'expressionnisme il n'a pas eu excessive implantation, si il s'a bien donné dans l'oeuvre de déterminés artistes individuels, généralement influencé par le futurismo, style predominante en la la Italie de principes de siècle. Lorenzo Viani, de filiation anarchiste, a portrait dans son oeuvre la vie des gens humilde, les pauvres, les desheredados, avec un langage antiacadémico, tosco, violent, en reflétant un monde de rébellion et souffrance. Ottone Rosai Est passé par une étape futurista pour aboutir dans l'expressionnisme, en reflétant dans son oeuvre motifs populaires florentinos, avec des personnages tristes, mélancoliques, enfermés en soi mêmes. Mario Sironi a aussi évolué depuis le futurismo pour refléter depuis 1920 un expressionnisme centré dans le paysage urbain, en des scènes de villes industrielles qu'absorbent à l'individu, reflété par des figures solitaires d'ouvriers immergés dans les plateaus de grandes usines et quartiers industriels croisés par des trains, camions et tramways. Scipione (pseudonyme de Gino Bonichi) a créé des scènes fantastiques, de cour romantique, avec influence de Van Gogh et Le Greco, avec un coup de pinceau nerveux, coulés arabescos et perspectives abruptes.^[112]

• le Mexique: dans ce pays l'expressionnisme a été étroitement lié à la révolution, en soulignant l'aspect social de l'oeuvre, généralement en des formats de grande taille comme la peinture murale. Également, il a eu grande importance la thématique folklórica et indigenista. Le muralismo a été un style de vocation socio-politique que soulignait le contenu reivindicativo de sa thématique, centrée dans les classes pauvres et défavorisées, avec des formats monumentaux de grande expressivité, en travaillant sur une surface de béton ou sur la façade d'un bâtiment. Ses maximums exposants ont été: José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros et Rufino Tamayo. L'expressionnisme a aussi influencé dans l'oeuvre personnelle et inclasificable de Frida Kahlo.^[107]

• Pays-Bas: dans ce pays la peinture expresionista ne s'a pas développé autant comme l'architecture, représentée par la notable École de l'Amsterdam, et il est allé un mouvement hétérogène qu'il a accusé des diverses influences, si bien la principale a été la de Van Gogh. à Bergen a surgi une école formée par Jan Sluyters, Lion Gestel et Charley Toorop, que s'a aussitôt orienté vers la Nouvelle Objectivité allemande. En 1918 il s'a créé en Groninga le groupe De Ploeg (La Carreta), formé par Jan Wiegers et Hendrik Nicolaas Werkman, proches à Die Brücke mais avec tendance à l'abstraction. Autres artistes à souligner ont été Herman Kruyder, proche à Der Blaue Reiter et les artistes flamands, et Hendrik Chabot, avec un style similaire à Permeke. Finalement, on peut signaler à Kees Van Dongen, membre ocasional de Die Brücke, peintre remontant au fauvismo spécialisé en nus et portraits féminins.^[113]

• la Pologne: il souligne la figure de Henryk Gotlib, peintre profondément influencé par Rembrandt. Il a habité à Paris de 1923 à 1929, en participant aux exposés du Salon d'Automne et le Salon des Indépendants. Entre 1933 et 1938 il a réalisé des séjours en Italie, la Grèce et l'Espagne, en s'établissant définitivement à Londres au début de la Seconde Guerre mondiale. Il a appartenu au groupe vanguardista polonais Formiści, que s'opposait à l'art académique et naturaliste, avec un style où soulignait la déformation de la nature, la subordinación des formes, l'abolition d'un unique point de vue et un colorido cru. Un autre membre de Formiści a été Gustaw Gwozdecki, qu'a aussi habité à Paris (1903-1916) et New York, excellent retratista qu'a pratiqué la peinture à l'huile, le dessin, le gouache et l'enregistré.^[114]

• la Suède: sa principale représentante a été la peintre Sigrid Hjertén. Il a étudié artesanía et création à Stockholm, graduándose comme professeur de dessin. Il est passé un temps à Paris, en recevant l'influence de Matisse et Cézanne, ce que se démontre dans l'utilisation de la couleur en contraste avec quelques contours très simplifiés, en s'efforçant par trouver les formes et les couleurs qui puissent il transmettre ses émotions. En 1912 il a réalisé son premier exposé à Stockholm, en participant dès lors en des nombreux exposés autant en Suède comme dans l'étranger. Dans son oeuvre a décrit le papier qu'il occupait comme artiste, femme et mère, différentes identités en des mondes différents. Entre 1920 et 1932 il a résidé à Paris, en commençant à se manifester sa maladie esquizofrénica, ce que s'a dénoté dans son oeuvre, avec des couleurs plus obscurs et compositions tensas, en reflétant son sentiment d'angoisse et abandon. De tour à son pays, depuis 1938 a habité hospitalisée.

• la Suisse: dans ce pays l'expressionnisme a accusé l'influence de Hodler et Böcklin, deux soulignés artistes de la génération antérieure. L'expressionnisme est arrivé à la Suisse avec quelque chose de délai face à sa voisine l'Allemagne: en 1912 il s'a réalisé un exposé en Zúrich avec des oeuvres de Paul Klee, Der Blaue Reiter, Matisse et le groupe Der Moderne Bund, fondé en 1910 en Lucerna par Hans Arp, Walter Helbig et Oskar Lüthy. Pendant la Première Guerre mondiale beaucoup d'artistes s'ont établis en Suisse, en aidant à la diffusion de l'expressionnisme. Ils s'ont créés ainsi des divers groupes d'artistes, comme Röt-Blau (Rojo-Bleu), fondé en 1925 par Hermann Scherer, Albert Müller, Paul Camenisch et Werner Neuhaus; Der Schritt Weiter (Le pas faux), fondé à Berne en 1931; Gruppe 33, surgi à Bâle en 1933; et Dreigestirn (Tríada), formé par Fritz Eduard Pauli, Ignaz Epper et Johann Robert Schürch.^[115] Le principal représentant de l'expressionnisme suisse a été Paul Klee, membre souligné de Der Blaue Reiter, joins à Cuno Amiet, qu'a été membre de Die Brücke. Amiet Provenait du symbolisme –dont l'esprit a maintenu même pendant son étape expresionista–; dans son oeuvre est palpable un sentiment vitalista d'air bucólico, avec un cromatismo réduit propenso parfois à la monocromía.^[116]

Littérature

[[j'Archive:aktion_1914.jpg|thumb|Nombre de Die Aktion de 1914 avec une illustration de Egon Schiele.]] La littérature expresionista s'a développé en trois phases principales: de 1910 à 1914, de 1914 à 1918 –en coïncidant avec la guerre– et de 1918 à 1925. Ils apparaissent comme des thèmes soulignés –de même que dans la peinture– la guerre, la ville, la peur, la folie, l'amour, le délire, la nature, la perte de l'identité individuelle, etc. Aucun autre mouvement jusqu'à aujourd'hui avait parié d'égale façon par la deformidad, la maladie et la folie comme le motif de ses oeuvres. Les écrivains expresionistas ont critiqué la société bourgeoise de son époque, le militarisme du gouvernement du káiser, l'aliénation de l'individu en l'ère industrielle et la répression familière, morale et religieuse, par ce que se sentaient vides, seuls, hastiados, dans une profonde crise existentielle. L'écrivain présente la réalité depuis son point de vue intérieure, en exprimant sentiments et émotions plus que impressions sensitivas. Déjà il ne s'imite pas la réalité, ils ne s'analysent pas des causes ni faits, mais que l'auteur il cherche l'essence des choses, en montrant sa particulière vision. Ainsi, il ne leur importe pas deformar la réalité en montrant son aspect son plus terrible et descarnado, en s'enfonçant en des thématiques jusqu'alors interdites, comme la sexualité, la maladie et la mort, ou en soulignant aspects comme le sinistre, le macabre, le grotesque. Formellement, ils font appel à un ton épique, exalté, patético, en renonçant à la grammaire et aux relations syntaxiques logiques, avec un langage précis, cru, concentré. Ils cherchent la signification interne du monde, abstrayéndolo dans une espèce de romantisme tragique que va depuis le misticismo socializante de Werfel jusqu'à l'absurde existentiel de Kafka. Le monde visible est une prison qui empêche obtenir l'essence des choses; il y a que surpasser les barrières du temps et de l'espace, en recherche de la réalité plus “expresiva”.^[117]

Les principaux precursores de la littérature expresionista ont été Georg Büchner, Frank Wedekind et le suédois August Strindberg. Büchner A été un des principaux renovadores du drame moderne, avec des oeuvres comme La mort de Danton (Dantons Tod, 1835) et Woyzeck (1836), que soulignent par l'introspection psychologique des personnages, la revendication sociale des classes défavorisées et un langage entre culte et familier, en mêlant aspects comiques, tragiques et satiriques. Wedekind A évolué depuis le naturalismo vers un type d'oeuvre de ton expresionista, par sa critique à la bourgeoisie, la rapidité de l'action, les réduits dialogues et les effets escénicos, en des oeuvres comme Le réveiller du printemps (Frühlings Erwachen, 1891), L'esprit du terroir (Erdgeist, 1895) et La caisse de Pandora (Die Büchse der Pandora, 1902). Strindberg A inauguré avec Chemin de Damas (Till Damaskus, 1898) la technique estacional suivie par le drame expresionista, consistant en montrer l'action par des gares, périodes qui déterminent la vie des personnages, dans un sens circulaire, puisque ses personnages essaient résoudre ses problèmes sans le remporter.^[118]

L'expressionnisme a été diffusé par des revues comme Der Sturm et Die Aktion, ainsi que le cercle littéraire Der Neue Club, fondé en 1909 par Kurt Hiller et Erwin Loewenson, en se réunissant en le Neopathetisches Cabaret de Berlin, où se réalisaient des lectures de poésie et s'impartían conférences. Plus tard Hiller, par desavenencias avec Loewenson, a fondé le cabaret littéraire GNU (1911), qu'a occupé le papier de plate-forme pour diffuser l'oeuvre de jeunes écrivains. Der Sturm Est apparu à Berlin en 1910, éditée par Herwarth Walden, en étant centre difusor de l'art, la littérature et la musique expresionistas, en racontant aussi avec un éditorial, une librairie et une galerie artistique. Die Aktion A été fondée en 1911 à Berlin par Franz Pfemfert, avec une ligne une plus engagée politiquement, en étant un organe de la gauche allemande. Autres revues expresionistas ont été Der Brenner (1910-1954), Die weißen Blätter (1913-1920) et Donnes junge Deutschland (1918-1920).^[119]

La Première Guerre mondiale il a supposé une forte commotion pour la littérature expresionista: tandis que quelques auteurs ont envisagé la guerre comme une force arrasadora et renovadora que finirait avec la société bourgeoise, pour autrui le conflit a touché des teintures négatives, en reflétant dans son oeuvre les horreurs de la guerre. Dans la postguerre, et en parallèle au mouvement de la Nouvelle Objectivité, la littérature a acquis majeur engagement social et de dénonciation de la société bourgeoise et militarista qu'a porté à l'Allemagne au désastre de la guerre. Les oeuvres littéraires de cette époque ont acquis un air documentaire, de reportage social, perceptible en des oeuvres comme La montagne magique (1924) de Thomas Mann et Berlin Alexanderplatz (1929) de Alfred Döblin.^[120]

Narratives

Le narratif expresionista a supposé une profonde rénovation à l'égard de la prosa traditionnelle, autant thématique comme estilísticamente, en supposant un apport indispensable au développement du roman moderne autant allemande comme européenne. Les auteurs expresionistas cherchaient une nouvelle forme de saisir la réalité, l'évolution sociale et culturelle de l'ère industrielle. C'est pour cela que, ils s'ont opposés à l'encadenamiento argumental, à la succession espace-temps et la relation cause-effet propres de la littérature réaliste de racine positivista. En revanche, ils ont introduit la simultaneidad, en cassant la succession chronologique et rejetée la logique discursiva, avec un style que montre mais il n'explique pas, où le propre auteur est seulement un observateur de l'action, où les personnages ils évoluent de forme autonome. En la prosa expresionista a souligné la réalité intérieure sur l'extérieure, la vision du protagoniste, son analyse psychologique et existentielle, où les personnages ils se posent sa situation dans le monde, son identité, avec un sentiment d'aliénation que leur provoque des conduites désordonnées, psicóticas, violentes, irreflexivas, sans logique ni cohérence. Cette vision s'a reflété dans un langage dynamique, conciso, elíptico, simultané, concentré, sintácticamente deformado.^[121]

Ils ont existé deux courants fondamentaux en la prosa expresionista: une reflexiva et expérimentale, abstraite et subjetivizadora, représentée par Carl Einstein, Gottfried Benn et Albert Ehrenstein; et une autre naturaliste et objetivizadora, développée par Alfred Döblin, Georg Heym et Kasimir Edschmid. Figure écarte l'oeuvre personnelle et difficilement clasificable de Franz Kafka, qu'a exprimé dans son oeuvre l'absurde de l'existence, en des romans comme La métamorphose (Die Verwandlung, 1915), Le procès (Der Prozeß, 1925), Le château (Donnes Schloß, 1926) et Le disparu (Der Verschollene, 1927). Kafka A montré moyennant parábolas la solitude et aliénation de l'homme moderne, sa désorientation dans la société urbaine et industrielle, son insécurité et désespoir, son impuissance face à des pouvoirs inconnus que régissent sa destination. Son style est ilógico, discontinuo, laberíntico, avec des vides que le lecteur doit remplir.^[122]

Poésie

[[j'Archive:Paula_Modersohn-Becker_016.jpg|thumb|Portrais de Rilke (1906), de Paula Modersohn-Becker, Sammlung Ludwig Roselius, Brême.]] La lyrique expresionista s'a développé notablement dans les ans préalables à la contienda mondiale, avec une thématique ample et variée, centrée surtout dans la réalité urbaine, mais renovadora à l'égard de la poésie traditionnelle, en assumant une esthétique du laid, le pervers, le deforme, le grotesque, l'apocalyptique, le désolé, comme nouvelle forme d'expression du langage expresionista. Les nouveaux thèmes traités par les poètes allemands sont la vie dans la grande ville, la solitude et l'incomunicación, la folie, l'aliénation, l'angoisse, le vide existentiel, la maladie et la mort, le sexe et la prémonition de la guerre. Divers de ces auteurs, conscients du déclin de la société et son besoin de rénovation, ont utilisé un langage prophétique, idealista, utópico, un vrai mesianismo que propugnaba attribuer un nouveau sens à la vie, une régénération de l'être humain, une majeure fraternité universelle.

Estilísticamente, Le langage expresionista est conciso, penetrante, nu, avec un ton patético et désolé, en donnant la préférence l'expressivité à la communication, sans des règles linguistiques ni syntaxiques. Ils cherchent l'essentiel du langage, libérer le mot, en accentuant la force rítmica du langage moyennant la déformation linguistique, la sustantivación de verbes et adjectifs et l'introduction de neologismos. Pourtant, ils maintiennent la métrique et la rima traditionnelles, en étant le soneto un de ses principaux milieux de composition, bien que aussi font appel au rythme libre et la estrofa polimétrica. Un autre effet du dynamique langage expresionista a été le simultaneísmo, l'aperçu de l'espace et le temps comme quelque chose subjectif, hétérogène, atomizado, inconexo, une présentation simultanée d'images et événements. Les principaux poètes expresionistas ont été Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler et August Stramm. Également, l'expressionnisme a exercé une grande influence dans l'oeuvre de Rainer Maria Rilke.^[123]

Théâtre

[[j'Archive:Bertolt-Brecht.jpg|thumb|200px|Bertolt Brecht.]] Le drame expresionista s'a opposé à la représentation fidedigna de la réalité propre du naturalismo, en renonçant à l'imitation du monde extérieur et en prétendant refléter l'essence des choses, à travers une vision subjective et idealizada de l'être humain. Les dramaturgos expresionistas prétendaient faire du théâtre un médiateur entre la philosophie et la vie, transmettre nouveaux idéals, renouveler la société morale et idéologiquement. Pour cela ils ont réalisé une profonde rénovation des ressources dramatiques et escénicos, en suivant le modèle estacional de Strindberg et en perdant le concept d'espace et temps, en soulignant en revanche l'évolution psychologique du personnage, que plus que individu est un symbole, l'incarnation des idéals de libération et dépassement du nouveau homme que transformera la société. Ils sont des personnages tipificados, sans personnalité propre, qu'incarnent des déterminés rôles sociaux, nommés par sa fonction: pères, mères, ouvriers, soldats, mendigos, jardiniers, marchands, etc. Le théâtre expresionista a mis l'accent sur la liberté individuelle, dans l'expression subjective, l'irracionalismo et la thématique interdite. Sa mise en scène cherchait une atmosphère d'introspection, de recherche psychologique de la réalité. Ils utilisaient un langage conciso, sobre, exalté, patético, dynamique, avec tendance au monologue, forme idoine de montrer l'intérieur du personnage. Il A aussi touché importance la gesticulation, la mímica, les silences, les balbuceos, les exclamations, qu'accomplissaient également une fonction symbolique. Pareil symbolisme a acquis la escenografía, en attribuant spéciale importance à la lumière et la couleur, et en faisant appel à la musique et même à des projections cinématographiques pour renforcer l'oeuvre.^[124]

Le théâtre a été un moyen idoine pour la plasmación émotionnelle de l'expressionnisme, donc son caractère multiartístico, que combinait le mot avec l'image et l'action, était idéale pour les artistes expresionistas, allât comme il allât sa spécialité. Ainsi, outre le théâtre, dans cette époque proliferaron les cabarets, qu'unissaient représentation théâtrale et musique, comme en Die Fledermaus (Le Murciélago), à Vienne; Die Brille (Les Gafas), à Berlin; et Die elf Scharfrichter (Les Onze Bourreaux), en Múnich. Dans le théâtre expresionista predominó la thématique sexuelle et psicoanalítica, peut-être par influence de Freud, dont oeuvre L'interprétation des rêves il est apparu en 1900. Également, les protagonistes avaient l'habitude d'être des êtres angoissés, solitaires, torturés, isolés du monde et dépouillés de tout type de convencionalismo et apparence sociale. Le sexe représentait violence et frustration, la vie souffrance et angoisse.^[125]

Les principaux dramaturgos expresionistas ont été Georg Kaiser, Fritz von Unruh, Reinhard Sorge, Ernst Toller, Walter Hasenclever, Carl Sternheim, Ernst Barlach, Hugo von Hofmannsthal et Ferdinand Bruckner. Il rentre remarquer aussi la figure du producteur et directeur théâtral Max Reinhardt, directeur du Deutsches Theater, qu'a souligné par les innovations techniques et des esthétiques qu'il a appliqué à l'escenografía expresionista: il a éprouvé avec l'illumination, en créant jeux de lumières et ombres, en concentrant l'illumination en un site ou personnage pour saisir l'attention du spectateur, ou en faisant varier l'intensité des lumières, que s'entrecruzan ou s'opposent. Son esthétique théâtrale a été adaptée postérieurement au cinéma, en étant un des traits distinctifs du cinéma expresionista allemand. Finalement, il rentrerait signaler que dans l'expressionnisme ils s'ont formés deux figures de grande importance dans le théâtre moderne international: le directeur Erwin Piscator, créateur d'une nouvelle forme de faire théâtre qui a dénommé “théâtre politique”, en éprouvant une forme de spectacle didáctico qu'a appliqué plus tard Brecht en le Berliner Ensemble. En 1927 il a créé son propre théâtre (Piscatorbühne), dans celui qui a appliqué les principes idéologiques et escénicos du théâtre politique. Bertolt Brecht A été le créateur du “théâtre épique”, appelé ainsi en confrontation au théâtre dramatique. Il a cassé avec la tradition du naturalismo et le neorromanticismo, en transformant radicalement autant le sens du texte littéraire comme la forme d'être présenté le spectacle, et en essayant que le public laissât d'être un simple spectateur-récepteur pour développer un papier actif.

Musique

[[j'Archive:Schoenberg op11 ne1 excerpt.png|thumb|350px|Trois pièces pour piano op. 11 Ne. 1, De Arnold Schönberg.]] L'expressionnisme a attribué beaucoup d'importance à la musique, liée étroitement à l'art surtout dans le groupe Der Blaue Reiter: pour ces artistes, l'art est communication entre des individus, par l'intermédiaire de l'âme, sans besoin d'un élément externe. L'artiste y a d'être créateur de signes, sans la médiation d'un langage. La musique expresionista, en suivant l'esprit des avant-gardes, prétendait desligar la musique des phénomènes objectifs externes, en étant instrument uniquement de l'activité créateur du compositeur et en reflétant principalement son état animique, en dehors de toute règle et toute convention, tendiendo à l'esquematización et aux constructions linéaires, en parallèle à la geometrización des avant-gardes picturaux du moment.^[126]

La musique expresionista a cherché la création d'un nouveau langage musical, en libérant la musique, sans tonalité, en laissant que les notes coulez librement, sans intervention du compositeur. Dans la musique classique, la harmonie était basée sur la cadence tónica-subdominante-dominante-tónica, sans que dedans d'une tonalité se donnassent des notes bizarres à l'échelle. Pourtant, depuis Wagner, la sonorité a touché majeure importance à l'égard de l'harmonie, en gagnant importance les douze notes de l'échelle. Ainsi, Arnold Schönberg a créé le dodecafonismo, système basé sur les douze tons de la échelle cromática –les sept notes de l'échelle traditionnelle plus les cinq semitonos–, que s'utilisent à n'importe quel ordre, mais en des séries, sans répéter une note avant d'y avoir sonné les autres. il ainsi s'évite la polarisation, l'attraction à des centres tonales. La série dodecafónica est une structure imaginaire, sans thème ni rythme. Chaque série a 48 combinaisons, par investissement, retrogradación ou investissement de la retrogradación, et en commençant par chaque note, ce que produit une série presque infinie de combinaisons. Il se pourrait dire que la destruction de l'hiérarchie dans l'échelle musicale est équivalente, en peinture, à l'élimination de la perspective spatiale renacentista effectuée également par les avant-gardes picturaux. Au dodecafonismo a suivi le ultracromatismo, qu'a élargi l'échelle musicale à des degrés inférieurs au semitono –quatrièmes ou sixièmes de ton–, comme dans l'oeuvre de Alois Hába et Ferruccio Busoni.^[127]

Entre les musiciens expresionistas ont souligné spécialement Arnold Schönberg, Alban Berg et Anton von Webern, trio qui a formé l'appel Deuxième École de Vienne:

• Arnold Schönberg: Il s'a formé lorsque à Vienne il y avait un chaleureux débat entre wagnerianos et brahmsianos, decantándose vite par des nouvelles formes d'expression renovadoras du langage musical. Ses premières oeuvres ont été un insuccès de public, comme le poème symphonique Pelleas und Melisande (1903), sur le texte de Maeterlinck, si ont bien accru sa renommée entre les jeunes musiciens, tu plus accordes à l'avant-garde. Avec la Kammersymphonie (1906) et les Lieder (1909), sur des textes de Stefan George, a commencé à se rapprocher à celui que il serait son langage définitif, marqué par l'atonalidad, l'asymétrie rítmica et la dissolution tímbrica, qu'aboutiront en le dodecafonismo. Il a réussi ses premiers succès avec les Gurrelieder (1911) et Pierrot Lunaire (1912), à ceux que a suivi une pause due à la guerre. il plus avance son oeuvre resurgió avec une composition déjà totalement dodecafónica: Quintette pour des instruments de vent (1924), Troisième quatuor pour corde (1927), Variations (1926-1928), etc.^[128]

• Anton von Webern: circunscrito à des oeuvres de petit jauge, il n'a pas eu beaucoup de reconnaissance en vie, si bien son oeuvre a été profondément vanguardista et innovatrice. Plus mystique et delicuescente que Schönberg, Webern a été un musicien dodecafónico profond: ainsi que Schönberg ne serializaba les rythmes, seulement l'hauteur des sons, en revanche Webern oui, en soulignant les zones structurales, avec une musique nue, etérea, intemporelle; ainsi que Schönberg avait une structure classique sous le système dodecafónico, Webern a créé une musique totalement nouvelle, sans des références au passé. Webern A cassé la mélodie, chaque note la faisait un instrument différent, dans une espèce de puntillismo musicale, dans une tentative de serialización tímbrica, en soulignant l'espace plutôt que le temps. Entre ses oeuvres soulignent Bagatelas (1913), Trio pour des cordes (1927), La lumière des yeux (1935) et Variations pour piano (1936).^[129]

• Alban Berg: élève de Schönberg entre 1904 et 1910, avait pourtant un concept un plus ample, complexe et articulé de la forme et la sonnette musicale que son maître. Dans ses débuts il a été influencé par Schumann, Wagner et Brahms, en conservant toujours son oeuvre un marqué ton romantique et dramatique. Berg A usé le dodecafonismo de forme libre, en changeant les ortodoxes règles qu'il a mis initialement Schönberg, en lui donnant une particulière couleur tonal. Entre ses oeuvres soulignent les opéras Wozzeck (1925) et Lulú (1935), outre Suite lyrique pour quatuor de corde (1926) et Concert pour violon et orchestre (À la mémoire d'un ange) (1935).^[130]

Avec la Nouvelle Objectivité et sa vision sa plus réaliste et sociale de l'art a surgi le concept de Gebrauchsmusik (musique utilitaria), basée sur le concept de consommation de masses pour élaborer oeuvres de simple construction et accessibles à tout le monde. Ils étaient des oeuvres de marqué caractère populaire, influencées par le cabaret et le jazz, comme le Ballet triádico (Triadisches Ballet, 1922) de Oskar Schlemmer, que conjugaba théâtre, musique, escenografía et chorégraphie. Un de ses maximums exposants a été Paul Hindemith, un des premiers compositeurs en créer bandes sonores pour cinéma, ainsi que petites pièces pour des supporters et des écoliers et oeuvres des comiques comme des Nouveautés du jour (Neues vom Tage, 1929). Un autre exposant a été Kurt Weill, collaborateur de Brecht en des diverses oeuvres comme L'opéra de trois centavos (Die Dreigroschenoper, 1928), où la musique populaire, d'air cabaretero et rythmes bailables, contribue à distancer la musique du drame et casser l'illusion escénica, en accentuant son caractère de fiction.^[131]

Opéra

[[j'Archive:Lulú1.jpg|thumb|300px|Représentation de Lulú, de Alban Berg, dans le Festival de Salzbourg de 1995.]] Le opéra expresionista s'a développé en parallèle aux nouvelles voies de recherche menées à terme par la musique atonal idéée par Schönberg. L'esprit renovador du changement de siècle, qu'a porté à tous les arts à une rupture avec le passé et à chercher un nouveau je stimule créateur, il a conduit à ce compositeur autrichien à créer un système où toutes les notes ils ont la même valeur et l'harmonie il est substituée par la progression de tons. Schönberg A composé deux opéras dans ce contexte: Moses und Aron (composée depuis 1926 et inacabada) et D'aujourd'hui à matin (Von Heute auf Morgen, 1930). Mais sans doute le grand opéra de l'atonalismo a été Wozzeck (1925), d'Alban Berg, basée sur l'oeuvre théâtrale de Georg Büchner, opéra romantique en ce qui concerne thématique mais de complexe structure musicale, en éprouvant avec toutes les ressources musicales disponibles depuis le clasicismo jusqu'à l'avant-garde, du tonal à l'atonal, du recitativo à la musique, de la musique populaire à la musique sofisticada de contrapunto disonante. Oeuvre de forte expression psychologique, à l'agir d'un demente que se voit angoissé par des images paranoicas la musique se revient aussi demencial, en exprimant de forme symbolique l'intérieur d'une personne desquiciada, les plus profonds resquicios de l'inconscient. Dans son deuxième opéra, Lulú, basée sur deux drames de Wedekind, Berg a abandonné l'expressionnisme atonal et s'est passé au dodecafonismo.^[132]

Un des principaux antécédents de l'opéra expresionista a été Les Marqués (Die Gezeichneten, 1918), de Franz Schreker, opéra de grande complexité que requérait un orchestre de 120 musiciens. Basée sur un drame renacentista italien, était une oeuvre de thématique sombre et torturée, pleinement immergée dans l'esprit deprimente de la postguerre. La musique était innovatrice, radicale, de sonorité énigmatique, avec une coloratura instrumentale audacieux et brillant. En 1927 Ernst Krenek a étrenné son opéra Jonny attaque (Jonny spielt auf), qu'a réussi un notable succès et il a été l'opéra le plus représenté du moment. Avec grande influence du jazz, Krenek a éprouvé avec les principales tendances musicales de l'époque: neorromanticismo, neoclasicismo, atonalidad, dodecafonismo, etc. Censé “musicien degenerado”, en 1938 s'a réfugié aux États-Unis, en même temps que les nazis inauguraient l'exposé Entartete Musik (Musique degenerada) à Düsseldorf –en parallèle à l'échantillon d'art degenerado, Entartete Kunst–, où attaquaient la musique atonal, le jazz et les oeuvres de musiciens juifs. Un autre grand succès a été l'opéra Le Mystère d'Heliane (Donnes Wunder der Heliane, 1927), de Erich Wolfgang Korngold, oeuvre de vrai erotismo avec une exquise partitura conçue en échelle épique que crée une grande difficulté pour les interprètes. Autres opéras de cet auteur ont été Die Tote Stadt, Der Ring donnes Polykrates et Violanta. Avec l'instauration du Anschluss en 1938, Korngold a émigré aux États-Unis.

Erwin Schulhoff A composé en 1928 son opéra Flammen, version du classique Monsieur Juan, avec escenografía de Zdeněk Pesánek, pionnier du art cinético. Oeuvre de cour fantastique, se perçoit certaine influence du théâtre chinois, dans celui qui rentre tout l'inimaginable, en se produisant tout type de situations paradoxales et absurdes. Schulhoff A abandonné ainsi les règles théâtrales aristotélicas en vigueur jusqu'alors en le théâtre et l'opéra en ouvres d'un nouveau concept de mise en scène, que comprend le théâtre comme un jeu, un spectacle, une fantaisie que desborda la réalité et porte à un monde de rêves. En combinant différents styles, Schulhoff s'a écarté du traditionnel opéra allemande initiée avec Wagner et terminée avec le Wozzeck de Berg, en se rapprochant en revanche à l'opéra français, en des oeuvres comme le Pelléas et Mélisande de Debussy ou le Christophe Colomb de Milhaud.

Berthold Goldschmidt, Professeur de direction d'orchestre de la Berlin Hochschule für Musik, a adapté en 1930 Le Magnifique Cornudo (Der gewaltige Hanrei) de Crommelynck, étrennée en 1932, si bien sa condition de juif a provoqué qu'il fût immédiatement retraite, en émigrant alors à la Grande-Bretagne. Finalement, Viktor Ullmann a développé son oeuvre dans le champ de concentration de Theresienstadt (Terezín), où les nazis ont essayé un système de “ghetto modèle” pour dévier l'attention de l'extermination de juifs qu'étaient en train de réaliser. Avec une grande dose de self-government, les reclus ils pouvaient exercer des activités artistiques, en pouvant j'ai pris composer son opéra Der Kaiser Von Atlantis (1944). Admirateur de Schönberg et de la “atonalidad romantique” de Berg, Ullmann a créé une oeuvre de grande richesse musicale inspirée autant dans la tradition comme dans les principales innovations de la musique d'avant-garde, avec une thématique relative à la mort de grande tradition dans la littérature musicale allemande. Pourtant, avant de son étrenne a été interdite par la SS, qu'a trouvé certaine similitude entre le protagoniste et la figure de Hitler, et l'auteur a été envoyé au champ de Auschwitz pour son extermination.^[133]

Il danse

[[des Archives:Macke Russisches Ballett 1.jpg|thumb|250px|Ballet Russe (1912), de August Macke, Kunsthalle, Brême.]] Il la danse expresionista a surgi dans le contexte d'innovation que le nouveau esprit vanguardista a apporté à l'art, en étant reflet comme le reste de manifestations artistiques d'une nouvelle forme de comprendre l'expression artistique. Comme dans le reste de disciplines artistiques, la danse expresionista a supposé une rupture avec le passé –dans ce cas le ballet classique–, en cherchant nouvelles formes d'expression basées sur la liberté du geste corporal, libéré des liens de la métrique et le rythme, où touche majeure importance l'autoexpresión corporal et la relation avec l'espace. En parallèle à la revendication naturista que s'a produit dans l'art expresionista –surtout en Die Brücke–, la danse expresionista a revendiqué la liberté corporal, à la fois que les nouvelles théories psychologiques de Freud ont influencé dans une majeure introspection dans l'esprit de l'artiste, ce que s'a traduit dans une tentative de la danse d'exprimer l'intérieur, de libérer en étant humain de ses répressions.

Il la danse expresionista a coïncidé avec Der Blaue Reiter dans son concept espiritualista du monde, en essayant saisir l'essence de la réalité et trascenderla. Ils rejetaient le concept classique de beauté, ce que s'exprime dans un dynamisme un plus abrupt et âpre que le de la danse classique. À la fois, ils acceptaient l'aspect le plus négatif de l'être humain, ce que subyace en son inconscient mais qu'est part indisoluble du même. Il la danse expresionista ne rehuyó montrer le côté le plus obscur de l'individu, sa fragilité, sa souffrance, sa desamparo. Ceci se traduit en une corporalidad plus contractée, dans une expressivité que comprend tout le corps, ou même dans la préférence par danser descalzos, ce que suppose un majeur contact avec la réalité, avec la nature.

À la danse expresionista la lui a dénommée il aussi “danse abstraite”, puisqu'a supposé une libération du mouvement, éloigné de la métrique et le rythme, parallèle à l'abandon de la figuration par part de la peinture, à la fois que sa prétention d'exprimer moyennant le mouvement tu idées ou états d'esprit il a coïncidé avec l'expression spirituelle de l'oeuvre abstraite de Kandinski. Pourtant, la présence ineludible du corps humain a provoqué une certaine contradiction dans la dénomination d'un courant “abstrait” dedans de la danse.^[134]

Un des maximums théoriques de la danse expresionista a été le coreógrafo Rudolf von Laban, qui a créé un système qu'il prétendait intégrer corps et âme, en mettant l'accent sur l'énergie qu'emanan les corps, et en analysant le mouvement et sa relation avec l'espace. Tu les apportes de Laban ont permis aux bailarines une nouvelle multidireccionalidad en relation à l'espace circundante, à la fois que le mouvement s'a libéré du rythme, en attribuant égale importance au silence que à la musique. Laban Prétendait également échapper de la gravité en cherchant de forme délibérée la perte d'équilibre. Également, il a essayé s'éloigner de l'aspect rigide du ballet classique en promouvant le mouvement naturel et dynamique du bailarín.

La principale muse de la danse expresionista a été la bailarina Mary Wigman, qui a étudié avec Laban et a eu des étroits contacts avec le groupe Die Brücke, alors que, pendant la Première Guerre mondiale, s'a lié avec le groupe dadaísta de Zúrich. Pour elle, la danse il était une expression de l'intérieur de l'individu, en faisant spécial hincapié dans l'expressivité face à la forme. il ainsi attribuait spéciale importance à la gestualidad, liée souvent à l'improvisation, ainsi que à l'usage de masques pour accentuer l'expressivité du visage. Ses mouvements étaient libres, spontanés, en essayant nouvelles formes de se mouvoir par le plateau, en se traînant ou en se glissant, ou en mouvant parts du corps en attitude estática, comme en la danse orientale. Il se basait sur un principe de tension-relaxation, ce que procurait majeur dynamisme au mouvement. Il a créé des chorégraphies réalisées entièrement sans musique, à la fois que se libérait des liens de l'espace, qu'au lieu d'envelopper et attraper au bailarín s'a converti dans une projection de son mouvement, en pourchassant ce vieux souhait romantique de se fondre avec l'univers.^[135]

Après la guerre, la danse il a eu une époque de grande auge, puisque la augmentation d'un public qui cherchait il oublier les désastres de la guerre a comporté une grande prolifération de théâtres et cabarets. Coreógrafos Et bailarines expresionistas ont commencé à voyager par tout le monde, en diffusant ses réussites et idéals et en aidant à la croissance et consolidation de la danse moderne. Mais la crise économique et l'advenimiento du nazisme ont porté à la baisse de la danse expresionista. Pourtant, ses apports ont suivi en vigueur dans l'oeuvre de coreógrafos comme Kurt Jooss et bailarinas comme Pina Bausch, en arrivant son influence jusqu'à aujourd'hui et evidenciando l'apporte essentiel de la danse expresionista à la danse contemporaine.

Cinéma

L'expressionnisme n'est pas arrivé au cinéma jusqu'à passée la Première Guerre mondiale, lorsque déjà avait pratiquement disparu comme courante artistique, en étant substituée par la Nouvelle Objectivité. Pourtant, l'expressivité émotionnelle et la distorsión formelle de l'expressionnisme ont eu une parfaite traduction au langage cinématographique, surtout grâce à l'apporte réalisé par le théâtre expresionista, dont les innovations escénicas ont été adaptées avec grand succès au cinéma. Le cinéma expresionista est passé par des diverses étapes: de l'expressionnisme pur –appelé parfois “caligarismo”– s'est passé à un vrai neorromanticismo (Murnau), et de ce au réalisme critique (Pabst, Siodmak, Lupu Pick), pour aboutir en le sincretismo de Lang et en le naturalismo idealista du Kammerspielfilm. Entre les principaux cinéastes expresionistas rentrerait souligner à Robert Wiene, Paul Wegener, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Paul Leni, Josef von Sternberg, Ernst Lubitsch, Lupu Pick, Robert Siodmak, Arthur Robison et Ewald André Dupont.

Le cinéma expresionista allemand est imposé dans l'écran un style subjetivista qu'offrait en des images une déformation expresiva de la réalité, traduite en des termes dramatiques moyennant la distorsión de décorés, maquillages, etc, et la conséquente récréation d'atmosphères terroríficas ou, lorsque moins, inquiétantes. Le cinéma expresionista s'a caractérisé par son recurrencia au symbolisme des formes, délibérément distorsionadas avec le soutien des divers éléments plastiques. L'esthétique expresionista a pris ses thèmes de genres comme la fantaisie et la terreur, reflet moral de l'angoissant déséquilibre social et politique qui a agité la République de Weimar ces ans. Avec forte influence du romantisme, le cinéma expresionista a reflété une vision de l'homme caractéristique de l'âme “fáustica” allemande: il montre la nature dual de l'homme, sa fascination par le mal, la fatalité de la vie sujette de force de la destination. Nous pouvons signaler comme finalité du cinéma expresionista le traduire symboliquement, moyennant des lignes, formes ou volumes, la mentalité des personnages, son état d'esprit, ses intentions, de telle sorte que le décor apparaissez comme la traduction plastique de son drame. Ce symbolisme suscitait des réactions psychiques plus ou moins conscients qu'orientaient l'esprit du spectateur.^[136]

Le cinéma allemand racontait avec une importante industrie depuis des fins du siècle XIX, en étant Hambourg le siège du premier Exposé International de l'Industrie Cinématographique en 1908. Pourtant, avant de la guerre le niveau artistique de ses productions était plutôt bas, avec des productions de signe générique orientées à la consommation familière, assignées à l'environnement bourgeois et conservateur de la société guillermina. Seulement à partir de 1913 ils ont commencé à se réaliser productions de majeur relais artistique, avec majeur usage d'extérieurs et meilleurs décorés, en se développant l'illumination et le montage. Pendant la guerre s'a renforcé la production nationale, avec des oeuvres autant de genre comme d'auteur, en soulignant l'oeuvre de Paul Wegener, iniciador du cinéma fantastique, genre habituellement envisagé le plus typiquement expresionista. En 1917 il s'a créé par ordre de Hindenburg –en suivant une idée du général Ludendorff – la UFA (Universum Film Aktien Gesellschaft), soutenue par le Deutsche Bank et l'industrie allemande, pour promouvoir le cinéma allemand en dehors de ses frontières.^[137] La sceau UFA s'a caractérisé par une série d'innovations techniques, comme l'illumination focal, les effets spéciaux –comme la sobreimpresión–, les mouvements de caméra –comme la “caméra déchaînée”–, la création de décorés, etc. Il était un cinéma d'étude, avec un marqué composant de preproducción, qu'assurait un clair contrôle du directeur surtout les éléments qui commettaient le film. D'autre part, son montage lent et pausado, ses elipsis temporels, créaient une sensation de subjectivité, d'introspection psychologique et émotionnelle.^[138]

Les premières oeuvres du cinéma expresionista s'ont nourris de légendes et anciennes narrations de cour fantastique et mystérieux, lorsque ne terrorífico et hallucinante: L'étudiant de Prague (Paul Wegener et Stellan Rye, 1913), sur un jeune que vend son image reflétée dans les miroirs, basée sur le Peter Schlemihl de Chamisso; Le Golem (Paul Wegener et Henrik Galeen, 1914), sur un homme de vase créé par un rabino juif; Homunculus (Otto Rippert, 1916), precursora dans les contrastes en blanc et noir, les chocs de lumière et ombre. Le cabinet du docteur Caligari (Robert Wiene, 1919), sur une série d'assassinats commis par un sonámbulo, s'a converti en l'oeuvre maîtresse du cinéma expresionista, par la récréation d'un environnement opresivo et angoissant, avec décorés d'aspect extrañamente anguloso et géométriques –murs inclinées, fenêtres en forme de flèche, portes cuneiformes, cheminées oblicuas–, illumination d'effets dramatiques –inspirée dans le théâtre de Max Reinhardt–, et maquillage et garde-robe qu'ils soulignent l'air mystérieux qui enveloppe tout le film.^[136]

Paradoxalement, Caligari a été plus la fin d'un procès que le début d'un cinéma expresionista, donc son caractère expérimental était difficilement asimilable par une industrie que cherchait des produits plus commerciaux. Les productions posterior ont continué en majeur ou moindre mesurée la base argumental de Caligari, avec des histoires généralement basés sur conflits familiers et une narration effectuée avec flashbacks, et un montage oblicuo et anacrónico, spéculatif, en faisant que le spectateur interprète l'histoire; en revanche, ils ont perdu l'esprit artistique de Caligari, sa révolutionnaire escenografía, son expressivité visuelle, en faveur d'un majeur naturalismo et plasmación plus objective de la réalité.^[139]

Au premier expressionnisme, de caractère théâtral –l'appelé “caligarismo”–, est arrivé un nouveau cinéma –le de Lang, Murnau, Wegener, etc– que s'inspirait plus dans le romantisme fantastique, en laissant l'expressionnisme littéraire ou pictural. Ces auteurs cherchaient une application directe de l'expressionnisme au film, en laissant les décorés artificiels et en s'inspirant plus dans la nature. Il A ainsi surgi le Kammerspielfilm, orienté vers un étude naturaliste et psychologique de la réalité quotidienne, avec des personnages normaux, mais en prenant de l'expressionnisme la simbología des objets et la stylisation dramatique. Le Kammerspielfim se basait sur un réalisme poétique, en appliquant à une réalité imaginaire un symbolisme qui permet il obtenir le sens de cette réalité. Son esthétique se basait sur un respect, bien que ne total, des unités de temps, lieu et action, en une grande linealidad et simplicidad argumental, que faisait superflue l'insertion de rótulos explicatifs, et dans la sobriété interpretativa. La simplicidad dramatique et le respect aux unités permettaient créer quelques atmosphères fermées et opresivas, dans celles qui se mouvraient les protagonistes.

Dans les ans 1920 s'ont produits les principaux succès du cinéma expresionista allemand: Anne Boleyn (Lubitsch, 1920), Les trois lumières (Lang, 1921), Nosferatu (Murnau, 1922), Le docteur Mabuse (Lang, 1922), Ombres (Robison, 1923), Sylvester (Pick, 1923), Les Nibelungos (Lang, 1923-1924), L'homme des figures de cire (Leni, 1924), Les mains d'Orlac (Wiene, 1924), Le dernier (Murnau, 1924), Sous le masque du plaisir (Pabst, 1925), Tartufo (Murnau, 1925), Varieté (Dupont, 1925), Fausto (Murnau, 1926), L'amour de Jeanne Ney (Pabst, 1927), Metrópolis (Lang, 1927), La caisse de Pandora (Pabst, 1929), L'ange bleu (Sternberg, 1930), M, le vampire de Düsseldorf (Lang, 1931), etc.

Depuis 1927, en coïncidant avec l'introduction du cinéma sonore, un changement de direction en l'UFA a comporté un nouveau rhumb pour le cinéma allemand, de cour plus commerciale, en essayant imiter le succès réussi par le cinéma américain produit à Hollywood. Pour alors la plupart de directeurs ils s'étaient établie à Hollywood ou Londres, ce que a comporté la fin du cinéma expresionista comme tel, substitué par un cinéma de plus en plus germanista qu'a bientôt été instrument de propagande du régime nazi. Pourtant, l'esthétique expresionista s'a incorporé au cinéma moderne à travers l'oeuvre de directeurs comme Carl Theodor Dreyer, Carol Reed, Orson Welles et Andrzej Wajda.^[140]

Il photographie

[[des Archives:Blossfeldt_55à.jpg|thumb|Helecho, De Karl Blossfeldt.]] La photographie expresionista s'a développé principalement pendant la République de Weimar, en constituant un des principaux foyers de la photographie européenne d'avant-garde. La nouvelle société allemande de postguerre, dans son appât presque utópico de regenerar le pays après les désastres de la guerre, a fait appel à une technicienne relativement nouvelle comme la photographie pour casser avec la tradition bourgeoise et bâtir un nouveau modèle social basé sur la collaboration entre des classes sociales. La photographie des ans 1920 serait héritier des fotomontajes antibellicistes créés par les dadaístas pendant la contienda, ainsi que profiterait de l'expérience de photographes originaires de l'est que sont apparu en Allemagne après la guerre, ce que porterait à l'élaboration d'un type de photographie de grande qualité autant technique comme artistique.

Également, en parallèle à la Nouvelle Objectivité surgie après la guerre, la photographie s'a converti en un moyen privilégié de saisir la réalité sans ambages, sans manipulation, conjugando l'esthétique avec la précision documentaire. Les photographes allemands ont créé un type de photographie basée sur la nitidez de l'image et l'utilisation de la lumière comme moyen expresivo, modelando les formes et en soulignant les textures. Ce type de photographie a eu un important retentissement international, en générant mouvements parallèles comme la photographie pure française et la straight photography américaine. Il rentre remarquer le grand auge pendant cette époque de la presse graphique et les publications, autant de revues comme de livres illustrés. La conjonction de photographie et tipografía a porté à la création de l'appelée “photo-type”, avec une création racionalista inspiré en la Bauhaus. Il A aussi touché importance la publication de livres et revues spécialisés en photographie et graphisme, comme Der Querschnitt, Gebrauchsgraphik et Donnes Deutsche Lichtbild, ainsi que les exposés, comme la grande montre Film und Photo, célébrée en 1929 à Stuttgart par initiative du Deutscher Werkbund, de celle qui a surgi l'essai de Franz Roh Photo-Oeil (Photo-Auge).^[141]

Le plus souligné photographe expresionista a été sans doute August Sander: étudiant de peinture, s'est passé à la photographie, en ouvrant une étude de portrait à Cologne. Il s'a consacré principalement au portrait, en créant un projet presque enciclopédico que prétendait cataloguer de forme objective à l'allemand de la République de Weimar, en portrayant personnages de n'importe quel estamento social, en partant de la prémisse de que l'individu est fruit des circonstances historiques. En 1929 il est apparu le premier tome de Le visage de notre temps (Antlitz der Zeit), de celui qui n'ont pas surgi plus en étant mis son veto à par les nazis, à ceux que ne leur plaisait pas l'image de l'Allemagne saisie par Sander, à celui que ont détrui 40.000 négatifs. Les portraits de Sander étaient froids, buts, scientifiques, desapasionados, mais par ce motif résultaient d'une grande elocuencia personnelle, en remarquant son individualité.^[142]

Autres soulignés photographes ont été: Karl Blossfeldt, professeur de forge dans une école de arts appliquées, en 1890 s'a entamé dans la photographie principalement pour obtenir modèles pour ses travaux en métal, en se spécialisant en photographie de végétaux, recopilando son travail en 1928 avec le titre Formes originaux de l'art (Urformen der Kunst). Albert Renger-Patzsch a étudié chimiste à Dresde, en s'entamant dans la photographie, de celle qui a donné des classes en la Folkwangschule de Essen. Il s'a spécialisé en photographie publicitaire, en publiant divers livres sur le monde technique et industriel: en 1927 il a publié Die Halligen, sur des paysages et des gens de l'île de Frise orientale, et en 1928 Le monde est beau (Die Welt ist schön). Hans Finsler, spécialisé en bodegones, a étudié architecture et histoire de l'art, en étant professeur en Trouve de 1922 à 1932. Il a créé en Zúrich le département photographique de la Kunst Gewerbeschule, où s'ont formés des nombreux photographes, comme Werner Bischof et René Burri. Werner Mantz a étudié en la Bayerische Staatslehranstalt für Photographie de Múnich, en se spécialisant en photographie d'architecture, en illustrant les principales constructions du racionalismo. Entre 1937 et 1938 il a portrait de forme magistrale le monde des mineurs à Maastricht. Willy Zielke, d'origine polonaise, a étudié photographie en Múnich. Il s'a consacré principalement à l'évolution sociale et industrielle de l'Allemagne, en roulant un documentaire sur le chômage ouvrier (Arbeitlos, 1932), qu'a été interdit par les nazis.

Voyez-vous aussi

• Art du siècle XX
• Vanguardismo
• Art abstrait
• Architecture contemporaine
• Sculpture contemporaine
• Peinture contemporaine
• Histoire de la littérature moderne
• Musique classique du siècle XX
• Histoire du cinéma
• Histoire de la photographie
• Annexe:Auteurs expresionistas

Références

Bibliografía

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