Musique classique

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Le terme musique classique apparaît par première fois

La lagune Ventarrón est une lagune amazonienne placée au nor-ouest du département de La Paz, près le département de Pando, joins au je ris Mère de Dieu, à une hauteur de 185 m et quelques dimensions de 2,32 km de long par 1,44 km de large et une surface de 2,5 km².

La lagune a une côte ou côte de 6,5 kilomètres. dans le dictionnaire Oxford English Dictionary en 1836 et signale les compositions européennes plus soulignées du siècle antérieur. Avec le temps signifie l'opposé à la musique populaire dans le langage courant. Il est le nom habituel de la musique culta, académique, docta et autrui. La musique classique, dans la histoire de la musique et la musicología, est la musique du clasicismo ou période classique (1750-1820). Mais en sens populaire et de grande acceptation en moyen écrit, et il ainsi le ramasse la RAE, est la musique de tradition culta. Les premières lumières sur la tradition européenne se situent environ en 1450, il existe une expression qu'il comprend presque toutes les périodes pour définir son époque de majeure esplendor: période de la pratique commune.

Vers 1950 la composition culta (c'est-à-dire, de vrai de développement que portent à certaine complexité en notation et des instruments) commence à se situer mayormente en dehors de toute la tradition antérieure, moyennant la composition radicalement atonal et disonante et autres tendances opposées.

Transmission par notation

Est une tradition musicale écrite, conservée à travers la notation musicale, divers moyen à la transmission orale ou par des enregistrements. Si il bien y a des différences entre les exécutions particulières une oeuvre de musique classique recherche trascender n'importe quelle interprétation d'elle. L'usage de la notation musicale est un méthode effectif pour transmettre la musique spécialement cultivée, étant donné que la musique écrite contient les indications techniques pour interpréter l'oeuvre. Pourtant, la partitura usualmente ne contient pas des instructions explicites sur comment interpréter l'oeuvre, il écarte de directions de dynamique et tempo; ceci reste à discrétion des ejecutantes, qui sont guidés par son expérience personnelle et sa éducation musicale, sa connaissance du langage de l'oeuvre et le corps accumulé de pratique d'exécution historique.

Origines

La musique culta a surgi en prenant éléments d'autres traditions musicales: la musique de l'Antigua la Grèce et la musique de l'Antigua Rome (surtout par ses contributions théoriques), la musique de l'Église catholique (principalement le chant gregoriano). Les bornes qui ont défini son rhumb, pourtant, est allé la découverte et posterior développement de la polifonía, ainsi que le posterior développement de la harmonie, la révolution musicale connue comme le Ars nova et l'évolution de la notation musicale, outre l'étude de l'esthétique musicale. Avec l'ère des découvertes qu'a commencé dans le siècle XV et posterior colonialismo, la musique classique est arrivé à autres continents et il a souffert une synthèse avec les traditions musicales des nouveaux territoires. Nous trouvons des expressions de la musique classique aux États-Unis (p.ej. Charles Ives), Amérique latine (p.ej. Alberto Ginastera, Heitor Villa-Loups), l'Asie (p.ej. Toru Takemitsu, Tellement Dun), l'Afrique et Océanie, mais que sont reliées à la musique classique de tradition européenne.

Formalisation et contenu

La musique culta cette faite pour être amusée par soi même, à différence d'autres musiques que fonctionnent comme des adjointes à autres formes d'entretenimiento (la musique de cinéma est traitée occasionnellement comme musique classique). Les concerts de musique classique ont l'habitude d'avoir lieu dans une atmosphère relativement solennelle, en s'attendant que le public se maintienne en silence pour éviter distraire la concentration des autres. Les interprètes d'ordinaire habillent formellement, une pratique qui est normalement interprétée comme un geste de respect pour la musique et le public, et les musiciens non plus interactúan directement ou rigolent avec le public. Lectures privées de musique de caméra peuvent avoir lieu en des occasions domestiques plus informelles.

Comme dans les beaux arts, la musique classique il aspire à communiquer une qualité trascendental de l'émotion, qu'exprime quelque chose universelle sur la condition humaine. Si bien l'expression émotionnelle n'est pas une propriété exclusive de la musique classique, cette profonde exploration dans l'émotion permet que la meilleure musique classique obtenez ce que il a été dénommé le "sublime" dans l'art. Beaucoup d'exemples peuvent se citer pour démontrer ceci. Par exemple, la musicalización du poème de Friedrich Schiller Oda à la joie en la Neuvième sinfonía de Beethoven, qu'a l'habitude de se interpréter en des actes d'indépendance nationale ou de célébration, comme cette fameuse occasion en qu'il l'a dirigé Leonard Bernstein pour marquer l'éffondrement du Mur de Berlin, et la tradition japonaise de la toucher pour célébrer le Nouvel an. Pourtant, autres compositeurs, comme Iannis Xenakis, argumentent que l'effet émotionnel de la musique dans les auditeurs est arbitraire et que, donc, la complexité objective ou le contenu d'information de la pièce est le suprême.

Tout au long de l'histoire, les pères ils s'ont assurés de que ses fils allassent instruits dans la musique culta depuis très temprana âge. Un expérience musicale temprana donnait les bases pour une étude serieux posterior. Pour ceux-là que souhaitaient être ejecutantes, n'importe quel instrument est pratiquement impossible d'apprendre à niveau professionnel si, ou au moins un instrument similaire, n'étaient pas appris depuis l'enfance. Quelques pères cherchaient l'enseignement musical par des raisons sociales ou dans un effort par impartirles un utile sens de l'acte-discipline; les leçons semblent montrer aussi un accroissement en le je occupe académique. Quelqu'uns envisagent que la connaissance des oeuvres de la musique classique est part d'une bonne culture générale.

Interprétation

Les compositeurs classiques ils aspirent imbuir à sa musique d'une relation très profonde entre son contenu affectif (émotionnel), et les milieux avec lesquels le remporte. Beaucoup de de les oeuvres classiques plus louées ils font usage du développement musical, le procès pour lequel un germe, idée ou motif musical est répété en des divers contextes, ou changés de telle sorte que l'esprit de l'auditeur conscientemente ou ne compare pas les différentes versions. Les genres classiques de la forme sonata et la fuite emploient rigurosamente formes de développement musical. (Voir aussi Histoire de la forme sonata). Généralement, les oeuvres de musique classique montrent une grande complexité musicale grâce à l'usage que fait le compositeur du développement, modulation (changements de tonalité), variation plutôt que l'exacte répétition, phrases musicales que n'ils toujours ont la même longueur, contrapunto, polifonía et une harmonie sofisticada. En plus, beaucoup d'oeuvres classiques assez longues (de 30 minutes à 3 heures) sont bâties à partir d'hiérarchies d'unités plus petites: les phrases, les périodes, les sections et les mouvements. La analyse schenkeriano est une branche de la musique qu'essaie distinguer ces niveaux structuraux.

Sa transmission écrite, je joins avec la veneración donnée à certaines oeuvres classiques, a porté à l'expectative de que l'ejecutante touchera l'oeuvre de telle façon qu'il réalisera en détail les intentions originales du compositeur. Donc, les déviations des instructions du compositeur parfois sont condamnées comme faillis complètes éthiques. Pendant le siècle XIX, les détails que les compositeurs ils plaçaient en ses partituras ont été en s'accroissant. nous ainsi voyons un opposé je rejette-admiration par les ejecutantes qu'offrent nouvelles "interprétations" de l'oeuvre d'un compositeur, et il n'est pas inconnu qu'un compositeur lui demande à l'interprète une meilleure réalisation de ses intentions originales que celle qui il même a pu remporter. De cette manière, les ejecutantes de musique classique obtiennent souvent des réputations très grandes par sa musicalité, bien que ils mêmes ne composent pas. Une autre conséquence de la primacía de la partitura écrite du compositeur est que la improvisation joue une moindre présence, en marqué contraste avec autres traditions comme le jazz, dans où l'improvisation est basique. L'improvisation en la musique classique était beaucoup plus fréquente dans le Baroque que dans le siècle XIX et siècle XX, et récemment l'interprétation de cette musique par musiciens classiques modernes a été enrichie par le resurgimiento d'anciennes pratiques improvisatorias. Pendant la période classique, Mozart et Beethoven ils improvisaient parfois les cadences de ses concerts pour piano (et ils animaient à autrui à faire le même), mais aussi tendían à donner cadenzas écrites pour qu'autres solistes pussent les user.

Influences de la musique populaire

La musique culta a toujours été influencée par, ou il a pris matérielle, de la musique populaire. Les exemples comprennent musique ocasional, comme l'usage par Brahms de chansons estudiantiles pour la boisson en sa Obertura pour un Festival Académique, genres ejemplificados par le Opéra des trois centavos de Kurt Weill et l'influence du jazz dans la musique de compositeurs de débuts et intervenus du siècle XX, comme Maurice Ravel. Certains compositeurs classiques posmodernos et postminimalistas reconnaissent sa dette avec la musique populaire. il aussi y a beaucoup d'exemples d'influence dans l'autre sens, en comprenant chansons populaires basées sur musique classique, l'usage qui s'a fait du Canon de Pachelbel depuis les ans 1970, le phénomène du musical crossover, dans celui qui les musiciens classiques acquièrent grand succès dans le terrain de la musique populaire (un notable exemple est les séries d'enregistrements "Hooked on Classics" faites par la Orquestal Filarmónica Réelle à des débuts des ans 1980). En fait, il peut s'argumenter que le genre complet de la musique de cinéma peut être envisagée part de cette influence, étant donné que trinque à la musique orquestal à des vastes publics de cinemeros que d'une autre façon n'écouteraient pas semblable musique (cependant, la plupart ils l'écoutent inconscientemente). Compositeurs de musique classique ont fait usage de la musique folclórica (musique créé par des musiciens autodidactas, la plupart d'une pure tradition orale). Quelqu'uns l'ont fait avec une idéologie nationaliste explicite, autrui ils l'ont simplement explosée comme part de son matériel thématique. Voyez-vous: Musique classique et la musique folclórica. Quelques fragments de musique classique sont fréquemment usés comercialmente (c'est-à-dire, dans la publicité ou comme part des bandes sonores de films d'entretenimiento). Dans la publicité télévisuelle, quelques passages orquestales puissants ou rítmicos se sont converti en des clichés, partiularmente le début "Ou Fortune" de Carmina Burana de Carl Orff (pour des effets terroríficos). Autres exemples du même genre le "Dies Irae" du Réquiem de Verdi et sélections Entoure de AaronCopland. Similarmente, Dans les films souvent se fait appel à des passages clichés de musique classique pour représenter le refinamiento ou l'opulencia: probablement les oeuvres les plus écoutées dans cette catégorie il est Eine Kleine Nachtmusik de Mozart.

Instrumentation

La musique classique et la musique populaire ils aussi se distinguent par les instruments qu'utilisent. Les instruments usés dans la pratique commune de la musique classique ont été inventés avant de la moitié du siècle XIX (la plupart beaucoup avant), et codificados dans les siècles XVIII et XIX. Ils consistent aux instruments que nous trouvons dans le orchestre symphonique, je joins à autres peu d'instruments solistes (comme le piano, le clavicémbalo et le organe). Les instruments électroniques, comme la guitare électrique et le violon électrique, ils jouent un papier predominante dans la musique populaire, mais en fait n'ont pas aucun dans la musique classique avant du siècle XX, et ils seulement apparaissent occasionnellement dans la musique classique du siècle XX et siècle XXI. Autant les musiciens populaires comme les classiques ont éprouvé dans les derniers décennies avec des instruments électriques, comme le sintetizador, avec techniciennes électroniques et digitales, comme l'usage de sons sampleados ou générés par computador, et le son d'instruments autres cultures, comme le gamelan. Il est important remarquer que tous les instruments souss n'existaient pas avant du Renaissance. Dans la musique médiévale, les instruments ils étaient divisés en deux catégories: instruments forts pour user en des extérieurs ou dans l'Église, et instruments plus doux pour usage en des intérieurs. Beaucoup de de les instruments qu'ils sont associés aujourd'hui avec la musique populaire ont eu un papier important dans la musique classique ancienne, telles comme la gaita, la vilhuela, la zanfona et autres instruments de vent. D'autre part, la guitare acoustique, associée à la musique populaire, a commencé à gagner preponderancia dans la musique classique tout au long des siècles XIX et XX. La voix humaine est aussi un instrument musical privilégié de la musique classique. Divers genres utilisent les voix, seules ou bien avec accompagnement instrumental: le opéra, la musique chorale et le lied.

Alors que le [[temperamento|temperamento a pareil été gradualmente accepté comme le système d'afinación dans le siècle XVIII, autres types de temperamento, d'origine historique, s'emploient souvent dans la musique de périodes antérieures au Baroque tardif; Le clef bien temperado de Johann Sebastian Bach est utilisé comme référence temporelle pour indiquer le début de ce changement de temperamento. Par exemple, la musique du Renaissance anglais s'accoutume à exécuter avec le temperamento moyen.

Périodes historiques

il Existe un système de division de l'histoire de la composition de la musique classique en des diverses périodes qu'est largement accepté. Les dates sont des généralisations, puisque les périodes se sobreponen uns à autrui. Quelques voix autorisées subdividen les périodes, la date ou le genre. Pourtant, doit se remarquer que ces catégories sont arbitraires; par exemple, l'usage du contrapunto et la fuite, qu'est envisagée une caractéristique du Baroque, a été continué par Mozart, à qui s'envisage un compositeur classique, et par Beethoven, à qui normalement se lui décrit comme au milieu du période classique et romantique; et aussi par Brahms, qui est classé comme romantique. D'accord à ce système, les principales divisions ils sont:

• Musique renacentista: Entre 1450 et 1600, nous trouvons un majeur usage d'instruments, multiples lignes melódicas et l'usage des premiers instruments graves ou bas.

• Musique baroque: Entre 1600 et 1750. Il surgit l'usage de tonalités plus complexes, au lieu de la modalité et le contrapunto. Se popularizan les instruments de clavier (le clavicémbalo et le organe).

• Musique classique: Entre 1730 et 1820, il est allé une ère importante qu'il a établi diverse des normes de composition et structure. La période classique aussi est marqué par la disparition du clavicémbalo et le clavicordio en faveur du nouveau piano, que à partir de ce moment s'a converti dans l'instrument predominante pour l'interprétation en clavier et la composition.

• Musique romantique: Entre 1815 et 1910. Période en que se codificó la pratique, s'a développé le papier de la musique dans la vie culturelle et ils s'ont créés des institutions pour l'enseignement, exécution et conservation des oeuvres musicales.

• Musique moderne: Entre 1905 et 1985. Il a représenté une crise dans les valeurs de la musique classique et son rôle dedans de la vie intellectuelle, et l'extension de la théorie et la technicienne. Quelques théoriques, comme Arnold Schoenberg dans son essai Brahms, le progressif, insistent en que le Modernismo représente une progression logique des tendances dans la composition du siècle XIX. Autrui ils soutiennent un point de vue opposé, qu'indique que le modernismo représente le refus ou la négation du méthode de composition classique.

• Musique du siècle XX: Usé normalement pour décrire l'ample variété de subgéneros posterior au Romantisme employés jusqu'à l'an 2000, en comprenant aux post-romantique, moderne et post-moderne.

• Musique classique contemporaine: Le terme est utilisé parfois pour décrire la musique composée dans les derniers ans du siècle XX jusqu'au présent.

• Le prefijo neo a l'habitude de se employer pour décrire à une composition du siècle XX ou contemporaine écrite dans un genre appartenant à une période antérieure, comme le classique, romantique ou moderne, mais avec un langage moderne. Par exemple, la Sinfonía Classique de Prokofiev - qu'accourt aux modèles de la sinfonía du clasicismo de Haydn - est envisagée une composition neo-classique.

Ce graphique montre une sélection des plus fameux compositeurs classiques:

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Voyez-vous aussi

• Fichier:Musicale remarques.svg Portal:Musique classique Contenu lié avec Musique classique.
• Effet Mozart
• Carl Orff
• Méthode Suzuki
• Terminologie musicale

Tu raccordes externes

• [Http://www.rtve.es/radio/radioclasica/ Radio Classique de Radio Nationale de l'Espagne]
• Radio Classique 970 AM - Université Technologique du Salvador

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