Miguel Ángel

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Miguel Ángel
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Nom réel	Michelangelo ai donné Lodovico Buonarroti Simoni
Naissance	6 mars de 1475 Caprese,  {{{tu allies}}}
Décès	18 février de 1564 (88) Rome,  {{{tu allies}}}
Oeuvres soulignées	Piété du le Vatican Tour de la Chapelle Sixtine David

[[j'Archive:Atto ai donné nascita Michelangelo.jpg |thumb|250px|Copie du document de la naissance et baptême de Miguel Ángel en Caprese. Maison Buonarroti, (Florence).]]

Michelangelo j'ai donné Lodovico Buonarroti Simoni^[1](Caprese, 6 mars de 1475 – Rome, 18 février de 1564), connu en espagnol comme Miguel Ángel, est allé un sculpteur, architecte et peintre italiane renacentista, envisagé un des plus grands artistes de l'histoire autant par ses sculptures comme par ses peintures et oeuvre arquitectónica.

Il a développé son labeur artistique tout au long de plus de soixante-dix ans entre Florence et Rome, qu'il était où ils habitaient ses grands mecenas, la famille Médicis de Florence, et le différent papes romanos.

Il a été le premier artiste occidental duquel ils s'ont publiés deux biographies en vie:

• Lui Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publiée en 1550 dans sa première édition, dans laquelle a été l'unique artiste vif compris.^[2]
• Vita De Michelangelo Buonarroti, écrite en 1553 par Ascanio Condivi, peintre et discípulo de Miguel Ángel, que ramasse les données facilitées par le même Buonarroti.^[3]

A été très admiré par ses contemporains, qu'ils lui appelaient le Divin.^[4] Benedetto Varchi, Le 12 février 1560]], lui a envoyé une lettre en nom de tous les florentinos en lui disant:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Il a triomphé en tous les arts dans lesquelles il a travaillé, en se caractérisant par son perfeccionismo.^[5]La sculpture, d'après avait déclaré, il était sa predilecta et la première à celle que s'a consacré; à suite, la peinture, presque comme une imposition par part de Juillet II, et qu'il s'a concrétisé dans une oeuvre exceptionnelle que magnifica le tour de la Chapelle Sixtine; et déjà dans ses derniers ans, il a réalisé des projets arquitectónicos.

Sommaire 1 Biographie 1.1 Famille 1.2 Apprentissage 1.3 Parcours artistique 1.4 Vie affectueuse 1.4.1 Tommaso Cavalieri 1.4.2 Vittoria Colonna 1.5 Derniers ans 2 Oeuvre escultórica 2.1 Premières oeuvres 2.2 Premier séjour à Rome 2.3 Retour à la Toscane 2.4 La tragédie de la sépulture 2.5 Les tombes des Médici 2.6 Autres oeuvres escultóricas 3 Oeuvre picturale 3.1 Saint Enterrement 3.2 Tondo Doni 3.3 Tour de la Chapelle Sixtine 3.4 Jugement Final 3.5 Chapelle Paulina 3.6 Crucifixión 4 Oeuvre arquitectónica 4.1 La façade de Saint-Laurent 4.2 Améliorations du Palais Médici Riccardi 4.3 Sacristía Nouvelle 4.4 Bibliothèque Laurenciana 4.5 Place du Capitolio 4.6 Palais Farnese 4.7 Basilique de Saint Pierre 4.8 Sainte Maria degli Angeli et dei Martiri 4.9 Il porte Pia 5 Dessins 5.1 La bataille de Cascina 5.2 Les fortifications de Florence 5.3 Autres dessins 6 Oeuvre poétique 7 Estimation 8 Dans autres arts 9 Voyez-vous aussi 10 Références 11 Bibliografía 12 Tu raccordes externes

Biographie

[[j'Archive:Nuremberg chronicles - FLORENCE.png|thumb|350px|Vue de Florence, selon un enregistré du Liber chronicarum (1493), dans les premiers ans de Miguel Ángel.]]

Famille

est Né en 1475, en Caprese, une villa de la Toscane près Arezzo.^[6] A été la seconde de cinq fils hommes de Ludovico ai donné Leonardo Buonarroti ai donné Simone et de Francesca ai donné Neri du Miniato ai donné Siena.^[7]Sa mère est mort en 1481, lorsque Miguel Ángel il racontait six ans. La famille Buonarroti Simone habitait à Florence depuis faisait plus de trois cents ans et avaient appartenu au parti des güelfos; beaucoup de de ils ils avaient occupé des charges publics. Le déclin économique a commencé avec le grand-père de l'artiste, et son père, qu'avait échoué dans la tentative de maintenir la position sociale de la famille, habitait de travaux gouvernementaux ocasionales,^[2] comme le de corregidor de Caprese dans l'époque qu'est né Miguel Ángel. Ils sont rentré à Florence, où ils habitaient de quelques petites rentes originaires d'une carrière de marbre et une petite propriété qu'avaient en Settignano,^[8] Village où Miguel Ángel avait habité pendant la longue maladie et mort de sa mère; il est là resté au soin de la famille d'un picapedrero.^[7]

Le père lui a fait étudier grammaire à Florence avec le maître Francesco donne Urbino. Miguel Ángel voulait être artiste, et lorsqu'il a communiqué à son père que souhaitait suivre le chemin de l'art, ils ont eu beaucoup de discussions, puisque dans cette époque était un métier peu de reconnu. Ludovico Ai donné Leonardo il envisageait que ce travail n'était pas digne du prestige de son linaje. Grâce à sa ferme décision, et malgré sa jeunesse, a réussi le convaincre pour qu'il lui laissât suivre sa grande inclination artistique, que, selon Miguel Ángel, lui venait déjà de la nodriza qu'avait eu, la femme d'un picapedrero. D'elle commentait: «Juntamente avec le lait de mon nodriza mamé aussi les escarpas et les martillos avec lesquels après ai esculpido mes figures».^[9]

Il a maintenu des bonnes relations familières tout au long de toute sa vie. Lorsque son frère majeur Leonardo s'a fait moine dominicain à Pise, il a assumé la responsabilité dans la direction de la famille. Il a eu à sa charge le soin du patrimoine des Buonarroti et l'a élargi avec l'achat de maisons et terrains, ainsi qu'a aussi concerté le mariage de ses neveux Francesca et Leonardo avec des bonnes familles de Florence.^[10]

Apprentissage

[[j'Archive:Michelango Portrait by Volterra.jpg|thumb|Portrais de Miguel Ángel par Daniele donne Volterra, où se lui apprécie le nez chata.]] Depuis très jeune a manifesté ses dots artistiques pour la sculpture, discipline en laquelle a commencé à dépasser. En avril de 1488, avec douze ans d'âge et grâce au conseil de Francesco Granacci, un autre jeune qui se consacrait à la peinture, est entré dans l'atelier des fameux frères Ghirlandaio; sa famille et les Ghirlandaio ont formalisé un contrat d'études pendant trois ans:^[11]Modèle:Cite A là demeuré comme apprenti pendant un an, passé lequel, sous la tutelle de Bertoldo ai donné Giovanni, il a commencé à fréquenter le jardin de San Cadres des Médicis, où a étudié les sculptures anciennes qu'il y avait là réunies. Ses premières oeuvres artistiques ont réveillé l'admiration de Lorenzo le Magnifique, que l'a accueilli dans son Palais de la Via Longa, où Miguel Ángel s'y aurait de trouver avec Angelo Poliziano et autres humanistas du cercle des Médicis, comme Giovanni Hache della Mirandola et Marsile Ficin.^[12] Ces relations l'ont mis en contact avec les théories idealistas de Platon, idées qui ont fini en se convertissant en un des piliers fondamentaux de sa vie et qu'a reflété autant dans ses oeuvres plastiques comme dans sa production poétique.

Selon Vasari, un jour, en sortant du jardin des Médicis -ou, selon Benvenuto Cellini, de la chapelle Brancacci, où il et autres élèves apprenaient à dessiner devant les frais de Masaccio-, a été lorsque Pietro Torrigiano lui a donné un puñetazo et lui a cassé le nez; comme conséquence, lui est resté le nez chata toute la vie, telle comme s'apprécie clairement en tous ses portraits.^[13][14]

Parcours artistique

Après la mort de Lorenzo le Magnifique, en 1492, Miguel Ángel a fui de Florence et il est passé par Venise, en s'installant après à Bologne. Là esculpió diverses oeuvres sous l'influence du labeur de Jacopo della Quercia. Mais dans l'an 1496 a décidé partir vers Rome, ville qui y avait de lui voir triompher. Il A là entamé un décennie de grande intensité artistique, après laquelle, avec trente ans, a été accrédité comme un artiste de première ligne. Aux vingt-trois ans il a coupé la Piété du le Vatican, après le Bacus du Bargello (1496),^[15] Et a postérieurement réalisé le Tondo Pitti. De la même époque est le carton de La bataille de Cascina, actuellement perdu, peint pour la Seigneurie de Florence, et le David, oeuvre cime de la sculpture, d'une grande complexité par le rare large de la pièce de marbre, qu'a été placé devant le palais de la Mairie de Florence et il s'a converti dans l'expression des suprêmes idéals civiques du Renaissance.^[16]

En mars de 1505, Juillet II il lui a chargé la réalisation de son monument funèbre: Miguel Ángel a projeté un complexe arquitectónico et escultórico monumental en lequel, plus que le prestige du pontífice, se louait le triomphe de l'Église. Le sculpteur, enthousiasmé avec cette oeuvre, a demeuré en Carrara pendant huit mois pour s'occuper personnellement de l'élection et la direction de l'extraction des marbres nécessaires. Malheureusement, au rentrer à Rome, le pape avait laissé à un côté le projet du mausolée, absorbé comme était avec la réforme de Bramante dans la Basilique de Saint Pierre. Miguel Ángel, contrariado, a abandonné Rome et il s'a dirigé à Florence, mais à la fin de novembre de 1506, après des nombreux appels du pontífice que, jusqu'à lui est arrivé menacer avec la excommunication, s'a réuni avec il à Bologne.^[17]

En mai de 1508 a accepté diriger le décor du tour de la Chapelle Sixtine, dont le frais a conclu quatre ans plus tard, après un travail solitaire et tenaz. Dans cette oeuvre a idéé une grandiose structure arquitectónica peinte, inspirée dans la forme réelle du tour. Dans le thème biblique général du tour, Miguel Ángel a interposé une interprétation neoplatónica du Génesis et a donné forme à un type d'interprétation des images qu'ils réussiraient être un symbole de l'art du Renaissance.

Après la mort de Juillet II, en mai de 1513, l'artiste a fait une deuxième tentative de suivre avec l'oeuvre du mausolée du pontífice. Avec ce propos esculpió les deux figures des Esclaves et le Moisés, que reflètent une tourmentée énergie, la terribilitá de Miguel Ángel. Mais cette deuxième tentative non plus prosperó.

Enfin, après la mort de Bramante (1514) et de Raffaello Sanzio (1520), Miguel Ángel a réussi la totale confiance du papado.Modèle:Il cite

En 1516, par commission de León X, il a entamé la façade de la Basilique de Saint-Laurent, travail que dans l'an 1520 a dû abandonner avec grande amertume. Du projet original ils se conservent des nombreux dessins et une maquette de bois. À partir de 1520 et jusqu'à 1530, Miguel Ángel il a travaillé à Florence et il a bâti la Sacristía Nouvelle de Saint-Laurent et la Bibliothèque Laurenciana, en spéciale son échelle. Après le je pille de Rome (1527) et de l'expulsion des Médicis de Florence, Miguel Ángel il a fait partie, comme fait simplement anecdotique, du gouvernement de la nouvelle République Florentina, de laquelle a été nommé «gouverneur et procurador général de la fabrication et fortification des murailles», et a participé à la défense de la ville assiégée par les troupes papales. Dans l'an 1530, après la chute de la République, le pardon de Clemente VII l'a sauvé de la vengeance des partisans des Médicis.^[18] À partir de cet an a repris les travaux de la Sacristía Nouvelle et du sepulcro de Juillet II.

En 1534, au se trouver à contrariété avec la nouvelle situation politique que s'était instauré à Florence, a abandonné la ville et il s'a établi à Rome, où il a accepté la commission de Clemente VII pour travailler dans l'autel de la Chapelle Sixtine et où, entre 1536 et 1541, a réalisé le magnifique Jugement Final. Jusqu'à l'an 1550 a été en faisant oeuvres pour la tombe de Juillet II, et les fraiss de la Chapelle Paulina que représentent La conversion de san Pablo et le Crucifixión de san Pedro.

Vie affectueuse

Miguel Ángel prétendait intérioriser les théories neoplatónicas de l'amour, en faisant grands efforts pour réussir un équilibre émotif que peu de fois a remporté. Son inclination naturelle par la matière, par les formes physiques -était par dessus de n'importe quoi, un sculpteur de corps-, unie à sa fascination par tout le jeune et vigoroso, emblemas de la beauté classique,^[19] L'ont portés à decantarse par la beauté humaine et l'amour le plus sensuel jusqu'à très devancée sa vie. Cette conflictualité enriquecedora avec laquelle l'artiste a habité son désir charnel, il a aussi affleuré dans l'affrontement avec sa homosexualité.^[20]

L'artiste a maintenu des relations avec divers jeunes, comme Cecchino dei Bracci, par celui qui sentait une grande affection. Lorsqu'en 1543, Bracci est mort, Miguel Ángel lui a dessiné la tombe, dans l'église de Sainte María in Aracoeli de Rome, et a chargé qu'il la réalisât à sa discípulo Urbino.^[21] Aussi Giovanni donne Pistoia, jeune et beau literato, est allé pendant un temps intime ami, et il est possible que maintînt une relation affectueuse avec Miguel Ángel dans l'époque qu'a commencé à peindre le tour de la Chapelle Sixtine; cette relation reste reflétée en quelques sonetos très passionnés que Giovanni lui a consacré.^[20]

Tommaso Cavalieri

Dans un voyage réalisé à Rome en 1532, a connu à celui que il serait le grand amour de sa vie, le jeune Tommaso Cavalieri, un patricio d'intelligence peu commune et amante des arts. Bientôt après du connaître, il lui a envoyé une lettre en laquelle il lui avouait: «Le ciel a fait bien en empêchant la pleine compréhension de votre beauté... Si à mon âge je ne me consume pas encore du tout, il est parce que la rencontre avec vos, monsieur, a été très bref».^[22]

Il faut rappeler que l'Académie Platonica de Florence a voulu imiter la ville grecque de Périclès. Cette association culturelle figurait d'un cercle social masculin en lequel la relation entre un homme et un adolescent était envisagée un sentiment noble et honorable. Dedans de ce contexte est où il se peut comprendre la psychologie, le goût et l'art de Miguel Ángel. L'artiste croyait que la beauté de l'homme était supérieure à la de la femme et, donc, l'amour qui sentait par Tommaso était une forme qu'il avait de se rendre devant la «beauté platónica».^[23]

Tommaso Cavalieri Était un garçon de 17 ans; de bonne famille, supporter à l'art, puisque peignait et esculpía. Varchi Disait d'il qu'avait «un temperamento réservé et modeste et une incomparable beauté»; il était, donc, très attractif à la fois qu'ingénieux. Dans sa première rencontre, a déjà causé une profonde impression en Miguel Ángel, et au passer le temps la relation s'a transformé dans une grande amitié, avec une passion et une fidélité que s'a maintenu jusqu'à la mort.^[24]

Miguel Ángel, par le contraire, était un homme de 57 ans, qu'il se trouvait en le cenit de sa renommée; il racontait avec le support des divers papes et Tommaso l'admirait profondément. Il semble que l'amitié a tardé vrai temps en se produire, mais lorsqu'il s'a consolidé il est arrivé à être très profonde jusqu'au point que Cavalieri, déjà marié et avec fils, est allé son discípulo et ami tandis qu'a habité Miguel Ángel et il l'a assisté dans l'heure de sa mort, lorsque le chapitre affectueux déjà faisait temps qu'il s'était fini.^[25]

Vittoria Colonna

[[Archive: Vittoria Colonna.jpg|thumb|200px|left|Portrait de Vittoria Colonna dessiné par Miguel Ángel.]] Vittoria Colonna était descendant d'une famille noble, et une des femmes les plus notables de la l'Italie renacentista. De jeune s'a marié avec Fernando d'Ávalos, marqués de Pescara, un homme puissant qui est mort dans la bataille de Pavie lorsque luttait dans le parti espagnol au service de Carlos I. Après la mort de son époux s'a retiré de la vie cortesana et s'a consacré à la pratique religieuse. Il s'a uni au groupe de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole et Ghiberti, que suivaient une doctrine qu'il pariait sur une contrarreforma.^[26]

à Rome, dans l'an 1536 et en le convento de San Silvestro à Montecavallo, l'artiste a connu à cette dame et depuis le principe a eu une empatía mutuelle, peut-être parce que les deux avaient les mêmes inquiétudes religieuses et tous les deux étaient des grands supporters à la poésie. Selon Ascanio Condivi, Miguel Ángel «était tombé amoureux de son esprit divin» et, comme était un grand admirateur de Dante, elle représentait ce que le personnage de Beatriz signifiait pour le poète.^[27] Ceci se desprende de la lecture des poèmes consacrés à Vittoria, ainsi que des dessins et les vers que lui a offert, tous de thématique religieuse: une Piété, une Crucifixión et une Sacrée Famille.^[28]

Vittoria Est mort dans l'an 1547, fait qui a laissé à Miguel Ángel sumido dans la douleur la plus profonde. Tel comme il même a avoué à Ascanio Condivi, «N'avait pas eu douleur plus profond dans ce monde que l'avoir laissée partir de cette vie sans lui avoir besado le front, ni le visage, comme lui besó la main lorsqu'a été à la voir dans son lit de mort».^[29]

Derniers ans

[[j'Archive:Michelangelo tomb.JPG|thumb|200px|Sepulcro De Miguel Ángel dessiné par Vasari dans la Basilique de la Sainte Croce de Florence.]] Pendant les derniers vingt ans de sa vie, Miguel Ángel il s'a consacré surtout à des travaux d'architecture: il a dirigé les oeuvres de la Bibliothèque Laurenziana de Florence et, à Rome, la rénovation de la place du Capitolio, la chapelle Sforza de Sainte María Majeure, la finalisation du Palais Farnese et, surtout, la finalisation de la Basilique de Saint Pierre du le Vatican. De cette époque ils sont les dernières sculptures comme la Piété Palestrina ou la Piété Rondanini, ainsi que nombreux dessins et poésies d'inspiration religieuse.^[30]

Le projet de la basilique vaticana, dans celui qui a travaillé pendant les derniers ans de sa vie, il simplifie le projet qu'il a conçu Bramante, si bien maintient la structure avec plante de croix grecque et le grand dôme. Miguel Ángel créait des espaces, fonctions qui englobent les éléments principaux, surtout le dôme, élément directeur de l'ensemble.

Il est mort l'an 1564 à Rome, avant de voir finie son oeuvre, à l'âge de quatre-vingt-huit ans, accompagné par son secrétaire Daniele il donne Volterra et par son fidèle ami Tommaso Cavalieri; il avait laissé écrit qu'il souhaitait être enterré à Florence. Il a fait testament en présence de son médecin Federigo Donati, «en laissant son âme en des mains de Dieu, son corps au terroir et ses biens aux familiers plus prochains». Son neveu Leonardo a été le chargé d'accomplir avec cette dernière volonté du grand artiste, et le 10 mars 1564]] a reçu sépulture en la sacristía de l'église de la Sainte Croce; le monument funéraire a été dessiné par Giorgio Vasari l'an 1570. Le 14 juillet s'a célébré quelques obsèques solennelles; il a été Vasari qui a décrit ces obsèques, où ils ont participé, outre il même, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati et Bronzino.^[31]

Oeuvre escultórica

Premières oeuvres

Entre les ans 1490 et 1492 il a fait ses premiers dessins, études sur les frais gothiques de Masaccio et Giotto; entre les premières sculptures il se croit qu'il a fait une copie d'une Tête de fauno, dans l'actualité disparue.

Les premiers relais ont été la Vierge de l'échelle et La bataille des centauros, conservés dans la Maison Buonarroti de Florence, dans ceux qui déjà y a une claire définition de son style. Il se montre comme le clair héritier de l'art florentino des siècles XIV et XV, à la fois qu'établit un lien un plus direct avec le art classique. Dans le relais de marbre de La bataille des centauros s'a inspiré dans le livre XII de Les Métamorphoses de Ovidio et se montrent les corps nus en pleine fureur du combat, entrelazados en pleine tension, avec une anticipation des rythmes serpenteantes tellement employés par Miguel Ángel dans ses groupes escultóricos.^[32] Ascanio Condivi, Dans sa biographie sur l'artiste, a rapporté lui avoir écouté dire:

...Que lorsqu'il l'a vu à nouveau, il s'a rendu compte jusqu'à quel point s'était mal porté avec la nature au ne suivre son inclination dans l'art de la sculpture, et je juge, par cette oeuvre, tout combien pourrait y avoir arrivé à faire.Erreur de citation : Balise <ref> incorrecte ;

les références sans contenu doivent avoir un nom.
Une autre sculpture de la même époque (vers 1490) est aussi un relais avec thème mariano, la Vierge de l'échelle, que présente un vrai schéma semblé aux de Donatello, mais en laquelle il se montre toute l'énergie de la sculpture de Miguel Ángel, autant dans la forme du traitement des plans de la figure comme dans son contour tellement vigoroso et la anatomía de l'enfant Jesús avec l'insinuation du contrapposto.

Après la mort en 1492 de Lorenzo le Magnifique, et par initiative propre, a réalisé la sculpture d'un Hercule de marbre dans sa maison paternelle; il a choisi ce thème parce que Hercule était, depuis le siècle XIII, un des patrons de Florence. La statue a été achetée par les Strozzi, que l'ont vendus à Giovan Battista Palla, à qui l'a acquis le roi de la France Enrique III et il a été placée dans un jardin de Fontainebleau, où Rubens a fait un dessin avant de sa disparition en 1713. il seulement reste dit dessin et un esbozo conservé dans la maison Buonarroti.^[33]

À suite a demeuré un temps logé dans le convento du Saint Spirito, où réalisait des études d'anatomía avec les cadavres remontants à l'hôpital du convento. Pour le prieur Niccolò ai donné Giovanni j'ai donné Lapo Bichiellini a exécuté un Crucifijo de bois policromada, où a résolu le corps nu de Christ, comme le de un adolescent, sans ressortir la musculature, malgré le fait que le visage semble le de un adulte, avec une mesure desproporcionada à l'égard du corps; la policromía est peinte avec quelques couleurs tenues et avec quelques suavísimas lignes de sang, que réussissent une union parfaite avec la taille de la sculpture. Il a été donné par perdu pendant la dominación française, jusqu'à sa récupération l'an 1962, en le même convento, couvert avec une grosse cape de peinture que le montrait pratiquement irreconocible.^[34]

La Florence gouvernée par Piero de Médici, fils de Lorenzo le Magnifique, ne satisfaisait pas à Miguel Ángel, qu'a voyagé à Bologne en octobre de 1494, où a découvert les plafones en relais de la porte de San Petronio de Jacopo della Quercia, un maître sculpteur du gothique tardif, duquel intégre dans son style les amples plis des vestiduras et le pathétisme de ses personnages. Il a reçu la commission de part de Francesco Aldovrandi, de réaliser trois sculptures pour compléter la sépulture du fondateur du convento de San Domenico Maggiore, appelé Coffre de Saint-Domingue, pour celle qui esculpió un Ange porte candelabro, arrodillado que forme couple avec un autre réalisé par Niccolò dell'Coffre, en plus un San Próculo et un San Petronio, qu'actuellement se conservent dans la Basilique de San Domenico de Bologne. Finies ces oeuvres, dans le terme de peu de plus d'un an, il est revenu à Florence.^[35]

Par ces dates le dominico Girolamo Savonarola réclamait la république teocrática, et avec ses critiques a réussi l'expulsion des Médicis de Florence en 1495. Savonarola Réclamait le tour du art sacro et la destruction de l'art païen. Tous ces sermones ont occasionné des grands doutes en Miguel Ángel, entre la foi et la connaissance, entre le corps et l'esprit, et ils ont fait qu'il se posât si la beauté était péché et si, tel comme disait le moine, s'y avait d'éliminer de l'art la présence du corps humain. En son prédica contre l'absolutisme papal, le 7 février 1497 a organisé dans la place de la Seigneurie, un grand bûcher (Bûcher des vanités), où a ordonné brûler des images, allégresses, instruments musicaux et aussi livres de Boccaccio et Petrarca; à la suite de cette action a reçu la excommunication par part du pape Alejandro VI. L'an suivant Savonarola a répété l'action, par ce que a enfin été arrêté et brûlé dans le bûcher le 23 mai 1498]].^[36]

à Florence, entre 1495 et 1496, il a coupé deux oeuvres perdues: un San Juan Enfant et un Cupido durmiente. Du San Juan ils ne s'ont pas plus nouvelles que les attributions qui se sont allé en faisant en des divers lieux: il s'y a especulado que pourrait être une sculpture qu'il se trouvait en le Kaiser Friedrich Museum de Berlin, ou bien autrui, qu'y a dans la chapelle du Salvador à Úbeda,^[37] ou enfin, autrui qui se trouve sur la porte de la sacristía de San Giovanni dei Fiorentini à Rome.^[38] Du Cupido durmiente, réalisé selon le modèle helenístico plus classique, s'explique qu'il a été enterré pour réussir lui donner une pátina ancienne et le vendre au cardinal de San Giorgio, Raffaele Riario, comme pièce véritable, sans le savoir Miguel Ángel. Plus tard, il a été acheté par César Borgia et offert enfin à Isabel d'Est; il plus avance, en 1632, il a été envoyé à l'Angleterre comme présente pour le roi Carlos I, moment à partir duquel se perd la trace.^[39]

Premier séjour à Rome

[[j'Archive:Michelangelo Bacchus.jpg|thumb|left|Le Bacus du Musée du Bargello, à Florence, (1496-1498).]] Sa sortie vers Rome a eu lieu le 20 juin 1496]]. La première oeuvre qui a réalisé a été un Bacus de mesure naturelle, avec grande semblé à une statue classique, et chargée par le cardinal Riario, qu'en étant rejetée, a été acquise par le banquero Jacopo Galli. il plus avance il a été acheté par Francisco I de Médici et actuellement se conserve dans le musée du Bargello, à Florence.^[40] Ascanio Condivi a été le premier qu'a comparé la statue avec les oeuvres de la Ancienneté classique:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Il est celle-ci clairement première grande oeuvre maîtresse de Miguel Ángel, où se montre la caractéristique soutenue de la sexualité en sa sculpture et où se symbolise l'esprit du hedonismo classique que Savonarola et ses partisans étaient disposés à supprimer de Florence.^[41]

En même temps qu'il réalisait le Bacus, par commission de Jacopo Galli esculpió un Cupido de pied, qu'est passé à appartenir, plus tard, à la collection des Médicis et qu'il aujourd'hui est disparu.Erreur de citation : Balise <ref> incorrecte ; les références sans contenu doivent avoir un nom.

Par l'intermédiaire de dit collectionneur Galli, en 1497 a reçu du cardinal français Jean Bilhères de Lagraulas la commission d'une Piété comme monument pour son mausolée dans la chapelle de Sainte Petronila de l'ancienne basilique de Saint Pierre, et que plus a tard été installée dans la nouvelle construction de Bramante.

L'originalité avec laquelle a traité cette pièce Miguel Ángel se remarque dans la rupture avec le dramatismo avec lequel jusqu'alors se traitait cette iconografía, que toujours montrait la grande douleur de la mère avec le fils mort dans ses bras. Miguel Ángel, pourtant, a réalisé une Vierge, sereine, concentrée et extrêmement jeune, et un Christ qu'il semble qu'il soit dormi et sans des échantillons dans son corps d'y avoir subi aucun martyre: l'artiste a déplacé toute classe de vision douloureuse avec telle de réussir que le spectateur réfléchît devant le grand moment de la mort.^[42] Est l'unique oeuvre de Miguel Ángel qu'a signé: il l'a fait dans le ruban que traverse la poitrine de la Vierge:

MICHAEL. ANGELVS. BONAROTVS. FLORENT[INVS].FACIEBAT

Un Crucifijo de ivoire, daté vers les ans 1496-1497, a été attribué récemment à Miguel Ángel. Cette image se trouve dans le monastère de Montserrat et il représente selon l'historien Anscari M. Mundó, La dernière agonie de Christ, avec la tête inclinée vers la droite, la bouche ouverte et les yeux presque fermés; il est couronné d'épines, de corps jeune avec les bras ouverts, nu, protégé avec un torchon de pureté doblado avec des plis irréguliers que tient un cordón double. Il présente une bonne anatomía très réaliste et montre la blessure à la droite des côtelettes. Il mesure 58,5 cm d'hauteur. Il se croit qu'il a été acquis par l'abbé Marcet dans l'an 1920 pendant un voyage à Rome, en croyant qu'était une oeuvre de Ghiberti. Depuis l'an 1958 se trouve sur l'autel majeur de la basilique de Montserrat.^[43]

Retour à la Toscane

[[j'Archive:David-Michelangelo-detail.png |thumb|220px|Détail du visage du David.]]

Il revient à Florence dans le printemps de 1501, après cinq ans absent de la Toscane. Avec Savonarola mort, à Florence s'était déclaré une nouvelle république gouvernée par un gonfaloniere, Piero Soderini, un admirateur de Miguel Ángel que lui fait un des commissions les plus importantes de sa vie: le David. Il met à sa disposition un grand bloc de marbre abandonné qu'avait été commencé par Agostino j'ai donné Duccio en 1464 et que se trouvait en Sainte Maria du Fiore. Vasari Explique que lorsqu'il a reçu la commission, le gouvernant pensait que le bloc était inservible et lui a demandé qu'il fît tout le possible en lui donner forme. Miguel Ángel a réalisé un modèle en cire et il s'a mis à esculpir dans le même lieu où était placé le bloc sans laisser que personne vît son travail pendant plus de deux ans et moyen, qu'il est allé le temps qu'il a tardé en le finir.^[44]

Il a fait la représentation de la sculpture dans la phase antérieure à la lutte avec Goliath, avec un regard chargé d'incertitude et avec la personificación symbolique de David en défendant la ville de Florence contre ses ennemis. Les florentinos ont vu le David comme symbole victorioso de la démocratie.^[45] Cette oeuvre montre toutes les connaissances et des études du corps humain réussis par Miguel Ángel jusqu'à cette date. La technique employée a été décrite ainsi par Benvenuto Cellini:Modèle:Il cite

il tellement a bientôt été terminée, par conseil d'une commission formée par les artistes Francesco Granacci, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Giuliano donne Sangallo, Andrea Sansovino, Léonard de Vinci et Pietro Perugino, entre autrui, s'a décidé la placer dans la Place de la Seigneurie fasse face à du Palazzo Vecchio.^[46]

Depuis là, en 1873 il s'a déplacé pour une meilleure conservation au musée de la Galleria dell'Accademia, alors que dans la place s'a placé une copie, aussi de marbre.^[47]

Par ces mêmes dates, il fut en train de travailler en le Tondo Taddei, un relais de marbre de 109 cm de diámetro que montre la Vierge avec l'Enfant et san Juan Bautista aussi enfant, placé à la gauche en tenant un oiseau dans ses mains. La figure de Jesús et la part supérieure de la Vierge ils sont finies, mais le reste ne. Le relais a été acquis par Taddeo Taddei, protector du peintre Raffaello Sanzio, et actuellement se conserve en la Royal Academy of Arts de Londres. Un autre grand relais, le Tondo Pitti, aussi de marbre, commencé pour Bartolomeo Pitti, montre la Vierge assise avec Jesús soutenu sur un livre ouvert dessus des genoux de sa mère. Il se trouve dans le musée du Bargello depuis l'an 1873; comme l'antérieur se trouve inacabado.^[48]

Dans l'an 1502, la Seigneurie de Florence lui a chargé un David de bronze pour Pierre de Rohan, mariscal de Gié, qu'était passé par l'Italie avec le cortège de Carlos VIII de la France et il avait fait une sollicitude d'une image du David. Miguel Ángel a commencé au dessiner, mais à cause de son tardanza s'a dû faire appel à la fundición par part du sculpteur Benedetto donne Rovezzano pour finir l'oeuvre. Il s'est postérieurement perdu la trace.^[46]

Vers 1503 il a réalisé, par commission de quelques marchands flamands, les Mouscron, une Vierge avec Enfant pour une chapelle de l'église de Notre Dame de Bruges. Bien que il se peut apprécier le mouvement du vêtement comme dans la Piété du le Vatican, le résultat est différent, surtout par la verticalité de la sculpture. Il est représentée dans un moment d'abandon, où la main droite de la Vierge semble qu'il seulement a la forteresse pour éviter que le livre ne tombez pas et la gauche est en train de tenir suavemente à l'enfant Jesús, en confrontation avec la vitalité de mouvement que démontre l'Enfant.^[49]

Le 24 avril 1503]], le sculpteur a signé le contrat avec les représentants du corps de métier de la laine (Art della Laine), en vertu duquel s'engageait à réaliser douze images des apôtres pour Sainte Maria du Fiore. Il A seulement commencé la de san Mateo, une oeuvre de marbre de 261 cm d'hauteur qu'a laissé inconclusa et que se trouve dans la Galerie de l'Académie de Florence.^[46]

Pour la chapelle des Piccolomini de la cathédrale de Siena, a réalisé entre 1503 et 1504, quatre images, les de san Pablo, san Pedro, san Pie et san Gregorio (ce dernier de responsabilité incertaine), avec une grande richesse de plis en les vestiduras et un bon équilibre entre les ombres et les lumières. Dans la part posterior ils sont seul esbozadas, puisque se esculpieron pour être placées dedans de quelques hornacinas de l'autel réalisé par Andrea Bregno entre 1483 et 1485.^[46]

La tragédie de la sépulture

[[j'Archive:Rome-Basilique San Pietro in Vincoli-Moïse de Michel Ange.jpg|thumb|400px|Part baisse de la sépulture de Juillet II en San Pietro in Vincoli, à Rome, avec les sculptures de Moisés, Raquel et Lía.]] L'an 1505 a été appelé à Rome par le pape Juillet II pour lui proposer la construction de la sépulture papale, que s'y aurait de mettre sous le dôme de la basilique de Saint Pierre du le Vatican. Toute la succession de faits pendant les quarante ans qu'il s'a tardé pour la réalisation de la tombe a été appelée par Ascanio Condivi «la tragédie de la sépulture», comme sera connu dès lors toute la parade d'infortunios de cette oeuvre.

L'artiste a envisagé le sepulcro de Juillet II la grande oeuvre de sa vie. Le premier projet présenté a été un monument isolé de plante rectangular et de forme piramidal étagée de trois appartements, avec une grande quantité de figures escultóricas. Une fois le pape lui a donné l'approbation, Miguel Ángel est passé près huit mois dans les carrières de Carrara en choisissant les blocs de marbre pour l'oeuvre. Par indication de Bramante, Juillet II, a changé d'idée et il a sollicité au sculpteur qu'arrêtât l'exécution du mausolée et il entreprît la de la peinture du tour de la Chapelle Sixtine.

Le 17 avril 1506]] Miguel Ángel, contrariado, a abandonné Rome et il s'a dirigé à Florence, mais à la fin de novembre, après les nombreux appels du Pontífice que lui a menacé avec excomulgarle, s'a réuni avec il à Bologne. Le pape lui a assigné un travail dans cette ville: une colossale statue de bronze du pape Juillet, qu'a été livrée en février de 1508, et il a été installée dans la façade de la Basilique de San Petronio. Cette sculpture a été détrui en décembre de 1511 par rebelles boloñeses.^[50]

En 1513, lorsqu'il a terminé la peinture du tour de la Chapelle Sixtine et Miguel Ángel croyait qu'il déjà pourrait esculpir les marbres du sepulcro, est mort le pape Juillet II et il s'a ajourné l'exécution pendant deux décennies plus.

Ils s'ont réalisés six projets différents et enfin en 1542 le sepulcro a été bâti comme un retable avec seul sept statues, et il s'a installé dans la église de San Pietro in Vincoli et ne dans la basilique du le Vatican.^[51]

La grande sculpture du sepulcro est la figure du Moisés, l'unique des idéées dans le premier projet qu'est arrivé à la fin de l'oeuvre. La statue colossale, avec la terribilitá de son regard, démontre un dynamisme extrême. Il est placée dans le centre de la part inférieure, de sorte que se convertit dans le centre d'attention du projet définitif, avec les statues de Raquel et Lía situées une dans chaque côté. Le reste du monument a été réalisé par ses assistantes.^[52]

Pour le premier projet, avait réalisé pendant les ans 1513-1516 le Esclave moribundo et le Esclave rebelle (tous les deux dans le Musée du Louvre), avec la simbología de représenter les villages païens dans sa reconnaissance de la foi véritable.^[53] Le Esclave moribundo rappelle les images de san Sebastián; le tronc du corps fait une torsión, avec un mouvement contenu vers derrière, que s'accentue avec le bras gauche sur la tête et il se trouve équilibré par le droit que croise le corps sur la poitrine. Il présente aussi un accusé contrapposto.^[42]

Dans le Esclave rebelle, comparé avec les dessins initiaux de Miguel Ángel (gardés en Oxford), s'apprécie la transformation qu'il a fait, obligé par la forme primitiva du bloc de marbre: la jambe droite, que dans le dessin restait moyen cachée, dans la sculpture se voit complètement soutenue dans le bloc; les bras dans le dessin étaient attachés derrière, dans le dos, alors que dans la statue se montrent: le droit, verticalement que monte par le bord du bloc, et le gauche en angle droit vers derrière; enfin, la tête est tournée vers en dessus, dans un clair souvenir de l'expression de la sculpture du Laocoon et ses fils, de dont découverte à Rome, est allé attestation Miguel Ángel.^[42]

Depuis l'an 1520, a continué esculpiendo quatre statues plus de esclaves, avec une mesure une plus grande que le couple antérieur et moins finis dans sa réalisation, avec aspect d'atlantes, connus comme le Jeune esclave, Esclave atlante, Esclave en se réveillant et Esclave barbudo.^[54] Ont demeuré dans l'atelier du sculpteur jusqu'à l'an 1564, lorsque son neveu Leonardo les donó à Cosme I de Médici et ont été placés dans la grotte de Buontalenti du jardin de Bóboli jusqu'à son déplacement définitif, en 1908, à la Galerie de l'Académie de Florence.^[55]

Galleria dell'Accademia, Michelangelo, Prigione 1b.jpg Le Jeune esclave de la Galleria dell'Accademia de Florence, de 256 cm d'hauteur.

Galleria dell'Accademia, Michelangelo, Prigione 2 (Atlante).JPG Esclave atlante de la Galleria dell'Accademia de Florence, de 277 cm d'hauteur.

Galleria dell'Accademia, Michelangelo, Prigione 4.JPG Esclave en se réveillant de la Galleria dell'Accademia de Florence, de 267 cm d'hauteur.

Galleria dell'Accademia, Michelangelo, Prigione 3.JPG Esclave barbudo de la Galleria dell'Accademia de Florence, de 263 cm d'hauteur.

Esculpió La statue du Caractère de la Victoria, qu'entrait dedans du cinquième projet réalisé pour la tombe de Juillet II. Il s'agit d'un groupe escultórico placé dans le Salon du Cinquecento du Palazzo Vecchio, bien que Vasari la liait avec le premier projet, où les Victoires qu'il avait dessinés étaient toutes habillées et, en revanche, seulement depuis le cinquième projet ils se montrent nues; dans ce que il oui coïncide il est qu'il s'agit d'une oeuvre réalisée pour le mausolée du pape.

Par quelques lettres échangées entre Vasari et le neveu de Miguel Ángel, Leonardo, se sait qu'il était dans l'atelier du sculpteur lorsqu'est arrivé son décès en 1564; le neveu était arrivé à proposer la placer dans la tombe de Miguel Ángel; à la fin, a été donada au duc Cosme I de Médici et a été placée en la Palazzo Vecchio. Il s'est dit de cette sculpture qu'est la représentation du victorioso vaincu, l'inévitable victoire de la jeunesse sur la vieillesse, selon Tolnay.

Les tombes des Médici

Le pape Clemente VII, vers l'an 1520, lui a chargé le projet pour les tombes de ses familières Lorenzo le Magnifique, père de León X, et son frère Juliano, (père de Clemente VII), et deux tombes plus pour autres membres de la famille: Juliano II et Lorenzo II, en la sacristía de la basilique de Saint-Laurent de Florence. Le pape lui a proposé quatre sepulcros, un dans chaque mur de la plante cadrée de la sacristía, une Vierge avec Enfant et les images des saints Cosme et Damián, que devaient être placés dans le centre du séjour sur un autel.^[1]

Une fois approuvé le projet, ne s'a pas commencé à réaliser jusqu'à 1524, lorsqu'ils sont arrivé les blocs de marbre de Carrara. Miguel Ángel a appliqué les sculptures au côté de l'architecture des murs; toutes les molduras et corniches accomplissent la fonction d'ombre et lumière et, ils se composent d'un sarcófago curvilíneo sur lesquelles y a deux statues avec la simbología du temps. En la de Lorenzo, le Crépuscule, avec les traits d'un homme que vieillit mais qu'il encore a pleine possession de sa force, lequel a une attitude symétrique à la Aurora, que se trouve à la droite et par dessus de toutes les deux, dedans d'une hornacina, la statue de Lorenzo, neveu de León X, qu'a la tête couverte avec le casque des généraux romanos; son attitude de méditation a fait qu'il aussitôt se lui connût avec le nom de «le pensador».^[2]

Dessus de la tombe de Juliano sont les allégories de la Nuit, que malgré symboliser la mort il annonce la paix suprême et le Jour qu'il montre la tête inacabada d'un homme, en étant très singulier cette représentation d'une personne majeure. Il symbolise l'image de la fatigue de commencer un jour sans le souhaiter. Sur elles la statue de Juliano, frère de León X, avec un grand semblé à la sculpture du Moisés de la tombe de Juillet II; malgré la coraza avec laquelle l'a habillé, il s'apprécie le corps d'un jeune athlète. En définitive, les portraits de ces personnages de la maison Médicis sont plus spirituel que physiques, se montre plus le caractère que ne l'apparence matérielle. Lorsqu'il se lui a dit au sculpteur qu'ils se semblaient peu aux personnes réelles, il a répondu: «Et qui est-ce qui il se rendra compte d'ici à dix siècles?».^[3]

Miguel Ángel a réalisé aussi la sculpture de la Vierge et l'Enfant, qu'est symbole de vie éternelle et il est flanqueada par les statues de san Cosme et san Damián, protectores des Médici, exécutées sur modèle de Buonarroti, respectivement par Giovanni Angelo Montorsoli et Raffaello donne Montelupo. ils ici sont enterrés Lorenzo le Magnifique (premier mecenas de Miguel Ángel) et son frère Juliano.^[4] Ces derniers sepulcros sont resté incomplets, ainsi que les sculptures qui représentent les rivières, que devaient aller dans la part basse des autres tombes déjà réalisées, par la part définitive de Miguel Ángel à Rome, dans l'an 1534 à cause de la situation politique de Florence.^[5]

Pour ces tombes esculpió aussi un Jeune en cuclillas de marbre, que représente un jeune nu, doblado sur soi même; il sûrement voulait représenter les âmes des «ne nés». Il a été une des sculptures que se sont restés en la sacristía l'an 1534, lorsque Miguel Ángel a voyagé à Rome. Cette statue se trouve dans le Musée de l'Hermitage de Saint-Pétersbourg.^[6]

Autres oeuvres escultóricas

Une nouvelle version du Christ de la Minerve, réalisé pour Metello Vari, est conséquence de laquelle il a commencé pendant l'an 1514, et qu'il a été abandonnée à cause des défauts du marbre; dans le contrat de la sculpture se précise qu'il sera «une statue de marbre d'un Christ, de mesure naturelle, nu, avec une croix entre les bras et les symboles de la passion, dans la position que Miguel Ángel juge plus appropriée». L'oeuvre s'a envoyé à Rome en 1521, où a été fini par son assistante Pietro Urbain, lequel a changé la ligne et il lui a donné une terminación très différente de laquelle avait l'habitude de faire Miguel Ángel, qu'il l'avait initialement traitée comme un jeune athlète adolescent et qu'il accoutumait à laisser ses sculptures avec des plans volontairement inacabados. Il a été placée dans l'église de Sainte Maria sopra Minerve à Rome.^[7]

Vers 1530, Baccio Valori, commissaire du pape Clemente VII et nouveau gouverneur de Florence, lui a chargé une statue d'Apolo ou de David. Il se croit qu'en principe Miguel Ángel s'a incliné vers l'exécution d'un David, puisque la forme ronde qui s'apprécie en dessous du pied droit s'envisage un esbozo pour faire la tête de Goliath. La figure, est définitivement consacrée à Apolo, avec l'image du corps qu'évoque la forme d'une femme, traité comme Narciso tombé amoureux de soi même; il montre un clair contrapposto. Il se trouve dans le musée florentino du Bargello.

Le busto de Brutus a été réalisé vers 1539 à Rome et il se trouve aussi en le Bargello. Il a été une commission du cardinal Niccolò Ridolfi, exécuté dans un style ancien, semblé aux bustos romanos des siècles I et II de notre ère; il l'a fini son discípulo Tiberio Calcagni, surtout dans la part des vestiduras. Il a une hauteur de 74 cm sans raconter la peana. Vasari A été le premier qu'a lié son iconografía avec la Ancienneté classique et Tolnay a remarqué des réminiscences d'un busto romano de Caracalla que se trouve dans le Musée Archéologique National de Naples.Erreur de citation : Balise <ref> incorrecte ; les références sans contenu doivent avoir un nom.

La Piété florentina, appel ainsi parce que se trouve en le Duomo de Florence, se croit qu'il a été commencée à partir de l'an 1550. Selon Vasari et Condivi, Miguel Ángel a projeté ce groupe escultórico avec l'idée que le sepultaran à ses pieds, dedans de la basilique de Sainte María la Majeure à Rome. Plus tard, il a abandonné ce désir, par le de être enterré à Florence, et aussi par l'occasion de sa vente, en 1561, à Francesco Bandini, qu'a placé la sculpture dans les jardins romanos de Montecavallo, où a demeuré jusqu'à son déplacement à la basilique de Saint-Laurent de Florence par part de Cosme III en 1674; enfin l'an 1722 s'a placé en Sainte Maria du Fiore et depuis 1960 se trouve dans le musée de la cathédrale.^[8]

Le groupe escultórico de la Piété florentina figure de quatre personnages: le Christ mort qu'est soutenu par la Vierge, María Magdalena et Nicodemo, les traits duquel sont un autorretrato de Miguel Ángel. La structure est piramidal, avec Nicodemo comme vértice, et le Christ se montre comme une figure serpentinata propre du manierismo.^[9] L'an 1555, ne se sait pas exactement, si par accident ou parce que l'oeuvre ne lui semblait pas bien à l'auteur, l'a cassé en des divers morceaux. Il explique Vasari:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

La Piété Palestrina de Florence.

La Piété Rondanini de Milan.

Postérieurement, la Piété florentina, a été restaurée par Tiberio Calcagni, malgré cela encore se peut remarquer quelque desperfecto dans le bras et dans la jambe du Christ.^[10]

Une autre oeuvre sur le même thème et réalisée pendant la même époque (1556) est la Piété Palestrina, un groupe escultórico avec le Christ, la Vierge et María Magdalena, de deux mètres et moyen d'hauteur. Miguel Ángel a employé pour son élaboration un fragment d'une construction romana; dans la part posterior se peut apprécier un morceau de décor ancien d'un arquitrabe romano. Il se trouve inacabada et, après être dans la chapelle du Palazzo Barberini de Palestrina, actuellement se peut voir en la Galeria de l'Académie de Florence.^[11]

Miguel Ángel a commencé aussi la Piété Rondanini, que serait la dernière sculpture en laquelle il travaillerait jusqu'à la veille de sa mort. La religiosité qu'ils montrent ces dernières sculptures est le résultat d'une crise interne de l'auteur. Les images de la Piété Rondanini sont allongées et autant le Christ comme la Vierge se trouvent complètement unis comme si il s'agît d'un seul corps, il s'apprécie une frontalidad dramatique d'origine médiévale. Il l'a laissé, inacabada, comme legs, en 1561, à son fidèle serveur Antonio du Franzese. Il s'a maintenu pendant des siècles dans la cour du Palazzo Rondanini et en 1952 a été acquise par la Mairie de Milan et placée pour son exposé dans le centre civique du Château des Sforza.^[12]

La Piété Rondanini est, de toutes ses sculptures, la plus tragique et mystérieuse. Dans le recensement de sa maison de Rome, se rapporte comme «une autre statue initiée d'un Christ avec une autre figure dessus, ensemble, esbozadas et sans finir».^[13]

Oeuvre picturale

[[j'Archive:Michelangelo Buonarroti 045.jpg|thumb|Saint Enterrement, en la National Gallery de Londres (1500-1501).]]

Saint Enterrement

Le Saint Enterrement, je joins à la Madonna de Manchester ils sont les premières peintures attribuées à Miguel Ángel; le Saint Enterrement s'agit d'une table au tempérez inacabada, datée vers 1500-1501, que se trouve en la National Gallery de Londres. Grâce à quelques documents publiés en 1980, il se sait que pendant son séjour à Rome a reçu la commission de faire un retable pour l'église de Sant'Agostino de cette ville et que l'artiste a rendu le paiement reçu à compte, puisque ne avait pas pu le finir en raison de son retour à Florence en 1501.

Cette table, que pendant beaucoup d'ans s'est douté si appartenait à Miguel Ángel, s'est enfin reconnu comme oeuvre à elle.^[14] Les figures de Christ et san Juan sont celles qui montrent plus force, et sa composition est soberbia; la figure de José d'Arimatea, située derrière Jésus-Christ se peut remarquer une curieux apparence avec la de san José du Tondo Doni.^[15]

Tondo Doni

[[Archive:Michelangelo Buonarroti 046.jpg |thumb|left|Tondo Doni, En les Uffizi de Florence (1504-1505).]]

Le Tondo Doni, connu aussi comme La Sacrée Famille (1504-1505), se trouve aujourd'hui dans la Galerie Uffizi, Florence. Cette peinture au tempère, il l'a peint il arrête Agnolo Doni, comme cadeau de mariages à son épouse Maddalena Strozzi. En premier plan est la Vierge avec l'Enfant et derrière, san José, de grandioses proportions et dinámicamente articulé; ils appellent l'attention les images traitées comme des sculptures dedans d'une disposition circuler de 120 cm de diámetro et avec une composition en forme piramidal des figures principales. La base de la ligne triangular est la marquée par les jambes de la Vierge placée de genoux, avec la tête tournée vers la droite, où se trouve l'Enfant soutenu par san José, avec le corps incliné vers la gauche; cette part supérieure de la peinture je joins avec la ligne qu'ils marquent les bras, il dénote un mouvement en forme d'espiral.^[16]

Séparés par une balaustrada, se trouvent Juan le Bautista et un groupe de ignudi. Cette peinture peut se voir comme la succession des diverses époques dans l'histoire de l'homme: les ignudi représenteraient la civilisation païenne, san Juan et san José l'ère mosaica et la Vierge avec l'Enfant l'ère de la Rédemption, à travers l'incarnation de Jesús. Cette interprétation est soutenue, même dans les têtes esculpidas sur la corniche originale: deux sibilas (représente l'âge païenne), deux prophétesses (représente l'âge mosaica) et la tête de Christ (représente l'ère de la rédemption), avec frisos intermèdes d'animaux, masques de sátiros et l'emblema des Strozzi.

L'artiste a démontré que, avec la peinture était capable de se exprimer avec la même grandiosidad que dans la sculpture; le Tondo Doni, en fait, s'envisage le point de départ pour la naissance du manierismo.^[17]

Tour de la Chapelle Sixtine

[[Archive:The Creation of Adam-1.jpg|thumb|left|400px| Image de Adán dans la scène de La Création d'Adán du tour de la Chapelle Sixtine, dans les Musées Vaticanos.]] Entre mars et avril de 1508, l'artiste a reçu de Juillet II la commission de décorer le tour de la Chapelle Sixtine; en mai a accepté et il a conclu les fraiss quatre ans plus tard, après un solitaire et tenaz travail. Le projet du pape était la représentation des douze apôtres, que Miguel Ángel il a changé par un beaucoup plus ample et complexe. Il a idéé une grandiose structure arquitectónica peinte, inspirée dans la forme réelle du tour. Au thème biblique général du tour, Miguel Ángel a interposé une interprétation neoplatónica avec la représentation de neuf scènes du Génesis, chacune entourée par quatre jeunes nus (ignudi), joins avec douze prophètes et les sibilas. Un peu de plus ils en bas se trouvent les ancêtres de Christ. Toutes ces scènes sont différenciées magistralement par l'intermédiaire de l'imitation d'architectures. Ces images qui s'ont convertis dans le symbole même de l'art du Renaissance.^[18]

Fichier:Vatican-ChapelleSixtine-Plafond.jpg

Tour de la Chapelle Sixtine, vue partielle (1512). Pour Goethe au la contempler il se comprend ce dont il est capable l'homme.

Pour voir le Tour en format panorámico, cliquee avec la souris sur l'image et l'a fait à nouveau successivement sur les nouvelles images qu'apparaîtront. Si revierte et n'augmente pas l'image, revenez à cliquear. Pour déplacer l'image emploie le curseur dans les bords de l'écran.

Il a commencé le travail le jour 10 mai de 1508, en rejetant la collaboration de peintres experts en frais; il a aussi fait enlever les échafaudages qu'il avait placé Bramante et a mis quelques nouveaux dessinés par il. Tandis qu'il travaillait dans son premier frais (Le Diluvio), a eu des problèmes avec la peinture, l'humidité a changé les couleurs et le dessin, il a dû faire appel à Giuliano donne Sangallo pour sa solution et commencer à nouveau; Miguel Ángel a appris à force de souffrance la technicienne du frais, puisque selon Vasari, fallait:

1. REDIRECT Personnel:Notes au piedLa surface peinte dans un jour s'appelle «journée»; la scène de La Création d'Adán, une des plus spectaculaires du tour, s'a réalisé en seize journées.^[19]

L'artiste a aussi été sous la tension des continues discussions avec le pape, les hâtes par finir la peinture et les paiements que ne recevait pas. Enfin, la grande oeuvre de la peinture du tour s'a présenté publiquement le 31 octobre 1512]].^[20]

Jugement Final

Par commission du pape Clemente VII et plus tard confirmé par Pablo III, Miguel Ángel a accepté peindre dans le mur du autel de la Chapelle Sixtine le Jugement Final, ou Jugement Universel, entamé en 1536 et terminé en 1541.

Détail du Jugement Final, avec Jésus-Christ et sa mère, María.

Détail du Jugement Final, avec san Bartolomé en résistant la peau avec le autorretrato de Miguel Ángel.

Le thème se base sur la Apocalypse de san Juan. La part centrale est occupée par un Christ avec geste énergique, que sépare les justes des pecadores, et à son côté a à sa mère María, temerosa par le geste tellement violent de son Fils.^[21] À son autour sont les saints, facilement reconocibles puisque la plupart montrent les attributs de son martyre, entre ceux qui se trouve san Bartolomé, que dans son martyre a été despellejado; ce saint porte pendue dans sa main sa propre peau, où se reconnaît le autorretrato de Miguel Ángel. Juste il en dessous y a un groupe avec des anges avec trompetas, annonciateurs du Jugement. Toutes les scènes sont entourées par une foule de personnages, quelques au côté droit de Christ, ceux qui montent au ciel, et à la gauche les condamnés qui descendent aux ténèbres, quelqu'uns desquels ils se trouvent dessus de la barque de Charon, présente en La Divine comédie de Dante. En les semicírculos de la part supérieure de la peinture murale apparaissent quelques anges avec les symboles de la Passion de Christ, dans un côté la croix où il est mort et en l'autre la colonne où a été flagelado.^[22]

Malgré l'admiration qu'a réveillé cette oeuvre, aussi les protestations par les nus et par les aptitudes des personnages ont été importants, puisque se ont envisagés inmorales. Le maître de cérémonies papale, Biagio donne Cesena, a dit que la peinture était deshonesta, mais un desquels plus critiques contraires a jeté contre les nus, en argumentant qu'il s'y avait de «faire un bûcher avec l'oeuvre», est allé Pietro Aretino. En 1559, il s'a réussi que Daniele donne Volterra, par ordre du pape Pablo IV, couvrît les «hontes» des figures nues, par ce que il serait connu avec le surnom de il Braghettone; le peintre est mort au bout de deux ans, sans y avoir pu compléter son travail.

Après la restauration commencée l'an 1980, les peintures ils luisent à nouveau ainsi qu'il les a réalisé Miguel Ángel.^[23]

Chapelle Paulina

Le Martyre de san Pedro.

La conversion de san Pablo.

Terminé le Jugement Final, le pape Pablo III lui a chargé pour la Chapelle Paulina (qu'avait été bâtie par Antonio donne Sangallo le Jeune), la peinture de deux grands frais dans lesquels Miguel Ángel a travaillé depuis 1542 à 1550: La conversion de san Pablo et Le Martyre de Saint Pierre. Ils ont été divers les motifs qui ont allongé l'exécution de ces oeuvres, entre ils l'incendie de l'an 1544, une maladie de l'artiste que retardó la seconde frais jusqu'à 1546, ainsi que les décès de ses amis Luigi du Riccio en 1546 et plus tard le de Vittoria Colonna en 1549.^[24]

Il semble que le premier frais qui a terminé a été La conversion de san Pablo, qu'est celui qui plus se semble en style au Jugement Final, surtout par l'image du san Pablo, tête en bas avec les bras que visent un au terroir et autrui vers les nuages, qu'ils rappellent le remous des choisis et les condamnés autour de Jesús dans le Jugement. Dans ce frais aussi s'apprécie la partition entre le monde celestial et le terrenal, avec le contraste entre l'objet principal de la part inférieure: le cheval qui regarde vers la droite, et la part supérieure: Jésus-Christ en regardant vers le côté contraire.^[25]

Ce grand dynamisme se trouve beaucoup plus contenu en le suivant frais Le martyre de san Pedro, où s'apprécie le rythme compositivo équilibré, fasse face à du désordre existant dans La conversion de san Pablo. La ligne principale, en diagonal, la représente la croix encore n'izada, et les figures qui décrivent un grand arc de moyen point près le centre. Grâce au mouvement de la tête de san Pedro, Miguel Ángel réussit le point d'attention principale de la scène.^[26]

Crucifixión

En 1540 Vittoria Colonna lui a demandé un petit tableau de la Crucifixión que lui aidât dans ses oraisons privées. Après lui présenter divers bocetos, que se conservent en le British Museum et en Louvre, l'artiste gustoso lui a peint un petit Calvaire en restant Vittoria très complu par l'espiritualidad des figures. Dans ce moment avait seulement représenté Christ, la Vierge, San Juan et quelques angelotes. Vasari Le décrit j'ai pris:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied Bien que il parle d'un dessin, l'artiste a fini en faisant une peinture.^[27]

Il s'a nouvelle aussi sur cette peinture par une lettre de Vittoria à Miguel Ángel:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied En 1547 il est mort Vittoria et tel était l'affection que Miguel Ángel lui professait qu'il a récupéré le tableau et il l'a compris comme María Magdalena embrassée à la croix de Christ et sur les épaules un mouchoir symbole de sa pension de veuve.^[28]

Malgré le fait qu'il s'a perdu le tableau original, nous avons beaucoup de dessins et des copies faites par discípulos de Miguel Ángel. Une de ces copies, que quelques historiens attribuent à Miguel Ángel, se trouve en Espagne en la Concatedral de Sainte María de la Ronde de Logroño.^[29]

Oeuvre arquitectónica

La façade de Saint-Laurent

[[j'Archive:Facciata ai donné Saint-Laurent, ricostruzione 01.JPG|thumb|250px|left|Reconstruction d'une création de Miguel Ángel sur la façade de la Basilique de Saint-Laurent de Florence, par l'intermédiaire d'une projection lumineuse, l'an 2007.]]

La famille Médici avait financé la construction de la basilique de Saint-Laurent de Florence, selon création de Brunelleschi. Commencée en 1420, pendant la visite en 1515 du pape León X la façade était encore sans réaliser avec seulement un cerramiento à base d'oeuvre vue de pierre hachée, et pour l'occasion, se recubrió l'inacabada façade de l'église, avec une construction éphémère réalisée par Jacopo Sansovino et Andrea del Sarto. Le pontífice a décidé alors réaliser un concours pour dite façade, sponsorisé toujours par les Médici. Miguel Ángel a triomphé dans le concours face à des créations de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino et Giuliano donne Sangallo. Il a projeté réaliser un front dans lequel il se représentât toute l'architecture et toute la sculpture de l'Italie, en idéant une façade semblable à un retable contrarreformista mais qu'en réalité était inspiré par les modèles de l'architecture profane, rehaussée avec des nombreuses statues de marbre, bronze et relais. Il a réalisé une maquette en bois fait par Baccio d'Agnolo; comme il n'a pas été de son goût, s'a réalisé une deuxième maquette avec vingt-quatre figures de cire, en base à laquelle il s'a signé le contrat pour sa construction le 19 janvier 1518.^[30]

D'après il a écrit Miguel Ángel, plein d'enthousiasme: «je me suis proposé faire, de cette façade de Saint-Laurent, une oeuvre qui soit le miroir de l'architecture et de la sculpture pour toute l'Italie...» Entre les ans 1518-1519 Miguel Ángel il a révisé les marbres en Carrara, un travail inutile, puisque le pape a proposé que le marbre en dehors du territoire florentino, en les pedreras de Pietrasanta et Serravezza. Avec date 10 mars de 1520, le pape a donné par terminé le contrat,^[31] Lorsque le artiste s'était plaint que le marbre destiné pour la façade s'était en utilisant dans autres oeuvres. La deuxième maquette de bois présenté et réalisé par son assistante Urbaine, se conserve dans la Maison Buonarroti.^[32]

Améliorations du Palais Médici Riccardi

Vers l'an 1517, a effectué quelques oeuvres d'amélioration dans la plante basse du Palais Medici Riccardi, où s'ont fermés les arcs de la loggia (galerie) que s'étaient bâti dans le coin de la Via Longa et la Via de'Gori, avec ce que résultait une architecture une plus fermée et plus compacte du bâtiment. Ils s'ont placés aussi quelques fenêtres que Vasari dénommait inginocchiate (arrodilladas). Dans la Maison Buonarroti se conserve un dessin qu'il a dû servir pour la maquette de ce palais.^[33]

Sacristía Nouvelle

Commencée par commission de León X en 1520, est allé sous le mandat de Clemente VII lorsque se a donné une nouvelle impulsion à la construction de la «Sacristía Nouvelle» en 1523, située dans la Basilique de Saint-Laurent de Florence, destinée à accueillir les tombes des capitaines Juliano, duc de Nemours et Lorenzo, duc d'Urbino, morts faisait peu, et la de les Magnifiques, Lorenzo et son frère Juliano de Médici, dans le côté contraire de la croisière où se trouvait l'ancienne sacristía bâtie par Brunelleschi et décorée par Donatello. La nouvelle construction s'y avait d'adapter à la plante de la précédente, que consistait à deux cadrés de différent large communiqués à travers un arc et avec un dôme; les ménages étaient lisos, encadrés par pilastras et molduras faites en pietra sereine, la pierre grise de la région. Miguel Ángel a agrandi la part centrale, pour pouvoir donner plus espace aux sepulcros et autel.

Dans la création verticale a changé l'architecture du Quattrocento et a placé des fenêtres aveugles sur les portes; les fenêtres je joins au dôme les a fait en forme de trapecio pour réussir une optique d'ascension plus grande. Le dôme est réalisée avec un artesonado de casetones radiales.^[34] Ces casetones se distribuent en cinq hileras de mesure decreciente, qu'imitent, même dans le nombre, aux du Panteón de Rome; ils finissent dans une couronne radiada, où s'entame la lanterne, de délicate forme et parfaite beauté; il est la contribution la plus importante dans l'extérieur de la chapelle. Vue depuis l'extérieur, la réforme de la sacristía de Saint-Laurent réalisée par Miguel Ángel présente un grand dôme avec couverture de tejas, un ensemble de molduras et de grandes baies vitrées qu'avantagent les jeux de lumière et ombre dans l'intérieur. Écarté le premier projet, où l'artiste destinait l'espace central pour les monuments funéraires, ceux-ci ont fini, dans les suivantes créations, déplacés aux murs, où sont resté complètement intégrés dans l'architecture.^[35]

Bibliothèque Laurenciana

Aussi de Clemente VII a été l'idée de bâtir à Florence une bibliothèque pour conserver toute la collection de còdex de la famille Médici, et a raconté pour ce projet avec Buonarroti; le bâtiment finirait en étant connu comme la Bibliothèque Laurenciana, puisqu'avait eu un grand agrandissement de son fond bibliographique par part de Lorenzo le Magnifique à des fins du siècle XV.^[36] À partir de 1523, une fois choisi l'emplacement dedans du convento de la basilique de Saint-Laurent, dans l'appartement supérieur du côté oriental du claustro, ont commencé les projets qu'ils souffriraient un grand nombre de variations. Il fallait organiser des espaces différents pour séparer les livres latins des grecs, et aussi se voulaient répartir les livres rares en des petites salles, mais à la fin il s'a fini en optant pour l'organiser tout dans une grande salle. Ils s'ont centrés les efforts en résoudre le support de la nouvelle structure sur les murs anciens: dans la bibliothèque s'est descendu le niveau du plafond et ils s'ont situés des fenêtres très prochaines tu les unisses aux autres, avec ce que il se réussissait élargir la luminosité; le vestibule s'a dessiné comme lieu de circulation, avec une hauteur supérieure, et ils s'ont ajoutés des fenêtres d'illumination.^[37] En 1533, le pape a donné permission à Miguel Ángel pour que se déplaçât à Rome, avec la condition de que laissât résolu la terminación du décor et l'échelle d'accès du vestibule. Le artesonado de la bibliothèque est réalisé avec des motifs elípticos et romboidales; Buonarroti a aussi dessiné les grands pupitres de lecture. De l'échelle a fait des nombreux créations, et enfin, en 1558, il a envoyé depuis Rome le projet, je joins avec une maquette, à Bartolomeo Ammannati, qu'est allé le chargé par Cosme I de Médici pour bâtir définitivement l'échelle. Ils se conservent plus de trente feuilles de dessins de la Bibliothèque Laurenciana, si bien par la correspondance maintenue pendant son élaboration, se sait qu'ils ont dû d'être beaucoup de plus.^[38]

Bibliothèque medicea laurenziana interne 01.JPG Sale de lecture de la Bibliothèque Laurenciana.

Bibliothèque medicea laurenziana soffitto 02.JPG Détail du artesonado de la salle de lecture.

Bibliothèque medicea laurenziana vestibolo 03.JPG Vestibule de la Bibliothèque Laurenciana.

Bibliothèque medicea laurenziana scalone ai donné michelangelo 02.JPG Échelle de la Bibliothèque Laurenciana.

Place du Capitolio

Après Florence, à Rome il a aussi développé une étape arquitectónica pendant ses deux derniers décennies de vie; ainsi en 1546 il se lui a chargé l'urbanisation de la place du Capitolio ou Campidoglio. Pendant la visite de l'empereur Carlos I, le pape Pablo III, entre les diverses réalisations pour l'ornamento de la ville à l'occasion de ce recibimiento, avait fait déplacer quelques sculptures à la montagne du Capitolio: en 1537 il s'était placé la statue ecuestre de bronze de Cadre Aurelio, symbole de l'autorité imperial et par extension de la continuité entre la Rome imperial et la papale; cette sculpture devait d'être le centre de départ de toute l'urbanisation. Miguel Ángel, pour qu'y eût une vision unitaria, a disposé le Palais des Sénateurs (siège de la mairie) dans le fond de la place, avec quelques escalinatas tangentes à la façade; et delimitada aux côtés par deux palais: le Palazzo dei Conservatorio et l'appelé Palazzo Nouveau bâti ex-novo, les deux convergentes vers l'échelle d'accès au Capitolio. Les bâtiments, actuellement Musées Capitolinos, ont été doués d'un ordre géant avec pilastras corintias dans la façade, corniches et arquitrabes, et projetées divergentes, ne parallèles, de sorte que la place restait en forme de trapecio, pour réussir l'illusion optique de plus de profondeur.^[1]

Le motif employé dans le dallage de la place, s'a dessiné avec une retícula curvilínea inscrite en une elipse centrée en le basamento de la statue de Cadre Aurelio, et divisée en douze sections, que rappelle le symbole usé dans l'ancienneté pour les douze signes du zodiaco, en allusion au dôme celestial. il aussi est une référence à l'architecture chrétienne, avec le symbole des douze apôtres. Le traitement qui a fait Miguel Ángel se semblait au type de schemata médiéval pour coordonner le cycle lunaire avec autres interprétations comme les heures et le zodiaco, en prenant comme exemple pour ces clefs symboliques les du manuscrit du siècle X du De Rerum Natura de San Isidoro de Séville (que traite sur astronomía et géographie).^[2]

Miguel Ángel a conféré à la place une plastique extraordinaire, chargée de fusionner tout l'environnement arquitectónico. Il résulte un espace ouvert, surtout entre les deux palais symétriques, comme si il fût un salon auquel il s'arrive moyennant la grande rampe centrale de montée, la Cordonata Capitolina, avec quelques balaustradas aussi divergentes pour provoquer l'effet visuel unitario avec la place. L'unité totale ne s'a pas réussi jusqu'à assez plus tard avec la construction du Palazzo Nouveau, projeté par Miguel Ángel pour séparer la place de l'église d'Aracoeli. Les façades ont été bâties, dans sa majeure part, une fois mort l'artiste, et bien que ils ne sont pas une fidèle réalisation de ses projets oui que constituent une magnifique composition.^[3]

Palais Farnese

dans la construction du Palais Farnesio, Miguel Ángel a substitué à Antonio donne Sangallo le Jeune, qu'était celui qui dirigeait les oeuvres dans le moment que s'a produit son décès en 1546. Le bâtiment se trouvait en construction au niveau de la deuxième plante.

Buonarroti A fini la façade avant de réaliser les corps latéraux et le posterior, et il a fait élever l'hauteur du deuxième appartement pour les unifier avec la même mesure que les inférieurs. La corniche du bâtiment, que Sangallo avait plus prévu étroite, la substituyó par une autre plus grande et avec des éléments ornamentales, où se mêlent les ordres dórico, jónico, et corintio. Il a changé aussi le rythme de la façade avec la révision de la fenêtre centrale, qu'a doué d'un dintel plus grand avec la prolongation du entablamento, dessus duquel a placé un bouclier géant de plus de trois mètres d'hauteur.

La part posterior de l'oeuvre a été des finis ans plus tard par Giacomo della Porte.^[4]

Basilique de Saint Pierre

Miguel Ángel a été nommé architecte de la basilique de Saint Pierre en 1546 aux 72 ans d'âge, à la mort de Antonio donne Sangallo le Jeune. La construction de la basilique avait été commencée sur l'antérieure paleocristiana, par mandat du pape Juillet II et sous la direction de l'architecte Bramante; à partir du décès de ce dernier, s'a fait charge Raffaello Sanzio, qu'a modifié la plante et il l'a transformé dans une croix latine. Lorsque Miguel Ángel a reçu la commission des oeuvres, il a modifié de nouveau la plante et il est revenu, avec des légères variations, à l'idée originale de Bramante de croix grecque, mais a réduit les quatre coins du cadré pour que les zones les plus petites pussent avoir lumière directe. Il lui correspond en particulier la modification du dôme central à l'égard du projet de Bramante: il a supprimé l'anneau avec colonnes et il lui a donné un profil un plus élevé. Au supprimer les tours, le dôme s'a converti dans l'élément predominante. Il a obtenu permission du pape, devant la vue de ses maquettes, pour demoler part de la construction de Sangallo et, sans changer de forme sustancial l'intérieur, a réussi imposer son style personnel et apporter une grande unité à l'ensemble. La majeure part des oeuvres ils s'ont réalisés entre les ans 1549 et 1558.^[5]

Projet de Bramante pour la plante de Saint Pierre du le Vatican.

Le dôme de Saint Pierre du le Vatican, dessinée par Miguel Ángel.

Projet de Miguel Ángel pour la plante de Saint Pierre du le Vatican.

Avec des légères retouches dans le projet idéé par Miguel Ángel, qu'il a laissé une maquette pour le dôme central réalisée entre les ans 1558 et 1561, s'a réalisé la terminación des oeuvres, 24 ans après sa mort, par les architectes Giacomo della Porte et Domenico Fontana, avec une hauteur de 132 mètres et un diámetro de 42,5 mètres.^[1]

Sainte Maria degli Angeli et dei Martiri

Par concession moyennant une bula du 27 juillet 1561, Pie IV a décidé installer aux cartujanos en les Termas de Dioclétien, préalable sa transformation en église.^[2]Déjà dans l'an 1541 un prêtre siciliano, Antonio du Duca, avait sollicité au pape la création d'une église consacrée au culte des anges, et en 1550 a réussi l'autorisation d'edificar quatorze autels provisoires, sept consacrés aux angeest et autres sept aux martyril est.^[3]Le 5 août 1561 s'a placé la première pierre de l'église et il s'a chargé du projet Miguel Ángel, que, selon Vasari, a proposé:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Les oeuvres ont commencé immédiatement, mais ils ont dû s'arrêter dans l'an 1563 faute de de les fonds économiques. Lorsqu'en 1565 il se convertit en église titulaire (parroquial) avec le nom de Sainte Maria degli Angeli et dei Martiri, s'a chargé la réalisation d'un baldaquino de bronze pour l'autel majeur, selon création de Miguel Ángel, que se trouve actuellement dans le musée de Naples. Pendant les siècles posterior il s'est allé en transformant, en faisant presque imperceptible la création originale.^[4]

Il porte Pia

Le pape Pie IV lui a chargé un projet pour la Porte Pia, l'artiste lui a présenté trois; le pape a choisi le de moindre coût et il s'a commencé la construction en 1561.

La porte s'edificó pendant le procès de rénovation urbanistique réalisée par le pape Pie IV. La nouvelle rue qui venait depuis le Quirinal, s'a nommé Via Pia en honneur du pape; à partir d'a alors poursuivi en ligne ligne droite à travers la Porte Pia, que traverse les murailles de la ville; Miguel Ángel l'a réalisé dans ce tronçon en remplacement d'autrui qu'y avait très prochaine au lieu appelée Nomentana. Il s'a réalisé comme une grande escenografía, dans le point topográfico plus élevé de la muraille, avec la façade vers l'intérieur de la ville, avec ce que s'écartait de l'ancienne tradition d'orienter les portes vers le champ, comme présentation de la ville au visiteur. Les médailles qui s'ont frappés avec motif de la construction de la Porte, oeuvre de Giovanni Federico Bonzagni, montrent comme a été dessinée originariamente. Le projet pour la part externe ne s'a pas pu porter à terme par le décès de Miguel Ángel en 1565 et l'élection d'un nouveau pape, Pie V, avec ce que les oeuvres ils sont resté paralysées et la part extérieure il s'a résolu avec un simple mur et une porte.^[5]

En 1853 Virginio Vespignani a restauré l'attique et, pendant les ans 1861-1868, il s'a bâti la porte extérieure.^[6]

Dessins

Les dessins de Miguel Ángel forment un ensemble très nombreux et important, malgré les bûchers que se sait qu'il a fait quelque fois pour brûler, selon Vasari, «créations, vises et cartons faits de sa main, à fin de que personne il vît les fatigues qu'il était passé et les diverses preuves pour lesquelles il a dû passer son génie jusqu'à apparaître la perfection». Les premiers dessins attribués à l'artiste sont les copies réalisées dans la basilique florentina de la Sainte Croce, du Tribut et la Consécration de Masaccio et le dessin du Alchimiste, d'invention propre (aujourd'hui dans le Musée Britannique), ainsi qu'une copie de Giotto conservée en le Louvre, tous ces du temps de ses études dans le palais de Lorenzo le Magnifique, vers l'an 1490.^[7]

La bataille de Cascina

La technicienne de Miguel Ángel se montre avec toute sa terribilitá dans la commission pour le décor de la salle du Grand Conseil du Palazzo Vecchio. L'an 1503, le nouveau gouvernement républicain, au choisir comme gonfaloniere à Piero Soderini, a décidé peindre au frais dite salle, et à ce effet a chargé à Léonard de Vinci la représentation de La bataille d'Anghiari et, dans le mur de devant, à Miguel Ángel La bataille de Cascina, en faisant face à ainsi aux deux artistes plus grands de l'époque. Miguel Ángel a commencé l'élaboration du carton avec le dessin, comme figure qu'en 1504 déjà y avait reçu deux paiements. Le thème est inspiré dans la chronique de Filippo Villani, que, d'après narre, le 1364, les troupes de Florence ils ont attaqué les de Pise près Cascina et, à cause de la forte chaleur, les soldats se desnudaron pour prendre un bain dans la rivière Arno. À peser que les pisanos ont profité de ce moment pour attaquer, la victoire a été pour les florentinos. Il A ici démontré Miguel Ángel sa grande domination du nu, je joins avec le mouvement dynamique et de création, jusqu'à harasser toutes les possibilités expresivas, avec une grande variété de techniciennes: quelques figures sont contorneadas avec charbon; autrui, avec des traits forts, ils sont esfumadas et illuminées avec yeso. Par exemple, en le Nu de dos de la Maison Buonarroti de Florence, s'apprécient les profils avec des traits gros et les ombres en retícula.^[8]

Comme a dû partir vers Rome appelé par le pape Juillet II, l'artiste n'est pas passé de l'exécution des cartons. Le frais réalisé par Léonard de Vinci dans la salle du Grand Conseil, La bataille d'Anghiari, s'a détrui peu de temps après et il seulement se connaît par une copie de la part centrale réalisée par Rubens. Curieusement, il existe aussi une copie de la part centrale de La bataille de Cascina faite par Bastiano donne Sangallo.

	Copie du dessin de Miguel Ángel, de la part centrale de La bataille de Cascina, oeuvre de Bastiano donne Sangallo.	Copie du dessin de Léonard de Vinci, de la part centrale de La bataille d'Anghiari, faite par Rubens.

L'an 1515, pendant une visite à Florence du pape León X, ils s'ont réalisés des décors par toute la ville basées sur La bataille de Cascina selon le projet de Miguel Ángel; il est probable que le carton fût parti et livré à des différents artistes pour qu'ils le copiassent et ils ainsi ornassent la population pour le recibimiento du pape. Dans le Musée Britannique et dans la collection des Uffizi se conservent des études sur des figures individuelles de cet esbozo de Miguel Ángel. Vasari Décrit l'esbozo complet:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Les fortifications de Florence

[[j'Archive:Study of Fortification for the Porte au Prato of Ognissanti.jpg|thumb|250px|Étude de fortification pour le bastión de la Porte au Prato d'Ognissanti.]]

Après l'expulsion des Médici en 1527 et l'établissement de la nouvelle république à Florence, le 6 avril 1529 Miguel Ángel a été nommé «gouverneur et procurador général des fortifications» et, outre un petit séjour à Venise, a consacré tous ses efforts à l'amélioration des fortifications florentinas. Tous les dessins classés dans la Maison Buonarroti, sont des études pour les bastiones des portes et les angles de la muraille médiévale. Il est spécialement remarcable par son élaboration, le correspondant à l'angle de la Porte au Prato d'Ognissanti, dans la part occidentale de Florence.^[9]

Miguel Ángel a centré sa préoccupation dans l'action défensive et il montre sa grande originalité dans cette classe de dessins qu'ils sont les uniques créations militaires, je joins avec quelque autre de Léonard de Vinci, dans ceux qui ils s'établissent les trajectoires des coups des canons et sa radio d'action. La grande quantité de corps salientes aigus de ses dessins fournissent une maximale portée, puisque les bastiones étaient plus défensifs qu'offensifs. Les idées de l'auteur étaient destinées à ne être acceptées, et en quelqu'uns de ses dessins de la dernière époque il déjà s'apprécie l'élimination de points aveugles, que ne se pouvaient pas protéger, sûrement par quelque critique reçue de part d'experts militaires; ces dernières créations, les plus prochains à ceux que s'ont utilisés postérieurement à l'époque du baroque, ils sont très similaires aux proposés par le ingénieur militaire Vauban dans son oeuvre Manière de Fortier, de l'an 1689.^[10]

Autres dessins

[[j'Archive:Michelangelo Buonarroti - Resurrection (1520-25).jpg|thumb|250px|La Résurrection (1520-1525) de la Royal Collection du Château de Windsor.]] Pour le tour de la Chapelle Sixtine l'artiste a réalisé une série de dessins à façon d'esbozos, où s'avertit les traits du manierismo déjà patent en Miguel Ángel: dedans de cet ensemble ils se comprennent les études sur les nus conservés dans le Musée Britannique de Londres, les études pour la Sibila Líbica, avec des différentes versions, du Metropolitan Museum of Art de New York, diverse études de figures, une sanguina du Christ en le limbo et quelques cuantos dessins sur le thème de la Résurrection.^[11]

À des principes du siècle XV ont surgi en Italie un type de dessins parfaitement finis, pour être donados comme cadeau: Léonard de Vinci, dans le 1500, a fait une série pour les offrir à un mecenas. Miguel Ángel a aussi réalisé quelques séries, qu'il a offert à des jeunes pour lesquels il sentait quelque affection spéciale, mais la grande plupart ils ont été pour les offrir à son jeune estimé Tommaso Cavalieri,^[12] Que Vasari justifiait comme des exercices d'apprentissage:

1. REDIRECT Personnel:Notes au pied

Dans le dessin de La Piété que lui a offert à Vittoria Colonna autour de 1540, la transformation de Miguel Ángel est évidente dans le style. Dans cette oeuvre, la figure de Christ est traitée avec beaucoup de délicatesse, a cherché la simetría organique avec sa mère María en regardant vers le ciel; elle étend les bras moyen en croix vers en dessus, tandis que son Fils il les laisse tomber vers en bas, tout dans une composition symétrique qu'ils renforcent les deux figures latérales de quelques enfants et la croix du fond, qu'il part en deux moitiés égales le carton et qu'il a une inscription enlevée de Chants du Paradis de Dante: «Non ai vu si pensa quanto sangue côte» (Ne se pense pas cuanta sang coûte).^[13]

Ils se conservent des nombreux dessins, surtout à la tiza rouge:

• Étude: Sainte Ana, h. 1505, Musée du Louvre, Paris.
• Tête idéale, dessin à tiza rouge, h. 1533, Musée Ashmolean, Oxford.
• Deux hommes nus en combattant, h. 1545-50, Musée du Louvre, Paris.
• Crucifixión, H. 1550-55, Musée du Louvre, Paris.
• Epifanía, H.1550-53, Musée Britannique, Londres.
• Descendimiento, Dessin à tiza rouge, h. 1555, Musée Ashmolean, Oxford.
• Étude d'un homme nu, réalisé à plume, Musée du Louvre, Paris.
• Études de visages de profil vers la gauche, Étude d'épaule droite, poitrine et part supérieure de bras d'homme et Étude d'un bras droit d'homme. Les trois appartiennent au Musée du Pré, dans celui qui ils ont encaissé en 1931 grâce au legs Fernández-Durán. Les deux derniers, préparatoires pour la Chapelle Sixtine, ont été identifiés comme des oeuvres de Miguel Ángel en 2004.^[14][15]

Oeuvre poétique

Comme poète, Miguel Ángel a laissé quelques trescientas compositions qui occupent un lieu souligné en la lyrique du siècle XVI, où ressort son ton énergique et austero et une continue tension vers une ardente inmediatez expresiva. Tu les formes des métriques qu'ils plus abondent ils sont les sonetos et les madrigalest, bien que il a aussi écrit quelques tercetos. Selon Ascanio Condivi, vers 1503, Buonarroti s'a consacré à la lecture «...Il a été quelque temps sans faire rien dans l'art de la sculpture, pour se donner à la lecture des poètes et oradores en langue vulgaire, et faire sonetos pour sa deleite».^[16]

Sa formation réalisée dans le palais de Lorenzo le Magnifique et basée sur la pensée neoplatónico des humanistas Pioche della Mirandola et Ficino, fait comprendre mieux la poésie de Miguel Ángel,^[17] Par la grande insatisfaction qu'a toujours eu d'il même et avec tout son environnement, par l'idée de «la présence de l'espiritualidad en le matérielle», par son enthousiasme avec l'esthétique et la beauté; avec la poésie, l'artiste a réussi exprimer toutes ses affections affectueux et ses doutes religieux. Les premiers sonetos ont été sur des thèmes liés avec ses travaux artistiques, comme le consacré à la statue de la Nuit dans les tombes des Médici, que disait: «il M'est agréable dormir, et plus être de pierre - tandis que le mal et l'honte dure. ne voir, ne sentir, il est mon ventura; tu ne me réveilles pas, ne; langue douce».^[18]

En revanche, il emploie un ton humorístico et burlesco en les sonetos écrits lorsque travaillait dans la peinture du tour de la Chapelle Sixtine, vers 1510, et dirigés à son ami Giovanni donne Pistoia, où apparaît dans le manuscrit un dessin de l'auteur en lui tombant peinture sur le visage; en le soneto, avait comparé son visage dans un «riche dallage» et il se décrivait à soi même comme un «cadavre de peinture». En suppliant à son ami que le redimiera: «il Défend ton maintenant, Giovanni, ma morte peinture et mon honneur, donc ni celui-ci se trouve en bon lieu, ni je suis peintre».^[19]

Posterior et plus nombreux sont les réalisés pour Tommaso Cavaliere, inspirés en Petrarca, le premier est daté avec date 1532, où traite ouvertement de l'amour et il se peut apprécier jusqu'à ce que point à Miguel Ángel lui consommait la passion par Tommaso: «qu'il s'arrête ce temps, ces heures, et le soleil, la lumière, sur son visage, et il puisse je sentir ton monsieur complet, Monsieur à moi souhaité dès lors dans mon corps j'indigne qu'il t'embrasse».^[20] Les louanges démesurées au jeune s'apprécient aussi dans les lettres qu'il lui dirige, datée le premier de janvier de 1533, Miguel Ángel déclare: Modèle:Il cite Ou en cette autre: «Votre nom me nourrit le coeur et l'âme, et il remplit l'un et l'autre de tellement grande dulzor, que n'assieds pas ni la tristesse ni la crainte de la mort depuis que je lui ai dans la mémoire».^[21]

Les poèmes qu'il a consacré à Vittoria Colonna ont été la plupart de thème religieux, puisque tous les deux avaient des inquiétudes sur le même, et ils se centraient sur le péché et le salut éternel, déjà dans un ton d'angoisse et amertume. En un madrigal décrit à l'amie comme «une véritable messagère entre le ciel et il, une femme divine à celle que implora benevolencia et condescendencia avec telle d'élever sa misère à l'hauteur du chemin tortuoso de la bienaventuranza».^[22]

Le Plus intéressant des poèmes de cette époque est la synthèse qu'il fait Miguel Ángel des théories neoplatónicas et la pratique du christianisme chaviré vers l'esprit. Une fois morte Vittoria, Buonarroti se trouve dans un état, selon Condivi, «que pendant longtemps semblait fou», entre dans une espèce de dérive et il se voit traîné par ses tu obsèdes religieuses; tout ceci lui fait composer une série de poèmes pessimistes où d'une façon radicale il expose son absolue déception de la valeur de l'art.^[23]

La première édition de son oeuvre poétique est de l'an 1623 et il l'a réalisé son neveu, Miguel Ángel le Jeune; il a été très corrigée et il s'a censuré le genre des pronoms masculins.^[24] Cet equívoco a duré jusqu'à l'édition de 1863 chargé de Cessait Guasti, où, à partir des textes originaux, s'a éclairci définitivement le sens de la poésie dirigée à Tommaso Cavalieri.^[25] Entre autrui, les rimas de Miguel Ángel ont été traduites par des auteurs de la taille du filósofo américain, Ralph Waldo Emerson dans le siècle XIX.

Estimation

L'oeuvre de Miguel Ángel, célébrée par ses contemporains comme le point culminante de l'art renacentista, est allé aussi son dramatique constat. Ses sculptures, ses peintures et son architecture, ont été admirées au-delà de toute limite, censées créations supérieures aux des anciens et par dessus de la nature même. Mais Miguel Ángel était encore vif lorsque se a entamé la polémique, entre les passionnés exaltadores de son art et ses détracteurs, que condamnaient la faute de mesure et de naturel, contraponiendo sa force à la grâce et l'élégance de l'art de Rafael. Lodovico Dolce L'an 1557, taxait de monotones les nus de Miguel Ángel en comparaison avec la beauté des oeuvres de Rafael. Il a été critiqué aussi par l'église italienne, pendant la deuxième moitié du six cents, puisque ses oeuvres ils n'étaient tu pas accordes aux nouvelles normes du je Concilie de Trente. Depuis la moitié du siècle XVIII, ils ont été en changeant les critiques jusqu'à arriver à la totale adoration par son art.^[26]

Le caractère profondément religieux de Miguel Ángel, sa géniale tête ils lui ont portés à être censé un mythe ce que lui a porté, comme s'est avant visé, quelques critiques puisque sa domination des techniciennes classiques ont porté à que, dans une certaine mesure, il jouât avec elles et il les dépassât. Sa façon d'être impulsif lui a porté à se consacrer dans sa jeunesse à des manifestations artistiques principalement escultóricas en où l'artiste a une majeure proximité avec son oeuvre, la mène à terme il même, chose qui se perd avec l'architecture que par commission papale accepte en beaucoup d'occasions principalement dans le deuxième tronçon de sa vie. Son conception annonce la prochaine architecture baroque.^[27]

Fichier:Lastjudgement.jpg

Frais du Jugement Final en la Chapelle Sixtine (1541).

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Les frais du tour de la Chapelle Sixtine représentent la vision la plus parfaite de sa croyance neoplatónica, qu'affirmait que la beauté de la figure humaine a un caractère divin; aussi dans cette même croyance se trouve la signification des tombes des Médici, où la zone inférieure symbolise le monde matériel en confrontation de l'architecture illuminée par le dôme de la sacristía Nouvelle, que représente le monde spirituel.^[28]

Comme peintre, a eu profonde influence dans la génération posterior manierista. Tintoret se voit influencé par son dessin, les formes anatomiques des corps et ses torsiones, escorzos et positions forcées.

Son projet de la basilique Vaticana dans laquelle a travaillé pendant presque vingt ans de sa vie il simplifie le projet qu'il a idéé pour la même Bramante, si bien maintient la structure en croix grecque et le grand dôme. Miguel Ángel créait des espaces, fonctions envolventes des éléments principaux surtout le dôme, élément directeur de l'ensemble.

Par ce que se rapporte à la sculpture, sa David a représenté ne déjà un tour à des modèles de la Ancienneté grecolatina mais que, par première fois, se réalisait une oeuvre qu'il les surpassait. Beaucoup de de ses oeuvres ils sont inacabadas (non finito, en italien), mais doit se différencier entre ces dans lesquelles l'auteur, intencionadamente, laissait des parts sans faire, comme les tondi Taddei et Pitti, de ces autres que n'est pas arrivé à finir à cause de de les facteurs externes.

Dans autres arts

La figure de Miguel Ángel a été portée au cinéma dans diverse occasions, en étant la plus fameuse, le film The Agony and the Ecstasy (Le tormento et l'Éxtasis, 1965), dirigée par Carol Reed sur un roman de Irving Stone et jouée le rôle principal par Charlton Heston comme Miguel Ángel et Rex Harrison comme le Pape Juillet II.

En 1982 il s'a donné le nom de 3001 Michelangelo à un asteroide découvert par Edward Bowell.^[29]aussi y a un cráter dans la planète Mercure avec le nom de Michelangelo.^[30]

Dans l'an 1984 a été créé un bande dessinée par Kavin Eastman et Peter Laird, sur quelques Tortues Ninja Mutantes Adolescentes, dans lequel chacune des quatre tortues protagonistes ont été nommés en honneur d'artistes du Renaissance: Donatello, Leonardo, Rafael et Michelangelo, plus avance ils sont passé à diverse séries de dessins d'animation, pour son exhibition par la télévision.^[31]

La RAI Radiotelevisione italienne, a réalisé en 1990, une série-documentaire sur la vie de Miguel Ángel avec le titre de Le Printemps de Michelangelo, inspiré dans le livre Une gare de géants de Vicenzo Labella, cet auteur joins avec Julian Bond ils s'ont chargés du scénario du documentaire qu'a été dirigé par Jerry Londo et joué le rôle principal par l'acteur Mark Frankel.^[32]

Beaucoup de de ses poèmes ils ont été musicados en forme de lied, en étant les plus connus les de Dmitri Shostakóvich, enregistrés par Dietrich Fischer-Dieskau.^[33]

Voyez-vous aussi

Les maîtres avec lesquels il s'a formé:

• Ghirlandaio
• Bertoldo ai donné Giovanni

Maîtres que l'influenciaron:

• Jacopo della Quercia
• Giotto
• Masaccio

Ses mecenas:

• Lorenzo le mois de Juillet
• Magnifique II

Autrui:

• Cinquecento
• Sculpture du Renaissance
• Peinture renacentista

Références

Bibliografía

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Tu raccordes externes

• Wikimedia Commons Héberge contenu multimédia sur Miguel Ángel.Commons

Wikisource

• Wikisource contient tu oeuvres originaux d'ou sur Miguel Ángel.
• Miguel Ángel en Soloarquitectura.com
• Miguel Ángel en Artehistoria.com
• Miguel Ángel en Iespana.Il est
• Miguel Ángel en scultura-italienne.com (En italien)
• Biographie des vies de Vasari édition Torrentina 1560
• Découvert un nouveau autorretrato de Miguel Ángel en le le Vatican. Se trouve dans la récemment restaurée Chapelle Paulina. Échantillon au peintre touché avec un turbante., En El País, 02/07/2009.

arz:مايكلانجلوckb:مایکڵ ئانجێلۆdonne:Michelangelole:Μιχαήλ Άγγελοςj'ai:מיכלאנג'לוallez:Michaelangelo Buonarrotironge-tare:Michelangelesous:Michelangeloj'ai vu:Michelangeloje:Michelangelo