Johannes Vermeer

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Johannes Vermeer
Fichier:Jan Vermeer vont Delft 021.jpg La laitière (1658-1660). Rijksmuseum (Ámsterdam)
Naissance	Avant du 31 octobre 1632]] Delft,  {{{tu allies}}}
Décès	15 décembre de 1675 (43 ans) Delft,  {{{tu allies}}}
Oeuvres soulignées	L'art de la peinture , La jeune de la perle

thumb|235 px|Signe de Vermeer. Johannes Vermeer Vont Delft (baptisé en Delft, le 31 octobre 1632]] - allez. 15 décembre de 1675), appelé par ses contemporains Joannis voir Meer ou Joannis vont der Meer, est un des peintres néerlandais plus connus du Baroque. Il a habité pendant l'appelée Âge d'Or hollandaise, en que son pays a éprouvé un extraordinaire florecimiento politique, économique et culturel.

L'oeuvre complète de Vermeer est très réduite, seulement 33-35 tableaus.^[1] A peint autres oeuvres, aujourd'hui perdues, de celles qui il s'a connaissance par des anciens actes de ventes aux enchères. Ses premières oeuvres ont été de type historique, mais il a obtenu la renommée grâce à sa peinture costumbrista, que forme la plupart de sa production. Ses tableaus ses plus connus sont Vue de Delft et La jeune de la perle. En vie a été un peintre à succès modéré. il n'a pas eu une vie déchargée, peut-être en raison du rare nombre de peintures que produisait, et à sa mort a laissé des dettes à son épouse et onze fils. Pratiquement oublié pendant deux siècles, à partir d'intervenus du siècle XIX, la peinture de Vermeer a eu une ample reconnaissance. William Thoré-Bürger a contribué à la consécration de Vermeer avec quelques articles journalistiques très elogiosos. il actuellement est envisagé un des plus grands peintres de l'Hollande. Il est particulièrement reconnu par sa maîtrise en l'usage et traitement de la lumière.

Biographie

[[j'Archive:Blaeu 1652 - Delft.jpg|thumb|220px|right|Plan de Delft en 1652 (par Joan Blaeu).]] Il existe peu d'information sur la vie de Johannes Vermeer, uniquement quelques faits basiques notés en des registres et des documents légaux, ainsi que commentaires sur il d'autres artistes. En raison de ceci, Thoré Bürger l'a dénommé la "Esfinge de Delf".^[2]

Baptisé comme protestant le 31 octobre 1632 sous le nom de Joannis en la Nieuwe Kerk (Église nouvelle, en espagnol) de Delft, est allé le deuxième fils, et unique homme, de Reynier Jansz et Digne Baltens. Son père, procédait originalmente de Anvers, et s'a déplacé en 1611 à Ámsterdam, en travaillant de tejedor de soie. En 1615 il s'a marié avec Digne, en se déplaçant avec le nom de Vos à Delft, où a ouvert une auberge. En plus, Reynier Jansz travaillait comme tejedor et appartenait officiellement au corps de métier de San Lucas de Delft comme marchante d'art. Là Jansz a connu à des peintres comme Pieter Steenwyck, Balthasar vont der Ast et Pieter Groenewegen.

Formation

Sur sa formation comme peintre n'existe pas information sûre. Il s'a fait membre du corps de métier de San Lucas le 29 décembre 1653]] comme peintre libre. À ce fait a dû lui précéder une ample formation de six ans d'apprentissage, donc seulement comme maître il se pouvait être membre du corps de métier. Il est possible que Vermeer fût élève de Leonaert Bramer, hypothèse que n'a pas eu beaucoup d'écho par les différences de style, malgré le fait qu'il est documentée une relation entre tous les deux. Ils se sont aussi démontré des contacts avec Gerard ter Borch.^[3] également s'y a especulado pour peu que fût élève de Carel Fabritius, qu'avait à son tour été educado dans l'atelier de Rembrandt. Cette hypothèse a été largement acceptée depuis que dans le siècle XIX, William Thoré-Bürger l'a défendu et il continue à être très étendue, mais dans l'actualité les experts ils doutent de sa véracité. Dans son lieu, s'a l'habitude de mentionner à Pieter d'Hooch, qu'a habité en Delft entre 1652 et 1661, comme une des principales influences de Vermeer, puisque se peut reconnaître le style d'Hooch, refinado et profilé, dans la peinture costumbrista de Vermeer.

Vie familière et je travaille

[[des Archives:Jan Vermeer vont Delft 023.jpg|thumb|200px|left|Militaire et fille en riant (1658).]] Johannes Vermeer S'a marié le 20 avril 1653]] avec Catharina Bolnes en Schipluy, un village près Delft. La mère de Catharina, María Thins, s'a opposé initialement au mariage. Une des raisons il pût être la aveu calvinista de Vermeer, alors que Catharina Bolnes était catholique. Seulement après la recommandation du peintre catholique Leonaert Bramer a décidé María Thins accepter le mariage. Si Vermeer s'a fait catholique ou ne, il continue à être disputé.

En 1660, Vermeer s'a déplacé avec sa femme à maison de sa suegra en l'Oude Langendijk. Avec Catharina Bolnes a eu 15 fils, de ceux qui comme minime 4 sont mort en étant enfants. Il semble que Johannes Vermeer gagnait le suffisant argent pour pouvoir nourrir à sa nombreuse famille. En raison de que peignait un promedio de seulement deux tableaus à l'an,^[4] Devait avoir autres sources de financement. Il se sait qu'il aidait à sa mère dans la taverne Mechelen, dans le Grand Marché de Delft, que celle-ci avait hérité à la mort de son mari et dans laquelle Vermeer très probablement avait installé son affaire d'art, une activité très étendue entre les peintres néerlandais du siècle XVII. Dans les ans 1662 et 1663, ainsi qu'en 1670 et 1671, Vermeer a été doyen du corps de métier de San Lucas. Comme tous les artisans du siècle XVII il devait appartenir à un corps de métier pour pouvoir réaliser son activité et celui-ci il à son tour fixait les règles avec lesquelles ils travaillaient ses membres. La position de doyen était très influyente, ce que démontre que Vermeer était un personnage respecté en Delft.

Vermeer A pu voir en vie que ses tableaus ils obtenaient des grands prix. Il a peint des peu de tableaus pour le marché libre de l'art; ses tableaus étaient dans sa plupart pour mecenas, comme le boulanger Hendrick vont Buyten. Mais il ne se sait pas si les mecenas chargeaient au peintre les tableaus ou si ils seulement avaient un droit preferencial à l'achat.^[5] S'est déjà mentionné qu'outre son activité artistique, Vermeer travaillait comme expert en art. Ainsi, par exemple, a vérifié l'authenticité d'une collection de tableaus venecianous et romanous que le tratante d'art Gerrit vont Uylenburgh voulait vendre par 30.000 florines au prince électeur de Brandeburgo Federico Guillermo I. Il a voyagé en 1672 à La Haye, où il a examiné les tableaus je joins avec le peintre Hans Jordaens. Il a nié l'authenticité des tableaus devant notaire, en déclarant que la valeur des tableaus il était au maximum un dixième du prix sollicité.

Derniers ans et mort

Dans ses derniers ans de vie ont empiré ses conditions économiques, en devant demander des crédits. À cause de la Guerre Franco-Hollandaise initiée en 1672, n'a pas pu vendre plus de tableaus. Selon une lettre du 30 avril 1676]] de Catharina Bolnes en demandant le pardon de part de ses dettes, commentait que son mari a dû vendre des tableaus avec lesquels comerciaba pendant la Guerre à moindre prix de sa valeur.^[5]

En 1675, Vermeer enfermó et est mort aux peu de jours. Le 15 décembre 1675 a été enterré en le sepulcro familier de la Oude Kerk (Église vieille, en espagnol) en Delft. Sa femme a dû renoncer à son héritage pour annuler les dettes et ses biens ils ont été à arrêter aux créditeurs.

Oeuvre

Son oeuvre complète comprend 33-35 tableaus, difficiles de dater. ils encore existent des doutes sur la responsabilité des tableaus Dame assise en un virginal, La jeune avec une flauta, Diana et ses compagnes et Sainte Práxedes. La relativement rare production des tableaus conservés a tenté aux estudiosos pour lui attribuer une et une autre fois tableaus, qu'aujourd'hui sont envisagés dans sa plupart comme des attributions fauses.

Divers des premiers tableaus de Vermeer s'envisagent peinture historique. Ce genre a réussi dans le siècle XVII le niveau le plus grand de prestige, par dessus de la peinture de portraits, paysages, bodegones et animaux. En époque de Vermeer, dedans de la peinture historique se comprenait les événements de la Ancienneté classique, les mythes et légendes de saints, outre des motifs ecclésiastiques et bibliques. Dans la deuxième moitié de la décennie de 1650, Johannes Vermeer a changé son intérêt vers la peinture de scènes urbaines et costumbristas. La raison de ce changement n'est pas connue, mais il se suppose que Vermeer ne pouvait pas employer les techniciennes de la perspective et illumination en des tableaus historiques comme le permettaient autres genres picturaux. Aussi le changement de style s'a pu produire par l'influence de Pieter d'Hooch et Jan Steen, qu'habitaient tous les deux en Delft. Tous les deux comprenaient dans ses tableaus éléments arquitectónicos et figurativos de la vie quotidienne. En plus, il peut qu'Hooch, Steen et Vermeer se vissent influencés par l'environnement de Delft et ont introduit des changements de contenu et style dans sa peinture. Cette thèse pourrait être protégée parce que les changements de style de Steens et d'Hoochs s'ont produits après son arrivée à Delft.^[6]

Peinture historique

En comparaison avec les oeuvres posterior de Vermeer, les trois peintures historiques tempranas sont de grand format: Christ en maison de Marta et María, avec 160 × 142 centimètres, Diana et ses compagnes, avec 98,5 × 105 centimètres, et Sainte Práxedes, avec 101,6 × 82,6 centimètres. Un exemple de la taille de ses oeuvres posterior est Fille avec turbante, de seulement 45 × 40 centimètres.

Dans le tableau Christ en maison de Marta et María, peint vers 1654-1655, Vermeer reprend une scène du Évangile de San Lucas: Jesús, en étant dans le marché, est invité à manger à maison de Marta. Tandis que Marta prépare le repas, María écoute à Jesús. Marta demande à Jesús par qu'est-ce que ne conmina à María à que lui aide et Jesús répond: «Marta, Marta, tu marches soucieuse et tu te perds en mille choses: une seule est nécessaire. María a choisi la meilleure part, qu'il ne lui sera pas enlevé.»^[7] L'histoire était un thème traité avec fréquence dans la peinture depuis le siècle XVI, parce qu'en elle se reflétait bien le problème des bonnes oeuvres signalé par le protestants, que les envisageaient une action superficielle et pour les apparences. La composition est simple en comparaison avec autres oeuvres posterior et en forme de pyramide. Marta, avec une corbeille de pain dans la main, est située derrière Jesús, qu'est assis en une chaise et dont la tête est entourée d'une faible aureola. En premier plan est assise María en une banqueta, avec la tête soutenue dans la main. Le geste de María devait indiquer réflexion. Comme signal de dévotion face à Jesús, ne porte pas des chaussures. Le bras étendu de Jesús en signalant à María devait exprimer que celle-ci s'était décidée par la meilleure activité. Vermeer A employé des contrastes de couleur fortes entre le blanc du mantel et le rouge du corpiño de María, ainsi qu'avec le bleu de la toge de Jesús.

La deuxième peinture historique de Vermeer, Diana et ses compagnes, a été peinte vers 1655-1656. Diana, aussi appel Artemisa, est la déesse grecque de la chasse et il la lui envisageait spécialement race. Dans le tableau la lui représente assise dans une pierre et entourée par quatre ninfas. En art, Diana était représenté souvent avec robe courte ou nue en se baignant; Vermeer la représente habillée, une concession au puritanismo qu'envisageait abyecta la desnudez. Ainsi, une ninfa moyen nue que se trouve derrière Diana, revient le dos à l'observateur. Le tableau n'a pas beaucoup d'action, deux ninfas sont assises avec Diana sur une pierre, une il se trouve au fond et il remarque comme la quatrième lave les pieds de Diana. Cette action rituelle crée un nexo avec le motif chrétien du lavé des pieds de Jesús. La scène arrive pendant le crépuscule, par ce que les visages des femmes ils demeurent dans l'ombre. L'obscurité et la diadema en forme de lune croissante sont une allusion au fait de que Diana est confondu souvent avec Selene, déesse de la Lune. Au tableau Diana et ses compagnes ils se lui sont trouvé des fautes, surtout dans la représentation des positions, par ce que ils se sont exprimé en répétées tu occasionnes des doutes de la responsabilité de Vermeer. Ces doutes ne se sont pas pu ni confirmer ni nier jusqu'au présent.

Paysages urbains

Vue de Delft est un de ses tableaus ses plus admirés, vers 1660-1661, (Mauritshuis, La Haye). Il a été sa seconde et dernier paysage urbain et il correspond à une vue très fidèle. Il S'a sûrement aidé d'une caméra obscure. L'impression de la lumière est exprimée avec une inigualable maîtrise.

Vermeer A peint deux tableaus liés avec sa ville natale: La callejuela et Vue de Delft. Les paysages urbains étaient habituellement résultés de commissions publiques ou privées, très rare fois ils se peignaient pour le marché libre. Raison pour laquelle ils obtenaient des prix majeurs que la peinture paisajística.

Le tableau Vue de Delft s'a peint vers 1660 ou 1661. Vermeer L'a réalisé probablement avec aide d'une caméra obscure depuis un appartement grand. L'hauteur de son point de vue reste patente surtout dans les figures du coin inférieur gauche. Le tableau montre une vue de la ville avec la rivière Schie en premier plan. Vermeer A ordonné les éléments arquitectónicos dans le tableau parallèles au bord du lienzo, de même qu'a fait ses autres tableaus et au contraire qu'autres peintres, qu'ils essaient transmettre la vie intérieure de la ville avec des rues qu'ils s'enfoncent. Il A en plus placé en premier plan dedans de la composition un zone triangular de la côte de la rivière. Cet élément, qu'a été introduit dans la peinture par Pieter Brueghel le Vieux, a été employé avec fréquence, comme par exemple dans le tableau Vue du Zierikzee de Esaias vont de Velde. Vermeer A employé pour colorear le paysage surtout couleurs ocres et marron. Sur les bâtiments dans l'ombre en premier plan et les casques des bateaux il a placé des points de couleur pour représenter la structure d'ensemble et les incrustations. La lumière, que s'introduit entre les nuages, il illumine surtout les bâtiments qu'ils se trouvent au fond et la tour de la Nieuwe Kerk. Avec cette illumination de la tour de l'église, Vermeer voulait probablement faire une déclaration politique.^[8] En la Nieuwe Kerk se trouvait la tombe de Guillermo d'Orange, assassiné dans un attentat en 1584 en Delft, censé un héros de la résistance contre l'Espagne.

Peinture moralizante

L'alcahueta, peinte en 1656, est le premier tableau de Vermeer que peut s'encadrer dedans de la peinture costumbrista. Il est probable que Vermeer s'inspirât dans le tableau d'égal nom de Dirck vont Baburen qu'était en possession de sa suegra, María Thins.^[9] Le tableau apparaît dans diverse oeuvres de Vermeer comme insinuation du thème traité. L'alcahueta se peut comprendre dans la catégorie des Bordeeltje, tableaus de burdelest, qu'ils sont une subcategoría de la peinture costumbrista. Le lienzo montre à quatre personnes, deux femmes et deux hommes. Pour classer avec détail la scène ils manquent les données, il pourrait se traiter autant d'une scène en un burdel comme d'une scène hogareña. Dans le premier cas, la femme de la droite serait une prostituée et l'homme qui se trouve derrière elle serait un proxeneta. La femme habillée de noir serait la alcahueta, qu'aurait organisé l'affaire. En revanche, si il fût une scène hogareña, le tableau représenterait le début d'une relation extra matrimonial. Dans ce cas, l'alcahueta serait une femme du voisinage qu'aurait organisé la rencontre. En ce qui concerne l'homme dans le côté gauche, pourrait se traiter du même Vermeer; en étant celui-ci son unique autorretrato. Des personnes portraites, seulement se voient les troncs, puisque les jambes sont bouchées par une table qu'il se trouve en premier plan. La composition produit sensation de lejanía à l'égard de la scène dans l'observateur. Comme les tableaus costumbristas aussi devaient transmettre des valeurs, ils souvent contenaient des avertissements. Le vin, représenté par la jarra et la coupe dans la main de la prostituée, dont les joues sont sonrosadas par l'alcool, devait communiquer que l'être humain devait demeurer d'esprit je réveille malgré les tentations des sens. L'aspect central du tableau, la venalidad de l'amour, seulement se représente indirectement, avec la main ouverte de la prostituée qu'attend la monnaie du proxeneta. Ainsi, Vermeer est, en comparaison avec autres peintres qu'ils emploient des signaux plus drásticas, comme par exemple Frans vont Mieris, que montre dans le fond du tableau Le soldat et la demoiselle à deux chiens copulando.

Le tableau Fille dormie, qu'a été peint vers 1657, est une autre oeuvre de Vermeer avec message moralizante. La jeune femme peinte est assise à une table bouchée avec un tapis oriental. Le tapis forme dans la part antérieure de la table un triangle et Vermeer l'a arrangé je joins avec une jarra de vin et une assiette de fruit. La femme dort soutenue dans la main, avec le coude dans la table, avec la finalité de souligner le loisir. La robe laisse voir qu'il ne s'agit de pas une domestique, mais de l'épouse du monsieur de la maison, chargée de l'administration du foyer. Johannes Vermeer Avait initialement compris dans le tableau divers éléments significatifs plus pour faire que la femme eût plus interaction. Ainsi, une étude avec des rayons X a montré que dans la porte se trouvait un chien et dans le fond gauche du tableau un homme, qu'ils ont été sobrepintados plus soir. Avec ces éléments l'interprétation de la composition il se fait plus facile. Le motif du goût par le vin se revient à reprendre dans ce tableau grâce à la présence de la jarra, mais aussi dans son titre Fille bue et en dormant dans une table que se lui a donné dans une vente le 16 mai 1696]]: à la suite de l'ingestion de vin, le maîtresse de maison descuida ses obligations dans le foyer.

Tableaus de femmes

left|thumb|200 px|Fille en lisant une lettre, vers 1657 (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde). La plupart des représentations de femmes dans les tableaus de Vermeer sont liées avec une narrative dans laquelle instruments musicaux ou objets du foyer influencent dans l'aperçu de l'action. Seulement trois tableaus se dévient de forme importante de cette tónica et se peuvent dénommer je portraiss.

Le tableau Fille en lisant une lettre, peint vers 1657 et, donc, dans la première phase de Vermeer, échantillon à une femme avec une lettre, que détermine l'action dans le tableau. L'élément de la lettre a été repris par Vermeer dans autres tableaus. En est, la fille est située dans le centre du tableau, avec une lettre dans la main, devant une fenêtre ouverte. Dans le côté droit se voit un rideau, en premier plan une table. La femme est représentée de profil, mais l'observateur peut voir son visage dans un reflet dans la fenêtre. Que la lettre soit vraisemblablement d'amour se peut lire en des détails, comme la source pleine de pommes et melocotones, en relation à l'histoire de Adán et Eva. Le rideau du premier plan peut renforcer cette idée, puisqu'il est ouverte en signal de révélation, mais il aussi peut s'agir d'un élément de la composition, employé souvent par Vermeer.

Dans bien des représentations de femmes de Vermeer, la moralité a un papier important. Même dans les tableaus de femmes en touchant musique il apparaît le thème. Un exemple est le tableau Dame au virginal ou Dame arrêtée près le clavicordio, peint entre 1673 et 1675. Même l'instrument, un «virginal» est un indice de la virginité de la fille peinte. Le fait se déduit surtout par qu'en la la Hollande du siècle XVII se soignait strictement de que la femme arrivât vierge au mariage. Le tableau du mur, avec la représentation de Cupido, représente un contraste à cette forme de comprendre la morale.

Le tableau le plus connu de Vermeer est sa Fille avec turbante ou La jeune de la perle, peint vers 1665. Sa renommée se doit surtout à sa réception moderne et à que l'oeuvre a été l'image choisie pour représenter un réussi exposé en le Mauritshuis, à La Haye, dans les ans 1995 et 1996. La fille est représentée depuis un point proche et sans des attributs narratifs, ce que différencie notablement ce tableau des autres peints par Vermeer. L'identité de la portraite est inconnue. Il se pourrait agir d'une modèle, mais il aussi pourrait s'agir d'une oeuvre de commission. Le fond du tableau est neutro et très obscur, mais multicolor et donc n'est pas noir. Le fond obscur renforce la clarté de la fille, surtout la de sa peau. La tête s'incline légèrement, ce que lui donne un air d'ensoñación. La fille interactúa avec l'observateur au le regarder directement et ouvrir légèrement la bouche, ce que dans la peinture hollandaise souvent indique une conversation avec l'observateur. Le vêtement de la fille a été réalisé en des couleurs pratiquement purs. Le nombre de couleurs qu'ils se remarquent dans le tableau est limité.^[10] La jaquette de la fille est de couleur marron jaunâtre et il forme un contraste avec le turbante bleu et le cou blanc. Le turbante, avec le torchon jaune en tombant vers derrière, est un signal de l'intérêt qu'a réveillé dans l'époque la culture orientale, à la suite des guerres contre le Empire Otomano. Ainsi, les turbantes sont passé à être un complément très apprécié et étendu en la la Europe du siècle XVII. Il souligne surtout une perle dans l'oreille de la fille, que brille dans la zone d'ombre du cou.

Représentation des sciences

[[j'Archive:Jan Vermeer vont Delft 009.jpg|thumb|left|200 px|Le geógrafo, vers 1668-1669 (Institut Städel, Fráncfort du Meno).]] Dans le tableau Le geógrafo, peint dans les ans 1668 et 1669, ainsi que dans le tableau parallèle L'astronome, de 1668, Vermeer traite les sciences. il aussi fait référence à la Cartografía dans autres tableaus, dans ceux qui le fond est occupé par cartes. La Cartografía était une science jeune et il encore se trouvait en développement. Dans le siècle XVII, les cartes étaient un objet de luxe, mais, outre être un signal de richesse, dans les tableaus de Vermeer aussi représentent la connaissance. En plus, les cartes représentent le pouvoir des Pays-Bas comme puissance commerciale, que traficaba avec des pays lointains. l'Hollande appartenait, grâce à son empire, aux puissances coloniales plus importantes du siècle XVII. Un exemple de l'usage de cartes dans les tableaus de Vermeer est Militaire et fille en riant.

Le geógrafo montre au scientifique au milieu du lienzo comme motif central. Le geógrafo porte le poil long ramassé derrière l'oreille et il est habillé avec une toge longue. Sur la table, en premier plan, y a une carte et une couverture employée pour étendre les cartes. Sur l'armoire du fond y a un globe terráqueo. Le scientifique comprueba avec aide d'un compás une distance dans la carte, mais dans ce moment regarde par la fenêtre. La lumière lui donne dans le visage, ce que indique illumination et sagesse. La toge donne au geógrafo un air de mystère, ce que dois se comprendre comme un aperçu du scientifique généralisée dans l'époque.

Avec la représentation d'un geógrafo et un astronome, Johannes Vermeer reprend un important changement de paradigme. Jusqu'au siècle XVII était mal vu le se occuper de l'extension, forme et histoire du Terroir, ainsi que de les lances. Cela se comprenait comme téméraire et contraire au plan divin. Et malgré cela ils sont apparu des sciences qu'ils étudiaient du Terroir et les étoiles depuis des fins du siècle XV. Depuis la découverte de l'Amérique, l'Asie et l'Afrique par les européens, les marchands, navigants et nobles ils ont précisé une majeure connaissance géographique, que s'accumulait en des livres, cartes et globes.^[11]

Allégories

[[j'Archive:Clio.jpg|thumb|200 px|Détail de la muse Clío de Allégorie à la peinture, vers 1666.]]

Johannes Vermeer A peint outre ses tableaus réalistes, que traitent habituellement de sujets banals, deux allégories dans lesquelles personificó thèmes abstraits et a pris position à travers des symboles et des références. Les tableaus portent par titre Allégorie de la foi, peint entre 1671 et 1674, et Allégorie de la peinture ou L'art de la peinture. En ils Vermeer s'a basé sur la connaissance de Cessait Ripa de la iconografía.

L'art de la peinture a été peint vers 1666 et il a une taille de 130×110 centimètres, qu'il le convertit en une des majeures oeuvres peintes par Vermeer. Beaucoup d'historiens de l'art envisagent ce tableau le legs pictural de Vermeer. Ainsi, Hans Sedlmayr a employé le je intitule L'éloge de l'art de la peinture. Le nom du tableau se peut tracer jusqu'au paiement des dettes après la mort de Vermeer, où se dit que «il est une peinture, [...], Dans celle qui est représenté l'art de la peinture.»^[12]

Le tableau montre un atelier de peinture, vraisemblablement inspiré en le de le propre Vermeer, puisqu'une table de chêne comme laquelle se peut apprécier dans le tableau apparaît dans la liste de recensement du peintre. Sur la table se trouve un livre, symbole de la sagesse et la contemplación, et un masque, que se doit comprendre comme une représentation de la sculpture. Comme personnage principal apparaît le peintre dans le centre, devant un lienzo presque vide. Il est de dos à l'observateur, de sorte qu'il maintient son anonymat. Dans le fond se trouve une jeune femme qu'il sert de modèle au peintre. Il porte une cape de soie bleue et une jupe jaune. Dans la main gauche a un livre, dans la droite un trombón. Sur la tête porte une couronne de laurier, en représentant la renommée éternelle.

Le lienzo vide est depuis le Renaissance symbole de l'idée artistique que prend forme dans le procès pictural. Que le peintre travaillez dans un tableau tandis que sur la table demeure un masque il a été interprété comme la compétition des arts, la Paragone. De cette forme, la peinture triomphe sur la sculpture. Études modernes donnent presque par sûr que la femme n'est pas simplement une modèle ou de Renommée, mais que représente à la muse Clío, muse de la Histoire dans la mythologie grecque. En faveur de cette interprétation parle aussi la carte de Nicolaes Visscher pendu dans le mur, au fond, dans celui qui apparaissent les 17 anciennes provinces des Pays-Bas avant de la paix avec l'Espagne en 1609. La carte est entouré à les deux côtés avec vues de villes et Clío apparaît avec sa trombón, qu'est symbole de la renommée, devant La Haye, avec la vue du palais réel. Ceci se peut interpréter comme hommage de Vermeer à la Maison d'Orange. Le tableau a été peint à des débuts de la Guerre Franco-Hollandaise, qu'il s'a étendu de 1672 à 1678, dans une époque de désordonnes internes en les Pays-Bas, dans celle qui l'espoir il retombait sur les Orange. En plus, il se révèle une attitude positive vers le Saint Empire romain germanique par exemple à travers la lumière avec le aigle bicéfala des Habsburgo. En fait, le tableau n'est pas autant une louange à la peinture, mais plutôt un positionnement de Vermeer à la situation politique du moment.

Dessins

N'existent je pas dessines qu'ils puissent être attribués avec sécurité à Johannes Vermeer. Sa faute a provoqué que beaucoup d'auteurs supposez que Vermeer ne précisait pas des études pour ses tableaus. À cette idée s'oppose le controversé je dessine Fille avec calentador de pieds qu'est attribué à Vermeer et daté dans l'an 1655. Il est un dessin de 25,5 × 16,5 centimètres, dessiné avec tiza sur papier bleu et se trouve dans l'actualité dans la collection de Musée du Palais de Weimar. Les défenseurs de l'attribution la fondent surtout en des apparences estilísticos et l'apparence du monograma qu'apparaît sur le calentador de pieds avec les signatures sur les tableaus Fille en lisant une lettre et Vue de Delft. Ceux-là qui s'opposent affirment que le papier bleu a seulement commencé à se fabriquer en des siècles posterior. Ce que se contredit avec une nouvelle de Karel vont Mander, antérieure à Vermeer et auteur du Schilderboeks. Van Mander a décrit à un élève du retratista Michiel Miereveld de Delft: «il est appliqué en recherchant la beauté la plus mûre de la peinture, au donner couleur il emploie des différentes façons inventées par il même, il aussi dessine entre moyen en papier bleu [...]» Ceci indique qu'il existait papier bleu dans le zone de Delft beaucoup avant de Vermeer.^[13]

Évolution de son techniques

L'oeuvre de Vermeer a été réalisée entre 1654 et 1675. Seulement trois de ses tableaus il a date et des autres il seulement s'estime le moment d'exécution par le style employé.^[14]

Le premier qu'a date il est l'alcahueta de 1656. Son style est très éloigné des intérieurs et des paysages qu'ils l'ont encumbrado. Il y a autres deux tableaus qui doivent il être antérieurs à cette date, s'agit de Christ en maison de María et Le repos de María, dans les deux cas ils s'envisagent des oeuvres juvéniles.^[14]

Le genre d'intérieurs avec divers personnages représentés dans une chambre avait été créé entre 1620-30 et il s'était consolidé en Hollande. En La jeune dormie, peint sur 1657, sûrement posterior à L'alcahueta, Vermeer s'avoue partisan de ce genre.^[15]

En 1653, il s'était établi en Delf, le peintre Pieter d'Hooch, trois ans majeur que Vermeer. Entre 1658 et 1660 il a réalisé Une série d'intérieurs qu'ils ont dû il étonner par sa qualité. Son influence sur Vermeer est confirmée en quatre tableaus qu'ils rappellent de forme claire la façon d'Hooch. Il s'agit de Fille en lisant une lettre, Militaire et fille en riant, Dame en buvant avec un cavalier et La laitière. Vermeer Réduit les personnages à 1 ou 2, mais il surtout se consacre à représenter les détails avec la maximale perfection, comme le pulido du bois ou la douceur des étoffes. En des tableaus comme la Dame en buvant avec un cavalier il réussit une unité, intimité et sérénité qui dépasse l'oeuvre d'Hooch.^[15]

Les expériences en Delft des peintres avec le paysage urbain ont eu un moment magistral dans la série de tableaus d'Hooch datés en 1658, entre ils l'étonnant Cour intérieure. Selon Albert Blankert ces tableaus d'Hooch ont dû inciter à Vermeer à ensayar la peinture d'extérieurs. Mais Vermeer à nouveau réalise un meilleur tableau, La callejuela, où au lieu d'un exposé en profondeur comme en Cour intérieure a représenté dans un même plan une succession de façades et portes avec un colorido plus clair et un modelado plus précis en employant sa fameuse technicienne du punteado. Dans cette technicienne, aussi appelée pointillé (laquelle ne doit être confondu avec le "puntillismo"), les couleurs transparentes il les produisait en appliquant peinture perdidamente en des capes granulares du lienzo.^[16]

Vraisemblablement après La callejuela, Vermeer s'a aventuré avec un paysage extérieur plus ample: Vue de Delft. Il s'agit d'une vue totalement exacte et fidèle et il s'a sûrement aidé d'une caméra obscure. En elle a réussi exprimer l'impression de la lumière avec totale maîtrise.^[16]

Ces oeuvres, depuis La fille en lisant une lettre jusqu'à Vue de Delft peintes de 1656 à 1661, correspondent à un même style. Il se trouve en elles le même modelado ferme et énergique et la couleur est appliquée en des capes bastantes épaises, surtout dans les parts claires.^[16]

Dans ses oeuvres posterior, la transition il s'estime en 1662, Vermeer a utilisé une autre technicienne avec un modelado délicat, les contrastes prononcés les évitait, il a employé une illumination tenue et un refinamiento de plus en plus complexe. Il est le cas de Dame avec deux cavaliers et La femme de l'aguamanil.^[16]

A après réalisé 7 tableaus peints avec minuciosidad et facture plus mûre peints entre 1662 et 1666 donc n'appartiennent pas à sa dernière époque qu'a surgi en 1667. Ils sont les meilleures oeuvres de Vermeer.^[16]

Les trois premiers ont une unique protagoniste féminine et ils sont des compositions similaires. Une table horizontale recubierta avec un tapete et avec divers objets contraste avec la verticalité d'une femme de pied. Le tracé de lignes et le modelado de formes sont d'une grande délicatesse. Il s'agit de la Lectrice en bleu, La tasadora de perles et La fille du collier de perles. Chaque tableau diffère dans la lumière et le colorido, dans la fille du collier le jaune et le blanc dominent, la lumière difusa et le bleu sont les couleurs de la lectrice de bleu, alors qu'une lumière filtrée par un rideau orange enveloppe en pénombre la tasadora de perles. Vermeer A disposé ces figures dans une activité que les maintînt immobiles en cherchant le recogimiento et l'harmonie en repos.^[16]

Dans les trois suivants et il a cherché continuer avec la minuciosidad des trois tableaus de femmes antérieures et en développant un effet espace beaucoup plus complexe. Autant dans la leçon de musique comme dans Le concert a établi un puissant rythme entre les éléments que s'arrivent depuis le premier plan jusqu'au mur du fond où une série de rectángulos (tableaus, miroir, clavicordio) contribuent à ressortir cet alignement d'objets en profondeur. Dans la même ligne a développé sa grande oeuvre maîtresse L'art de la peinture. Il A là articulé avec une exécution naturista, une composition complexe et un espace inondé de lumière, en arrivant à obtenir son maximal niveau. Finalement, aussi dans La jeune de la perle a obtenu un effet de grand naturel, s'a centré dans le regard de la jeune que constitue l'essence du tableau, en faisant abstraction de tout l'accessoire.^[17]

La jeune de la perle, vers 1665. Il correspond au moment cime de sa peinture. Le regard est la grande protagoniste et il se complète avec un grand modelado du visage, où les lèvres sont un deuxième centre d'attention.

Après la perfection de L'art de la peinture était difficile continuer à progresser et Vermeer a décidé changer de style en cherchant la stylisation. Ainsi, dans le tableau Dame au virginal fait abstraction de de les détails anecdotiques d'autres tableaus. Lumières et ombre s'ordonnent de façon plus rigoureuse. En plus pour montrer cette réalité cette plus simplifiée change à nouveau de technicienne. Il abandonne les transitions progressives de couleur et il opte par l'yuxtaposición de couleurs claires et obscures. Il a réalisé divers tableaus de cette forme comme l'astronome du Louvre, mais où a réussi améliorer en cette nouvelle technique est en L'encajera où a représenté une femme concentrée sur son travail, l'a réussi en centrant l'attention en le visage et les mains et en faisant abstraction de détails qui pouvaient il dévier l'attention. Il a réussi la même maîtrise dans Une dame qu'écrit une lettre et sa sirvienta où en combinant éléments habituels a réussi représenter une sérénité qu'il ne se trouve pas en des tableaus antérieurs.^[18]

Le style tardif s'extrême en Femme en touchant la guitare, quelques détails sont des traités esquemáticamente, mais Vermeer qu'avait toujours opté par figures immobiles et tranquilles, il abandonne son idéale qu'avait toujours cherché en faisant rire et se mouvoir à son protagoniste. À partir de 1672 ils voyaient quelques ans de difficultés économiques et il semble qu'il a peint une série d'oeuvres par commission où il s'apprécie son déclin. Il s'apprécie en des tableaus comme Allégorie de la foi où il fait abstraction de ses recherches et de ses trouvailles ou en femme assise en touchant l'espineta où aussi s'apprécie le décliner de sa force créateur comme dans les plis de la robe que déjà ils n'ont pas sa maîtrise ou le tableau déjà n'a pas il n'a sa lumière et il apparaît en pénombre.^[18]

Tout au long de sa vie, Vermeer a travaillé lentement et avec ajoute soin en usant couleurs brillantes, ainsi que quelques chers pigmentos: comme le bleu intense que souligne en quelques de ses oeuvres. il n'y a pas des dessins qu'ils puissent se lui attribuer exactement à Vermeer et ses peintures offrent peu de clefs sur des méthodes préliminaires. il n'y a pas un autre artiste du siècle XVII qu'il ait utilisé ses premiers travaux, en forme tellement exuberante, le cher pigmento que manifeste le ton lapislázuli ou ultramarino naturel. Vermeer Ne seulement employait cette technicienne en des éléments de ce ton; les couleurs terrosos et ocres devaient être compris comme lumière cálida dans une peinture fortement illuminée, que reflétait ses multiples tons dans le mur. Ce méthode a été inspiré très probablement par la compréhension que Vermeer avait des observations de Leonardo, où il manifestait que la surface de tout objet partageait la couleur de l'objet adjacent.^[19] Ceci signifie qu'aucun objet est vu proprement dans sa couleur naturelle pur.

Remarquable est l'usage de cet effet avec l'ultramarino naturel en Dame avec deux cavaliers ou Fille avec coupe de vin. Les ombres de la robe satinado rouge sont peint avec ultramarino naturelle, et grâce à ce bleu mis en cape de peinture, le mélange de rouge et bermellón sobrepuesto acquiert un doux purpúreo, froid et crispante qu'est plus puissant. Malgré ses problèmes financiers, Vermeer continua à utiliser l'ultramarino naturel largement; tel est le cas de la Dame assise en un virginal.

Importance

Innovation artistique

Johannes Vermeer A été un precursor dans la peinture en relation aux principes de la composition. Il a employé une division équilibrée de surfaces, avec celles qui il aussi exprimait des structures et situations complexes de forme simple et avec des peu d'éléments. La geometría avait un papier important dans la composition. Vermeer Employait la lumière de sorte qu'il presque arrivait à donner l'impression de que peignait à l'air libre. En plus, il n'employait pas tons gris pour représenter ombres. Vermeer Se soulignait dans la restitution de la lumière, de la texture, de la perspective et des couleurs trasparentes.

Le peintre néerlandais Vincent ils vont Gogh a écrit à l'aussi peintre Émile Bernard:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Une et une autre fois s'est affirmée que Vermeer a employé une caméra obscure dans ses tableaus pour remporter le positionnement précis de ses compositions.^[20] Par exemple, Norbert Schneider a écrit:^[21]

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

David Hockney entre autres historiens et promovedores de la thèse Hockney-Falco, aussi y a especulado que Vermeer utilisait caméra obscura, en ratifiant cette idée certains effets de lumière et perspective que résultaient du je manie de lentilles, au lieu de l'usage de direct de la vue humaine.^[22]

Ne tous les experts partagent cette opinion. Une foule d'études ils se sont consacrée au thème. Aussi entre les estudiosos qu'affirment avec sécurité que Vermeer a employé la caméra obscure, ils encore surgissent des importants débats sur la fréquence avec laquelle l'a usé.^[23] Les discussions ont commencé lorsque le litógrafo américaine Joseph Pennell a signalé en 1891 par première fois la «perspective photographique» du tableau Militaire et fille en riant. Charles Seymour^[24] Et Arthur K. Wheelock jr.^[25] Affirment que Vermeer a employé une caméra obscure dans les tableaus Vue de Delft, Allégorie de la peinture, Femme jeune avec chapeau rouge et L'encajera à cause de l'effet visuel de halo. Jørgen Wadum en revanche fait plus hincapié dans le développement de Vermeer et sa qualité comme peintre de perspectives: treize tableaus ont un petit trou qu'il a été réalisé avec une aiguille en le lienzo.^[26]

Égard et renommée

[[j'Archive:Jan Vermeer vont Delft 024.jpg|thumb|200 px|En Dame au virginal, vers 1667–1669, y a une transition de style en cherchant une stylisation. Il a abandonné les transitions de couleur et il a employé l'yuxtaposición de couleurs. Il s'apprécie bien dans le cadre doré du mur.]]

Une dame qui écrit une lettre et sa sirvienta, vers 1670, appartient aussi à la période estilizado, a combiné des éléments habituels en réussissant représenter la sérénité avec maîtrise.

Jan Vermeer et son oeuvre ont demeuré dans sa majeure part inconnues pendant sa vie, puisque ses tableaus ils n'ont pas trouvé un public au-delà d'un petit cercle de connaisseurs et partisans. La raison est sa rare production et que tableaus à eux arrivaient seulement quelque fois à des ventes aux enchères.^[27] Et bien que la qualité de l'oeuvre de Vermeer était appréciée, son oeuvre a à peine suscité attention. Johannes Vermeer n'est pas allé complètement oublié pendant les siècles XVII et XVIII, mais il était rarement mentionné dans la littérature. Encore ainsi, son oeuvre était louée en générale. À des débuts du siècle XIX il a grandi l'intérêt en Johannes Vermeer, malgré le fait qu'y eût peu d'information biográfica disponible. Les tableaus de Vermeer ont été spécialement ensalzados dans les catalogues de ventes aux enchères et ont obtenu des bons prix. Par ailleurs, l'oeuvre de Vermeer a été reprise par autres artistes, comme par exemple Wybrand Hendriks, qu'a copié la Vue de Delft et a peint des tableaus costumbristas au style de Vermeer. En 1821, Christian Josi a publié un article avec le titre Discours sud l’état ancien et moderne donnes arts dans leur Pays-Bas, dans celui qui a essayé réunir toute l'information sur Vermeer et qu'encumbró l'oeuvre du peintre.^[28]

Après que le tableau Vue de Delft allât spécialement loué dans la littérature spécialisée, le roi Guillermo I a décidé acheter l'oeuvre à travers le Mauritshuis. L'oeuvre de Vermeer de la galerie réelle du Mauritshuis a appelé l'attention du collectionneur d'art britannique John Smith.^[29] Smith a mentionné à Vermeer dans son catalogue de tableaus de la France, Flandre et les Pays-Bas, qu'occupait huit volumes. Smith a expliqué la courte renommée de Vermeer avec sa rare oeuvre. Comme conséquence, John Smith s'extrañó de son habilité, en le prenant comme un imitador et élève d'un autre peintre.

À partir d'intervenus du siècle XIX, la peinture de Vermeer a eu une ample réception. Le publiciste et politique français William Thoré-Bürger a connu la peinture néerlandaise du siècle XVII pendant ses voyages par l'Hollande et la Belgique, entre celle qui se trouvait la de Vermeer. Thoré-Bürger A reconnu que le réalisme dans la représentation de la vie quotidienne se correspondait bien avec l'esthétique de son temps. Il a aidé à la consécration de Vermeer avec trois articles journalistiques très positifs. Dans les textes, William Thoré-Bürger cataloguait les oeuvres de Vermeer et caractérisait sa peinture. Avec les travaux de Thoré-Bürger Vermeer entrait par première fois de forme importante dans la littérature sur l'Art. Les impresionistas sont arrivé à travers l'observation de la lumière à des constats similaires aux de Vermeer, dans dont tableaus la lumière se reproduisait de forme naturelle. Ainsi, l'oeuvre de Vermeer a réussi de plus en plus appréciation.

À des principes du siècle XX, s'ont découverts des tableaus de Vermeer en des collections privées, comme par exemple Femme jeune avec chapeau rouge.^[28] Ces oeuvres avaient été attribuées à autres peintres, comme Gabriel Metsu et Pieter d'Hooch. Mais Thoré-Bürger et autres critiques et historiens de l'art ont aussi attribué à Vermeer tableaus que n'étaient pas à eux, comme les de Jacobus Vrel et Jan Vermeer vont Haarlem. L'étude de Vermeer dans le siècle XX s'a occupé surtout dans l'identification exacte de la responsabilité. il n'a pas été jusqu'à 1935 que le musée de Rotterdam il lui a consacré son premier exposé individuel.

Dans l'actualité, Vermeer est un des peintres néerlandais plus fameux. Ainsi, en 1995 et 1996, 460.000 personnes ils ont visité pendant 14 semaines l'exposé Johannes Vermeer à La Haye, dans celle qui s'exposaient 22 de ses oeuvres. Plus extraordinaire a été que les entrées s'harassassent dans la vente anticipée. à Washington D.C. L'exposé a été visité par 327.551 personnes.

Succès commercial

Johannes Vermeer A été soutenu par mecenas, qu'ont acheté la plupart de ses tableaus. Une importante collection a fini en des mains de Jacob Dissius et son épouse Magdalena vont Ruijven, propriétaires d'une imprimerie, que selon un recensement réalisé après 1682 possédaient 19 oeuvres de Vermeer. Quelqu'uns provenaient du père d'elle, Pieter Claesz vont Ruijven. Autrui ils peuvent y avoir été achetés par Magdalena ils vont Ruijven, Jacob Dissius ou son père, Abraham Jacobsz Dissius, déjà dans la vente de l'héritage, réalisée le 15 mai 1677 dans le local du corps de métier de San Lucas, s'ont vendus 26 oeuvres de Vermeer. Donc il est probable que les deux familles ils achetassent des tableaus du peintre.^[30]

Comercialmente, Les oeuvres de Vermeer ont toujours eu une position soulignée. Le 16 mai 1696 dans une vente aux enchères de Gerard Houet, dans celle qui s'ont vendus aux enchères 134 tableaus, 21 d'ils ils étaient apparemment de Vermeer. Les prix exigés par ces tableaus se trouvaient entre les 17 et les 200 florines. Le fait de que ses tableaus ils obtinssent prix tellement grands il est un signal de que il était un artiste cherché. Dans la même vente aux enchères, par exemple, un portrait de Rembrandt s'a vendu par quelque chose plus de sept florines et la Décapitation de San Juan Bautista attribué à Carel Fabritius s'a vendu par 20 florines, ce que souligne la valeur de Vermeer.

Avec la croissante renommée et j'apprécie de l'oeuvre de Vermeer à des principes du siècle XIX, ont aussi augmenté les prix, Ainsi, Le geógrafo s'a vendu en 1798 par sept luises et en 1803 vendu de nouveau par 36. Un an plus tard, l'État hollandais a acheté Vue de Delft par désir exprime du roi, par 2900 florines, une quantité très grande dans l'époque et l'a livré au Mauritshuis.^[28] À la fin du siècle XIX s'allaient en négociant de plus en plus tableaus de Vermeer à prix de plus en plus grands. Millionnaires nord-américains comme John Pierpont Morgan, Henry Frick, Henry Marquand et Isabella Stewart Gardner ont acheté des oeuvres de Vermeer et ont été cortejados par les musées, pour que se les prêtassent ou ils peut-être traversassent la propriété. Un exemple du développement des prix est la Allégorie de la foi. En 1899, Abraham Bredius a acheté ce tableau par quelques 700 florines et l'a prêté au Mauritshuis et au musée Boymans vont Beuningen. Bredius A vendu enfin le tableau par quelques 300.000 dollars à l'américain Michael Friedsam, que l'a livré en héritage au Musée Métropolitain de New York.^[31] Par 625.000 florines a acheté Henri W. À. Deterding En 1921 le tableau La callejuela de la collection Collectie Six, appel ainsi par le collectionneur Jan Six, et se l'a offert à l'État hollandais. Par volonté de Deterding le tableau se montre en le Rijksmuseum en Ámsterdam.^[32] Le développement des prix et la grande demande ont converti à Vermeer dans un auteur attractif pour falsificadores.

En 1940, Adolf Hitler il a acheté L'art de la peinture (Allégorie de la peinture) par 1.650.000 reichsmark Aux autrichiens Eugen et Jaromir Czernin. Les impôts de quelques 500.000 reichsmark ont aussi été payés par Hitler. il antérieurement avait déjà eu diverse offres, entre autrui, une de plus de six millions de dollars du secrétaire d'état des EE.UU. Andrew Mellon, mais ne s'a pas donné la permission d'exportation.^[33] Le tableau a été acheté pour le musée d'art qu'avait plané en Linz et, après son achat, le tableau est resté temporellement en Múnich. Vers des fins de la Seconde Guerre mondiale il a été caché dans la mine de sel de Altaussee et après la guerre a été pris prêté par les américains.^[34] Ceux-ci ont livré L'art de la peinture au Musée d'Histoire de l'Art de Vienne.

En 2004, Steve Wynn a vendu aux enchères Femme jeune assise au virginal par trente millions de dollars. Il était la première fois qu'un Vermeer était vendu aux enchères depuis 1921.^[35]

Falsifications

En raison de que la responsabilité de Vermeer seulement s'envisage sûre en 37 tableaus, a avoir une et une autre fois rumeurs sur l'existence de plus de tableaus, dont l'emplacement serait inconnu. Cette circonstance a été profitée de pour que falsificadores créassent des tableaus de Vermeer soi-disant méconnus jusqu'au moment et les vendissent dans le marché de l'art. La demande de tableaus de Vermeer était tellement grand, que ne pouvait pas être couverte par sa rare oeuvre.

L'hollandais ils Ont ils vont Meegeren (1898-1947) créait des falsifications tellement parfaites que même l'expert en Vermeer Abraham Bredius a réalisé peritajes sur l'authenticité de ces oeuvres. Bredius A confirmé entre autrui l'authenticité du tableau Dîne d'Emaús de vont Meegeren, acheté par le Musée Boijmans vont Beuningen de Rotterdam en 1938. Même l'État néerlandais a acheté le faux Vermeer Le lavapiés en 1943, que se trouve dans l'actualité en le Rijksmuseum en Ámsterdam. Aussi le Reichsmarschall Hermann Göring a acheté une falsification d'Ont ils vont Meegeren pour la collection qu'était en train de créer moyennant l'expolio dans les pays occupés de l'Europe pendant la Seconde Guerre mondiale. La falsification était tellement bonne, que les autorités hollandaises l'ont aussi donnée par véritable et ils lui ont accusés de trahison par y avoir vendus biens artistiques hollandais aux nazis. Pour démontrer qu'il était l'auteur du tableau en question, Van Meegeren a composé un nouveau tableau atribuible à Vermeer devant l'attentif examen de la police hollandaise. Les autorités néerlandaises ont changé les charges de trahison à falsification, par ceux qui Van Meegeren a été condamné à deux ans de prison.

Outre Bredius, aussi Wilhelm von Bode et le directeur du Mauritshuis, Wilhelm Martin, ont réalisé peritajes positifs pour des falsifications de Vermeer. Ces tableaus appartiennent dans l'actualité à la National Gallery of Art de Washington.^[36][37]

Entretanto Existent des méthodes d'étude avec lesquels se peut fixer avec sécurité si un tableau attribué à Johannes Vermeer a été peint dans l'époque appropriée. Falsifications dans lesquelles il s'a employé je plombe modernes ou composés de plombe moderne en les pigmentos, se peuvent détecter avec aide du méthode du je plombe 210. Le je plombe 210 il est un isótopo du plombe de la famille de désintégration du uranium 238, créé à partir du radio 226 avec un temps moyen de vie de 22 ans. Ce temps de vie moyen tellement court peut être employé pour identifier falsifications plus récentes. En plus, à l'époque de Vermeer s'employait en les Pays-Bas je plombe originaire du Mittelgebirge de l'Europe Centrale. À partir du siècle XIX s'a commencé à employer je plombe de l'Amérique et l'Australie, de sorte que la cerusa (le pigmento blanc) a tu traces d'éléments et composition isotópica différentes que se distinguent de la cerusa ancienne. Cet il en plus se caractérisait par un grand contenu de argent et antimonio, alors que la cerusa moderne déjà ne contient pas ces éléments chimiques, qu'ils se séparent du je plombe par réduction.

Influence posterior

Peinture

[[j'Archive:Jan Vermeer vont Delft 013.jpg|thumb|200 px|Femme en touchant la guitare, vers 1672. Le style tardif s'extrême, quelques détails sont des traités esquemáticamente. Il abandonne son idéal de figures immobiles en faisant rire et se mouvoir à cette femme.]]

En peinture, Vermeer a supposé une importante influence pour Salvador Dalí. D'enfant, Dalí était fasciné par une reproduction de L'encajera de Vermeer que pendait dans le bureau de son père. En 1934, il a peint quelques oeuvres liées avec des oeuvres de Johannes Vermeer, comme Masquerader, intoxicated by the limpid atmosphere («Celui qui participe à une danse de masques, intoxiqué par une atmosphère límpida») ou Spectre de Vermeer de Delft,^[38] que représente à Vermeer comme une figure obscure arrodillada, de sorte que la jambe forme une table. Sur la table se trouve une bouteille et une petite coupe. Dans le tableau Paysage avec elements enigmatiques («Paysage avec des éléments énigmatiques»)^[39] du même an, Jan Vermeer est représenté face au chevalet. En 1936, il a peint Apparition de la ville de Delft («Apparition dans la villa de Delft»),^[40] que montre au fond une part de la Vue de Delft. Salvador Dalí a demandé permission au Louvre pour faire une copie de L'encajera, que lui fut accordé. De cette forme a peint en 1955 la copie^[41] et le tableau Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer («Peintre paranoico-critique de l'encajera de Vermeer»),^[42] dans lequel fait exploser le tableau en forme de cornes de rinoceronte. Cette forme était déjà apparu dans l'enfance de Dalí, parce que au regarder le tableau il devait penser dans les cornes.^[43]

Salvador Dalí admirait à Vermeer et a comparé L'encajera avec la Chapelle Sixtine, a signalé littéralement:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Littérature

Grande renommée a l'allusion au tableau Vue de Delft dans l'oeuvre de l'écrivain français Marcel Proust. Proust a voyagé en octobre de 1902 aux Pays-Bas et il a vu là, entre autres tableaus, aussi Vue de Delft de Vermeer, qu'a été celle qui il lui a plus plu.^[44] Lorsqu'en printemps de 1921 s'a montré une collection de tableaus de maîtres néerlandais dans le musée du Jeu de Paume à Paris, Proust a été à la voir, malgré le fait qu'il était malade d'asthme et il s'était retiré de la vie publique, puisqu'ils se montraient Vue de Delft, La laitière et La jeune de la perle. Dans l'échelle d'entrée à l'exposé a eu une attaque de faiblesse, qu'a attribué aux pommes de terre qu'il avait avant mangé. Marcel Proust a repris autant la vue de Delft comme son attaque de faiblesse dans son oeuvre monumentale À la recherche du temps perdu (écrit entre 1913 et 1927, «En recherche du temps perdu»), concrètement dans sa cinquième part, La Prisonnière (1923, «La prisonnière») avec son personnage Bergotte. Grâce à une critique, Bergotte voit fixée son attention par un «morceau de mur jaune» dans la Vue de Delft. Ce morceau de mur résulte encore dans l'actualité un mystère, puisque ne s'est pas trouvé dans le tableau. Le lieu est décrit dans le français original comme Lui petit pain de mur jaune avec un auvent et du tout petit pain de mur jaune («le petit morceau de mur avec un tejadillo»).^[45] Puisque ce élément n'est pas dans le tableau, actuellement se suppose qu'ou il a bien été inventé par Proust pour son roman, ou il bien est en raison d'une faute dans sa mémoire.

Récemment, Vermeer a réussi une grande popularité grâce au roman La jeune de la perle de Tracy Chevalier. Le livre traite la question de l'identité de la femme qu'apparaît dans le tableau La jeune de la perle, en développant une histoire fictive autour de la domestique Griet, que fait de modèle. il aussi est fiction l'histoire de Susan Vreeland dans son livre La jeune de bleu jacinto. Dans le livre, un tableau fictif de Vermeer, Enfant avec costurero, que montrerait à la fille du peintre, est montré à travers ses propriétaires, depuis le présent jusqu'au même Vermeer, que seulement est traité à la fin du livre.

Avec L'enigma Vermeer, le peintre arrive à la littérature enfantine. Le livre de l'auteur Blue Balliett traite surtout les tableaus Le geógrafo et Dame en jaune en écrivant. Ce dernier est volé dans l'histoire pour appeler l'attention sur le fait de que quelques tableaus ont été attribués par erreur à Vermeer.

En 2005, Luigi Guarnieri a écrit le roman La doppia vita ai donné Vermeer («La double vie de Vermeer»), que raconte l'histoire du falsificador Ont ils vont Meegeren, qu'a réussi se faire fameux avec ses falsifications de Vermeer.

Cinéma

L'oeuvre de Vermeer n'a seulement laissé son empreinte dans la peinture de Dalí, mais aussi dans son oeuvre cinématographique. En 1954 Dalí et Robert Descharnes ont commencé les travaux pour la réalisation d'un film intitulé L’Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros ou aussi L’aventure prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros. Le film, liée avec L'encajera et le rinoceronte, n'est pas arrivé à se terminer. Aussi dans le film surrealista Un chien andalou de 1929, coescrita par Dalí, apparaît brevemente L'encajera comme illustration dans un livre.

Peter Greenaway a essayé reproduire les oeuvres de Vermeer dans son film À Zed & Two Noughts (1985; «Une Z et deux zéros»). Dans le film All the Vermeers in New York (1990; «Tous les Vermeer à New York») de Jon Jost se mentionne souvent à Vermeer lorsqu'une actrice française se trouve avec un agent en le Metropolitan Museum.

En 2003, le directeur britannique Peter Webber a adapté le livre La jeune de la perle. La protagoniste, Griet, la domestique, a été interprétée par Scarlett Johansson et Vermeer par Colin Firth. Le film La jeune de la perle a réussi divers prix et il a été nominée à trois prix Óscar.

Références

Bibliografía

• Norbert Schneider: Vermeer sämtliche Gemälde. Taschen, Köln 2004, ISBN 3-8228-6377-7
• Piero Bianconi, István Schlégl: Tu donnes Gesamtwerk von Vermeer. Kunstkreis, Luzern 1967
• Ben Broos, Arthur K. Wheelock (Hrsg.): Vermeer. Tu donnes Gesamtwerk. Belser, Stuttgart 1995, ISBN 3-7630-2322-4
• Modèle:Rendez-vous livre
• Modèle:Rendez-vous livre
• Ludwig Goldscheider (Hrsg.): Johannes Vermeer: Gemälde. Phaidon Verlag, Köln 1958
• Anthony Bailey: Vermeer. Siedler, Berlin 2002, ISBN 3-88680-745-2
• Michael Eissenhauser (Hrsg.): Johannes Vermeer, der Geograph. Die Wissenschaft der Malerei. Staatliche Museen, Kassel, 2003, ISBN 3-931787-23-0
• Sara Hornäk: Spinoza und Vermeer. Immanenz in Philosophie und Malerei. Königshausen & Neumann, Würzburg 2004, ISBN 3-8260-2745-0
• Philip Steadman: Vermeer’s camera. Uncovering the truth behind the masterpieces. University Pres, Oxford 2001, ISBN 0-19-280302-6
• Ariana Rüßeler: Die Entdeckung einer Camera Obscura in Jan Vermeer vont Delfts Gemälde Die Malkunst in: Zeitschrift für Kunstgeschichte, Jg. 69, Heft 4 (2006), S. 541–547.
• Heinz Althöfer (Hrsg.): Fälschung und Forschung. Ausstellungskatalog. Museum Folkwang, Essen 1979, ISBN 3-7759-0201-5

Voyez-vous aussi

• Annexe:Tableaus de Johannes Vermeer
• Articles en wikipedia sur ses tableaus: Tableaus de Johannes Vermeer
• Un peintre en qui s'a inspiré: Pieter d'Hooch
• Son principal falsificador: ils Ont ils vont Meegeren

Tu raccordes externes

• Wikimedia Commons Héberge contenu multimédia sur Jan Vermeer.Commons

Wikilibros

• Wikilibros héberge un livre ou manuel sur Werkverzeichnis Jan Vermeer.
• Vermeer de Delft. Johannes Vermeer En Artehistoria (en espagnol) avec liste de tableaus par ordre alphabétique, chronologique et Galerie
• Essential Vermeer (en anglais)
• Marie de Johannes Vermeer (en hollandais)
• Vermeer Centrum Delft (en anglais)
• Sur le falsificador Meegeren (en anglais)
• Brève analyse sur Vermeer et quelques de ses oeuvres
• Vermeer et la peinture de genre hollandaise (National Gallery of Art, Washington)

Modèle:ORDONNER:Vermeer, Johannes

donne:Johannes Vermeerle:Γιοχάνες Βερμέερai:יאן ורמרj'ai vu:Johannes Vermeer