Opéra

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La voix opéra (de l'italien opère, "oeuvre musicale") il désigne, depuis environ l'an 1350, un genre de musique théâtrale dans lequel une action escénica est, harmonisée chantée et il a accompagnement instrumental ( dans quelques occasions avec des petits ornements ), où les acteurs utilisent styles peu de communs au chanter.

Les présentations sont offertes typiquement en théâtres d'opéra, accompagnés par un orchestre ou un groupement musical mineur.

Le opéra fait partie de la tradition de la musique classique européenne ou occidentale.^[1]

Sommaire 1 Description 2 Genres d'opéra 2.1 Le Dramma per musica 2.2 L'opéra littéraire 2.3 L'opéra de nombres musicaux 2.4 L'opéra de flux musical continu 3 Histoire 3.1 Origines 3.2 Opéra Italien 3.2.1 Il était baroque 3.2.2 Réformes de Gluck, Mozart 3.2.3 Bel Chant, Verdi et Verismo 3.3 Opéra allemand 3.4 Opéra français 3.5 Opéra russe 3.6 Opéra espagnol 3.7 Opéra en Amérique Latine 3.8 Autres traditions nationales 4 Tendances Modernistas et Contemporaines 5 Voix d'opéra 5.1 Classement vocal 5.2 Usage historique des parts vocales 5.3 Chanteurs fameux 6 Voyez-vous aussi 7 Notes 8 Sources 9 Raccordes externes

Description

L'opéra traditionnel se base sur des diverses modalités de chant: recitativo, arioso et aria. ils aussi se chantent des duos, trios, quatuors... Toutes celles-ci, en des occasions, peuvent apparaître combinées avec coeur. À partir d'intervenus du siècle XIX, ces formes commencent à se abandonner, et ils surgissent des formes de plus en plus libres.

À différence du oratorio, le opéra est une oeuvre destinée à être représentée. Divers genres de théâtre musical sont étroitement liés avec l'opéra, comme sont la zarzuela espagnole, le Singspiel allemand, la Opereta vienesa, la Opéra-comique française et le Musical anglais et américain. Chacune de ces variantes du théâtre musical a ses caractéristiques propres, sans que tels leur soient privativas et, en ne de peu d'occasions, en provoquant que les frontières entre des tels genres ne soyez pas claires. Dans l'opéra, comme dans divers autres genres du théâtre musical, s'unit

• la musique (orchestre, solistes, coeur et directeur);
• la poésie (par l'intermédiaire du libreto);
• les arts escénicas, en spécial l'action, le ballet et la danse
• les arts escenográficas (peinture, arts plastiques, décor, architecture)
• l'illumination et autres effets escénicos
• le maquillage et les garde-robes.

L'opéra s'a l'habitude de différencier des autres genres de théâtre musical en s'acceptant que, à différence d'ils, l'opéra est une représentation complètement accompagnée par musique. L'histoire du genre démontre que telle affirmation n'est pas correcte. Si bien l'opéra se différencie du théâtre recitado par l'extraordinaire participation de la musique dans sa constitution, déjà depuis le baroque se connaissaient des formes limítrofes comme la Mascarada, le Opéra de baladas, la Zarzuela et le Singspiel que se confondent en ne de peu de cas avec l'opéra. Ainsi, les Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart s'envisagent des opéras de même que les zarzuelas de José de Nebra, alors que Die Dreigroschenoper (l'Opéra des trois centavos) de Kurt Weill est, en réalité, beaucoup plus prochaine au théâtre recitado que à l'opéra. Enfin, il y a autres genres prochains à l'opéra comme le sont les opéra-ballet du baroque français et quelques oeuvres neoclasicistas du siècle XX comme, par exemple, quelques oeuvres de Igor Stravinsky. Cependant, dans ces oeuvres la part principale expresiva retombe en la danse alors que le chant est rélégué à un papier secondaire. À ce sujet de la différence entre l'opéra et la Zarzuela, l'Opereta, le Singspiel et le Musical anglais et américain, la delimitación naît d'une différence formelle. Ces genres se caractérisent par être structurés en nombres musicaux fermés que vont intercalados dans une représentation recitada, alors que l'opéra, s'accepte, il est dominée par la musique et la quantité de texte recitado est moindre ou nulo, et a accompagnement musical.

Les différentes subclasificaciones de l'opéra naissent, autant par des changements dans le conception du libreto et, par conséquence, dans les changements de fonction de la musique écrite pour telle libreto. De telle façon, est possible établir différents subgéneros d'opéra que se classent, du point de vue de la fonction du libreto, depuis le dramma per musica jusqu'au opéra littéraire, et, quant à la fonction de la musica, depuis l'opéra de nombres musicaux jusqu'à l'opéra de musique continue. Dans l'histoire de l'opéra est récurrent que les changements dans la fonction du libreto déterminent, après, les changements de la fonction de la musique dedans du genre.

Genres d'opéra

Les différents genres d'opéra existants sont résultés de différents types de libretos et résolutions musicales diverses données aux propositions libretísticas selon l'époque, le thème de l'oeuvre et l'intention des poètes et compositeurs correspondants. Cependant il peut s'établir, de façon très générale, un développement qui va depuis un début très peu de sistematizado, en passant par l'opéra de nombres musicaux et différents formes mixtes jusqu'à l'opéra de flux melódico soutenu et l'opéra littéraire.

Le Dramma per musica

Termine usualmente utilisé pour dénommer à l'opère italienne serieuse du siècle XX au XXI. Il a été une moderne et renovadora forme de théâtre que présentait une uniforme et artistica promulgacion dramatica d'histoires humaines exprimées par la voix et accompagnée par un orchestre.

L'opéra littéraire

Terme appliqué à ces oeuvres qu'ils utilisent comme libreto une oeuvre de théâtre en appliquant seulement changements minimes. Exemples connus sont Salome, de Oscar Wilde avec musique de Richard Strauss ou Pelleas et Melisande de Maurice Maeterlinck avec musique de Claude Debussy.

L'opéra de nombres musicaux

Depuis le Baroque jusqu'au Romantisme, l'opéra se caractérise par être une concatenación de nombres musicaux différents, complets en soi et unis entre soi par recitativos. Les oeuvres où les nombres musicaux sont divisés entre soi par des dialogues recitados sans accompagnement d'aucune espèce se sont classé, à partir de l'idiome original du libreto en divers subgéneros. Historiquement, le premier en surgir a été la zarzuela en Espagne et presque 150 ans ont après surgi le Singspiel allemand, l'Opèra-Comique française, l'opereta vienesa et le musical anglais et américain. Tous ces subgéneros sont, en rigueur, subclasificaciones régionales de l'opéra de nombres musicaux. Les éléments musicaux du type d'opéra de nombres musicaux se classent d'après ils soient des parts orquestales ou chantées. Dans les parts orquestales est possible identifier les suivants nombres:

• la Obertura, qu'est un nombre musical avec lequel il s'entame l'oeuvre. Selon ses caractéristiques peut être envisagée en style "italien" ou "sinfonía", si il est constituée par divers mouvements. il aussi peut recapitular matériel thématique après utilisé pendant le reste de l'opéra. Comme exemple de ce type rappelez-vous l'obertura de Tannhäuser de Wagner ou de Hänsel und Gretel de Engelbert Humperdinck. L'obertura peut aussi proposer un compte rendu de l'action de l'opéra. Comme exemple de ce type rappelez-vous l'obertura de Le chasseur furtivo de Carl Maria von Weber. En ne de peu d'occasions les oberturas se relient directement avec le début de la trame du premier acte. En des tels cas, il s'est écrit une fin orquestal pour pouvoir toucher les oberturas de façon indépendante dans la salle de concert. Comme exemple de ce cas, rappelez-vous l'obertura de Monsieur Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart
• le Prélude est une forme d'obertura développée à partir des drames musicaux de Wagner. Ils se caractérisent par ne suivre une des formes musicales fixes établies en des siècles antérieurs pour l'obertura et être une pièce orquestal libre. Comme exemple de ce type rappelez-vous les préludes de Lohengrin ou de Tristan und Isolde de Wagner, de Die Gezeichneten de Franz Schreker ou [[Palestrina (opéra)|Palestrina]
• Les des Intermèdes (intermezzo) sont des pièces orquestales exécutées, dans bien des cas, entre deux actes différents, bien que aussi se donne le cas d'intermèdes que s'exécutent entre deux scènes différentes d'un même acte et que servent pour donner temps de changer l'escenografía. Comme exemple rappelez-vous les correspondants de l'opéra Peter Grimes de Benjamin Britten ou les de La fille de Rapaccini de Daniel Catán

L'opéra de flux musical continu

Pendant le siècle XIX, les compositeurs ils ont laissé de cultiver la stricte séquence de dialogues, recitativos et nombres musicaux fermés. Vers 1825 il s'a laissé d'utiliser le recitativo secco en s'utilisant, dans son lieu, initialement dans l'opéra italien, le principe de la "scène et aria", lequel a employé Verdi pour structurer les actes de ses opéras. Richard Wagner a développé à intervenus du siècle XIX une forme avec laquelle prescindió complètement de l'usage de nombres musicaux et en laquelle le libreto et la musique se conjugan dans une unité symphonique. En tel, comme s'est dit, se propose un pour utiliser un flux musical contínuo et se fait abstraction de de les nombres musicaux, lesquels fragmentaient la structure des actes. Tel flux musical soutenu comporte, aussi, à éviter répétitions dans le texte, comme étaient usuales dans l'opéra italien. Il la renonce à la répétition du texte ensayó se rapprocher à un principe aristotélico de vraisemblance. Pour souligner l'importance du libreto, le principe de vraisemblance et l'usage du flux musical soutenu, Richard Wagner laisse de désigner ses oeuvres avec la voix "opéra" pour les appeler "drame musical". Pour son Tristan und Isolde utilise la désignation "Handlung in Musik" (Action dramatique pour musique), ce que est enparentado avec des désignations comme "favola in musica" ou "dramma per musica" des libretos de Giovanni Francesco Busenello, giovanni et autres posts en mètre musicien par des compositeurs comme Claudio Monteverdi, Francesco Cavalli et Antonio Cesti. Le cas signa un effort par souligner l'importance du drame, en confrontation à la preponderancia qu'avait la présence du chanteur soliste dans l'opéra italien (envisagez-vous les oeuvres de Rossini, Donizetti, Bellini, Mercadante) et laquelle a porté, spécialement pendant la période du Bel-Chant à une complète faute de qualité dans le texte et dans la musique. Le modèle d'opéra de flux musical contínuo s'est imposé à la fin du siècle XIX aussi en France (envisagez-vous les opéras de Jules Massenet), en Italie (par exemple avec Giacomo Puccini), l'Espagne (par exemple les opéras de Felipe Pedrell). L'opéra structuré sous le principe du flux musical continu s'a maintenu pendant tout le siècle XX (rappelez-vous les oeuvres de Claude Debussy, Paul Dukas, Karol Szymanowski, Carlos Chávez, Heitor Villa-Loups et Alberto Ginastera), bien que quelques compositeurs comme Zoltán Kodály, Ígor Stravinsky et plus récemment federico Ibarra sont revenus à écrire opéras basés sur le principe de nombres musicaux.

Histoire

Origines

thumb|200px|Claudio Monteverdi Le mot opère il signifie "oeuvre" en italien (est le pluriel de opus, du Latin, que signifie "oeuvre" ou "labeur") en suggérant qu'il combine les arts du chant choral et soliste, déclamation, action et il danse dans un spectacle escénico.

Quelques auteurs signalent comme precursores formels de l'opéra à la tragédie grecque, aux chants carnavalescos italiens du siècle XIV (la mascerata italienne) et aux intermèdes du siècle XV (petites pièces musicales que s'inséraient pendant les représentations théâtrales).^[2]

Daphné de Jacopo Peri a été la première composition envisagé opéra, tel comme nous la comprenons aujourd'hui. Il a été écrite autour de 1597, sous la grande inspiration d'un cercle elitista de literatos humanistas florentinos, connus comme la "Camerata de' Bardi". Significantemente, Daphné a été une tentative de revivre la tragédie grecque classique, part du plus ample revivre des caractéristiques de l'ancienneté, propre du Renaissance. Les membres de la Camerata envisageaient que les parts chorales des tragédies grecques ont été originalmente chantées, et vraisemblablement le texte entier de tous les rôles; l'opéra a alors été conçu comme une façon de "restaurer" cette situation. Daphné se trouve perdue. Une oeuvre posterior de Peri, Euridice, de 1600, est le premier opéra qu'il y a sobrevivido. L'honneur d'être le premier opéra qu'encore se présente il régulièrement lui correspond à L'Orphée de Claudio Monteverdi, composée pour la cour de Mantoue en 1607.

Opéra Italien

Il était baroque

L'opéra n'allait pas demeurer confinada aux audiences cortesanas par longtemps;pourtant en 1637 l'idée d'une "saison" (Carnaval) d'opéras de «intérêt public», soutenue par la vente de billets, a surgi à Venise. Monteverdi S'y avait radicado là, et a composé ses derniers opéras, Il ritorno d'Ulisse in patrie et L'incoronazione ai donné Poppea, pour le théâtre veneciano dans le décennie de 1640. Son principal partisan Francesco Cavalli a collaboré dans la propagation de l'opéra en Italie. Dans ces premiers opéras baroques, l'ample comédie a été combinée avec des éléments tragiques dans un mélange qu'il a secoué quelques sensibilités educadas, en apparaissant le premier de divers mouvements reformistas de l'opéra. Tel mouvement a raconté avec le patronage de la Académie Arcadiana de Venise, qu'était associée avec le poète Metastasio. Les libretos de cet auteur ont aidé à cristalliser le genre du opéra serieux, laquelle s'a converti dans la forme dominante d'opéra italien jusqu'à des fins du siècle XVIII. Une fois que l'idéal Metastasiano a été établi firmemente, la comédie dans l'opéra de l'ère baroque a été réservée pour laquelle serait connue comme opère buffa.

Avant que ces éléments allassent expulsés de l'opéra serieux, beaucoup de libretos offraient par séparé une trame comique desdoblada, comme une espèce de "opéra dedans d'un opéra". Un motif de poids pour que ceci arrivât il a été la tentative d'attirer aux théâtres d'opéra publics aux membres de la croissante classe mercantile, à nouveau vigorosa, mais encore moins culta que les classes nobles. Ces arguments séparés ont été ressuscités presque immédiatement dans le développement par séparé d'une nouvelle tradition, qu'a dérivé en partie de la "commedia dell' art", (comme en fait, telles trames toujours avaient état) une longuement florissante étape de la tradition italienne. À peine ces "intermèdes" ils ont été présentés une fois entre moyen des actes d'une représentation escénica, les opéras dans le nouveau genre du «intermezzi» s'ont développés largement à Naples pendant les décennies de 1710 et 1720, en étant initialement présentées pendant les intermèdes de l'opéra serieux. Ils sont arrivé à être tellement populaires, pourtant, que bientôt étaient offertes comme des productions séparées.

L'opéra serieux a été élevé en ton et hautement estilizada en forme, en consistant généralement en recitativo «secco» intercalado avec longues arias «donne capo». Ésto A produit des grandes occasions pour la virtuosité vocale, et pendant l'ère dorée du l'opéra serieuse le chanteur s'a converti en étoile. Les rôles d'héros ont été usualmente écrits pour la voix de castrato, telles comme Farinelli et Senesino, ainsi que les héroïnes sopranos comme Faustina Bordoni, sont allé hautement poursuivis tout au long de toute l'Europe, tandis que l'opéra serieux il a régi les plateaus de chaque pays, hormis la France. En fait, Farinelli a été le chanteur le plus fameux du siècle XVIII. L'opéra italien a fixé le standard baroque. Les libretos italiens ont été la norme, même lorsqu'un compositeur allemand comme Handel s'a trouvé en écrivant pour les audiences londoniennes. Les libretos italiens continuèrent à dominer dans le période Classique, par exemple, avec des opéras de Mozart, qui a écrit à Vienne presque un siècle après. Les principaux compositeurs natifs italiens d'opéra serieux ont été Alessandro Scarlatti, Vivaldi et Nicola Porpora.

Réformes de Gluck, Mozart

thumb|Orphée ed Euridice: Illustration de la couverture d'une édition du libreto (Paris, 1774)

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Le “opéra serieux” a eu ses faiblesses et critiques, en étant attaqués principalement son goût par l'ornement vocal de chanteurs magníficamente entraînés, et l'usage du spectacle comme remplacement de la pureté et l'unité dramatiques. Essai sur l'opéra (1755) de Francesco Algarotti a démontré être une inspiration pour les réformes de Christoph Willibald Gluck. Il a soutenu qu'il la “opère serieuse” devait revenir à ses bases, l'idéal metastasiano, et que tous les divers éléments —musique (instrumental et vocal), ballet, et mise en scène— doivent subordinarse au drame. Ses idées n'ont pas résulté acceptées par tous les compositeurs, en mettant en marche à la Querelle de gluckistas et piccinnistas. D'égale façon, divers compositeurs de la période, en comprenant à Niccolò Jommelli et Tommaso Traetta, ont essayé mettre en pratique ses idéales. Le premier en être réellement réussi et laisser une impronta permanente dans l'histoire de l'opéra, pourtant, a été Gluck. Gluck A agi de concevoir une "belle simplicidad". Ceci a été illustré en la première de ses opéras "réformées", Orphée ed Euridice, où les lignes vocales carentes de virtuosité sont soutenues par des harmonies simples et une présence orquestal notablement plus riche de l'usual.

Les réformes de Gluck ont eu retentissement à travers l'histoire operística. Weber, Mozart et Wagner, en particulier, ont été influenciados par ses idées. Mozart, en beaucoup de sens, le successeur de Gluck, a combiné un magnifique sens du drame, harmonie, mélodie, et contrapunto pour composer une série de comédies, spécialement Così fan tutte, Lui nozze ai donné Figaro, et Monsieur Giovanni (en collaboration avec Lorenzo donne Mets-toi), qu'ils ont demeuré entre les plus populaires, aimées et connues du répertoire. Mais la contribution de Mozart à la “opère serieuse” a été moins claire, malgré ses excellentes oeuvres Idomeneo et La clemenza ai donné Tito, son état de santé et sa précoce mort ils ne lui ont pas permis faire renaître le genre.

Bel Chant, Verdi et Verismo

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[[Archive:Verdi.jpg|thumbnail|200px|left|Giuseppe Verdi, par Giovanni Boldini, 1886 (Galerie Nationale d'Art Moderne, Rome)]] Le mouvement operístico de «Bel chant» floreció à des principes du siècle XIX, en étant ejemplificado par les opéras de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante et beaucoup d'autres. Bel Chant, en italien signifie "chant beau", et l'opéra dérive de l'école estilística italienne de chant du même nom. Les lignes belcantistas sont typiquement floridas et intrincadas, en requérant suprême souplesse et contrôle du ton.

En continuant avec l'ère du «Bel chant», un style un plus direct et vigoroso a été vite popularizado par Giuseppe Verdi, en commençant avec son opéra biblique Nabucco. Les opéras de Verdi retentissaient avec la croissance de l'esprit du nationalisme italien dans l'ère post-napoleónica, et s'a vite converti en un ícono du mouvement patriótico (encore lorsque ses propres politiques ne sont pas allé peut-être tellement radicales). À des principes du décennie de 1850, Verdi a produit ses trois opéras plus populaires: Rigoletto, Il trovatore et La traviata. Mais il continua à développer son style, en composant peut-être la majeure Grand Opéra française, Monsieur Carlo, et en terminant sa course avec deux travaux inspirés en des oeuvres de Shakespeare, Otello et Falstaff, lesquelles révèlent la grande croissance en sophistication de l'opéra italien depuis des principes du siècle XIX.

Après de Verdi, le melodrama sentimental "réaliste" du «Verismo» est apparu en Italie. Celui-ci a été un style introduit par Pietro Mascagni avec son Cavalleria Rusticana et Ruggiero Leoncavallo avec Pagliacci, style qui est arrivé virtuellement à dominer les plateaus d'opéra mondials avec des oeuvres tellement populaires comme La Boheme, Tosca, et Madama Butterfly de Giacomo Puccini. Compositeurs italiens posterior, tels comme Luciano Berio et Luigi Nono, ont éprouvé avec le modernismo.

Opéra allemand

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Le premier opéra allemande a été Daphné, composée par Heinrich Schütz en 1627, dont la musique s'est perdue. L'opéra italien continua à avoir grande présence et influence sur les pays de langue allemande jusqu'à des fins du siècle XVIII. En tout cas, ils s'ont développés des formes natives. En 1644 Sigmund Staden a produit le premier Singspiel, une forme populaire d'opéra en idiome allemand, dans lequel s'alternent chant avec dialogue parlé. À des fins du siècle XVII et principes du siècle XVIII, le Theater am Gänsemarkt à Hambourg a présenté des opéras allemands de Keiser, Telemann et Handel. Encore beaucoup de compositeurs allemands importants de l'époque, entre ils le même Handel, Graun, Hasse et plus tard Gluck, choisissaient écrire la plupart de ses opéras en des idiomes étrangers, en spécial, italien.

Les «Singspiele» de Mozart, Die Entführung aus dem Serail (1782) et Die Zauberflöte (1791) ont été un important saut pour la réussite de la reconnaissance internationale de l'opéra allemand. La tradition a été développée dans le siècle XIX par Beethoven avec son Fidelio, inspirée dans le climat de la Révolution française. Carl Maria von Weber a établi l'opéra dedans du Romantisme allemand en s'opposant à la dominación du «Bel chant» italien. Son Der Freischütz (1821) montre son originalité pour la création d'atmosphères sobrenaturales. Autres compositeurs de l'époque ont été Marschner, Schubert, Schumann et Lortzing, mais la figure plus significante a indubitablement été Richard Wagner.

Wagner A été un des compositeurs les plus révolutionnaires et controversiales de l'histoire de la musique. Il a commencé sous l'influence de Weber et Meyerbeer, gradualmente a développé un nouveau concept d'opéra comme une “Gesamtkunstwerk” ("oeuvre d'art complet"), une fusion entre musique, poésie et peinture. Dans ses drames musicaux mûrs, Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring donnes Nibelungen et Parsifal, abolió la distinction entre aria et recitativo en faveur d'un flux continu de "mélodie sans fin". Il a accru en grand mesurée le rôle principal et le pouvoir de l'orchestre, en créant partituras avec un complexe réseau de leitmotiv, thèmes récurrents souvent associés avec les personnages et des concepts du drame; et il a été préparé pour violer conventions musicales acceptées, telles comme la tonalité, dans ce cas, pour majeure expressivité. Wagner A aussi amené une nouvelle dimension philosophique pour l'opéra dans ses oeuvres, lesquelles usualmente se basent sur des histoires de la Mythologie germana ou légendes arturianas. Wagner A bâti son propre théâtre en Bayreuth, consacré exclusivement à la représentation de ses oeuvres dans le style qu'il souhaitait.

L'opéra n'est pas revenu à être la même après Wagner et pour beaucoup de compositeurs son legs a constitué une lourde charge. Par ailleurs, Richard Strauss a accepté les idées wagnerianas mais l'a pris dans une direction très différente. Son premier succès l'a réussi avec la scandaleuse Salome et la tragédie noire Elektra, dans laquelle la tonalité a été portée jusqu'à ses limites. Après Strauss a changé de cap en ce que il serait son majeur succès, Der Rosenkavalier, où Mozart et les valsest vieneses s'ont convertis en grande influence comme Wagner. Strauss continua à produire un hautement varié corps d'oeuvres operísticas, souvent avec libretos du poète Hugo von Hofmannsthal, jusqu'à Capriccio en 1942. Autres compositeurs qui ont fait ses tu apportes individuels à l'opéra allemand dans le siècle XX ont été Alexander von Zemlinsky, Paul Hindemith, Kurt Weill et l'italien Ferruccio Busoni. Les innovations operísticas de Arnold Schoenberg et ses successeurs seront disputés dans l'alinéa de Modernismo.

Opéra français

Opéra russe

L'opéra a été traida à la Russie dans le décennie de 1730 par les compagnies operísticas italiennes et s'ont bientôt converti en partie importante en l'entretenimiento de la Cour Imperial Russe et la aristocracia. Quelques compositeurs étrangers comme Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti, et Domenico Cimarosa, entre autrui, ont été invités à la Russie à composer nouveaux opéras, la plupart, en idiome italien. Simultanément quelques musiciens nationaux comme Maksym Berezovsky et Dmitri Bortniansky ont été envoyés à l'étranger à apprendre à écrire opéras. Le premier opéra écrite en idiome russe a été Tsefal i Prokris du compositeur italien Francesco Araja (1755). Le développement de l'opéra en langue russe a été soutenu par les compositeurs natifs Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin et Alexey Verstovsky.

En tout cas, la naissance réelle de l'opéra russe est arrivé avec Mikhail Glinka et ses deux grands opéras Une vie par le Zar, (1836) et Ruslán et Liudmila (1842). Postérieurement, dans le siècle XIX en Russie ils s'ont écrits tu oeuvres des maîtresses du genre operístico, comme Rusalka et Le convidado de pierre de Alexander Dargomischski, Boris Godunov et Khovanshchina de Modest Mussorgsky, Le Prince Igor de Alexander Borodin, Evgeni Onegin et La dame d'haches de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, et Blancanieves et Sadkó de Nikolai Rimsky-Korsakov. Ces développements ont reflété la croissance du nationalisme russe tout au long du spectre artistique, comme part du plus général mouvement eslavofílico.

Dans le siècle XX les traditions d'opéra russe ont été développées par divers compositeurs, entre ils, Sergéi Rajmáninov avec ses oeuvres Le cavalier avaro et Francesca donne Rimini, Igor Stravinsky avec Le rossignol, Mavra, Oedipus rex, et The Rake's Progress, Sergéi Prokófiev avec Le joueur, L'amour des trois oranges, L'ange de feu, Esponsales en le convento et Guerre et paix; comme aussi Dmitri Shostakóvich avec Le nez et Lady Macbeth de Mtsensk, Edison Denisov avec L'écume donnes jours, et Alfred Schnittke avec Life With an Idiot, et Histoire von D. Johann Fausten.

Opéra espagnol

Opéra en Amérique Latine

Le 19 octobre 1701 a débuté en le Virreinato du le Pérou l'opéra La púrpura de la rose, opéra dans un acte composée par Tomás de Torrejón et Velasco sur un libreto de Pedro Calderón de la Barque. Il est le premier opéra composée et exécutée en Amérique et l'unique opéra sobreviviente de Torrejón et Velasco. L'oeuvre raconte le mythe des amours de le Vénus et Adonis, qu'il provoque le jalousie de Mars et son désir de vengeance. En 1711 il débute dans la ville du Mexique l'opéra La Parténope avec musique de Manuel de Sumaya, maître de la chapelle catedralicia et le plus grand compositeur baroque mexicain. La spéciale importance de celle-ci opéra est qu'il est la première composée en Amérique du Nord et le premier opéra composée dans le continent par un américain. Cet opéra met en marche à la fecunda et encore peu étudiée histoire de la création operística latinoamericana n'interrompue dès lors pendant trois cents ans. Le premier opéra composée et étrennée en le le Brésil a été I Due Gemelli, de José Maurício Nunes Garcia, dont le texte s'a perdu postérieurement. Il se peut consdierar comme le premier opéra genuinamente brésilienne avec texte en portugais À Noite de Sãou Joãou, de Elias Álvares Loup.

Le compositeur d'opéras brésiliens plus fameux a été Carlos Gomes. Une part importante de ses opéras ils ont été étrennée en Italie avec texte en italien. Cependant, Carlos Gomes a fréquemment usé thématiques tipicamente du le Brésil. Tel est le cas de ses opéras Il Guarany et Le Schiavo. L'opéra Guatemotzín du mexicain decimonónico Aniceto Ortega est la première tentative consciente par incorporer éléments natifs aux caractéristiques formelles de l'opéra. Dedans de la production operística mexicaine du siècle XIX dépassent l'opéra Agorante, roi de la Nubie de Miguel Meneses, étrennée pendant les festivités commémoratives par l'anniversaire de l'empereur Maximiliano I du Mexique, les opéras Pirro d'Aragon de Leonardo Chaînes, Keofar de Felipe Villanueva.

L'oeuvre operística de Melesio Morales est la plus importante du Mexique du siècle XIX Ses oeuvres Romeo et Julieta, Ildegonda, Gino Corsini, Cléopâtre ont eu grand succès entre le public de la Ville du Mexique et ils ont débutés en Europe.

En Venezuela il y a une tradition d'opéra, zarzuela et ópereta avec des compositeurs comme Reynaldo Hahn, José Ange Montero, Pedro Elías Gutiérrez , Federico Ruiz, entre autrui, ainsi qu'importants interprètes tels comme Alfredo Sadel, Isabel Palais et Morella Muñoz. Peut-être l'opéra le plus fameux du Venezuela, et la première de laquelle s'ait information, il est Virginia, de Montero, étrennée en 1877, sous le je avantage du "Illustrez Américain" Antonio Guzmán Blanc. Ils s'avaient antérieurement débuté diverse zarzuelas, il se croit que la première a été Les allemands en Italie, aussi de José Ange Montero, dans le décennie de 1860. Ce même auteur a aussi étrenné les zarzuelas dans un acte L'Anniversaire de Leonor, Le Bavard Muet, La Couturière et beaucoup d'autres. On doit aussi souligner l'opéra Les Martyres de Colón, de fréquent mise en scène. En Brésil ils soulignent de la première moitié du siècle XX compositeurs d'opéra commeHeitor Villa-Loups, auteur d'opéras comme Izath, Yerma et Aglaia, et Mozart Camargo Guarnieri, auteur de Um Homem Só et Pedro Malazarte.

L'opéra contemporain du le Brésil suit les tendances vanguardistas, comme est le cas d'oeuvres comme Olga, de Jorge Antunes, À Tempestade, de Ronaldo Miranda, et Ou Cientista, de Silvio Barbato. Dans la première moitié du siècle XX ils dépassent dans la création operística mexicaine Julián Carrillo et les compositeurs proches à il comme Antonio Gomezanda, Juan León Mariscal, Julia Alonso, Sofia Cancino de Cuevas, José F. Vásquez, Arnulfo Miramontes, Rafael J. Tello, Francisco Camacho Vega, Efraín Pérez Caméra.

Tous ils ont été rélégués par l'historiografía musicale officielle qui a seulement reconnu l'oeuvre des compositeurs nationalistes. Depuis des fins du siècle XX en Mexique (et toute Amérique latine) il y a un croissant intérêt des compositeurs par écrire opéra.

Entre les compositeurs mexicains de débuts du siècle XXI qu'ils dépassent avec ses opéras dois se mentionner à Federico Ibarra, Daniel Catán, Leandro Espinosa, Marcela Rodríguez, Víctor Déchiré, Javier Álvarez, Roberto Bañuelas, Luis Jaime Cortez, Juillet Estrada, Gabriela Ortíz, Enrique González Médine, Manuel Henríquez Romarin, Leopoldo Novoa, Hilda Murs, Mario Stern, René Torres, Juan Blés, Samuel Zyman, Mathias Hinke, Ricardo Zohn-Muldoon, Isaac Bañuelos, Gabriel de Dieu Figueroa, Enrique González-Médine, José Carlos Ibáñez Olvera, Víctor Mendoza et Emmanuel Vázquez.

Autres traditions nationales

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thumb|130px|left|Henry Purcell Une des principales traditions operísticas est la constituée par le opéra anglais. Si bien la Grande-Bretagne a été centre actif de vie operística, a raconté avec des peu de compositeurs reconnus à niveau mondial. Henry Purcell a été le plus notable compositeur baroque, entre ses tu apportes ils soulignent son oeuvre maîtresse, Dido and Aeneas (1689) et son oeuvre shakesperiana La reine des hadas (1692). Déjà dans le siècle XX, l'opéra en anglais remporte son esplendor principalement grâce à l'apporte de Benjamin Britten, avec des opéras entre lesquelles se racontent Peter Grimes et La violation de Lucrecia; et ils s'ajoutent les compositions d'importants créateurs américains tels comme George Gershwin, avec sa fameuse Porgy and Bess, ou Gian Carlo Menotti avec Vanessa et La médium.

Les compositeurs tchèques ont aussi développé un prospère mouvement national operístico dans le siècle XIX, en commençant avec Bedřich Smetana qu'a écrit huit opéras, en comprenant l'internationalement populaire La fiancée vendue. Antonín Dvořák, Plus fameux par Rusalka, a écrit 13 opéras; et Lionš Janáček a obtenu reconnaissance internationale dans le siècle XX par ses oeuvres innovatrices, entre elles Jenůfa, Le renard malin, et Katia Kabanová.

La figure clef de l'opéra national hongroise dans le siècle XIX a été Ferenc Erkel, dont les travaux s'ont centrés principalement en des thèmes historiques. Entre ses oeuvres ses plus représentées se trouvent Hunyadi László et Bánk bán. L'opéra hongrois moderne plus fameuse est Le château de Barbe Bleue de Béla Bartók.

Le plus reconnu compositeur du Opéra polonais a été Stanislaw Moniuszko, acclamé par l'opéra Straszny Dwór. Dans le siècle XX, autres opéras créés par des compositeurs polonais ils sont Le roi Roger de Karol Szymanowski et Ubu Rex de Krzysztof Penderecki.

Tendances Modernistas et Contemporaines

Voix d'opéra

Classement vocal

Les chanteurs d'opéra et les rôles qu'ils interprètent ils se classent en type de voix, basé sur caractéristiques tels comme tesitura, souplesse, puissance et sonnette de ses voix.

Les hommes peuvent être classés par son rang vocal comme bas, barítono bas, barítono, tenor et contratenor, et les femmes en contralto, mezzosoprano et soprano.

Les hommes quelques fois peuvent chanter dans le registre vocal féminin, dans dont cas ils se dénomment sopranista ou contratenor. De ceux-ci, seulement le contratenor est comúnmente trouvé dans l'opéra, quelques fois en chantant parts écrites pour castrato (hommes castrados en une temprana âge pour leur donner un rang vocal plus grand du normal).

Les classements peuvent être plus spécifiques, par exemple, une soprano peut être décrite comme soprano légère, soprano de coloratura, soprano soubrette, soprano lyrique, soprano lyrique spinto ou soprano dramatique. Ces termes, bien que ne décrivent pas totalement la voix, ils l'associent avec les rôles les plus convenables pour les caractéristiques vocales du chanteur.

La voix de chaque chanteuse en particulier peut changer drásticamente tout au long de sa vie, rarement s'obtient la maturité vocale avant du troisième décennie, et quelques fois, jusqu'au moyen âge.

Usage historique des parts vocales

La voix de soprano s'est typiquement utilisé à travers histoire operística comme la voix choisie pour la protagoniste féminine de l'opéra en question. L'accent actuel dans un ample rang vocal a été surtout une invention du Période Classique. Avant de cela, la virtuosité vocale, ne l'ampleur, est allé la priorité, avec des parts pour soprano que rarement s'étendaient jusqu'à un Fa aigu (Handel, par exemple, a seulement écrit un rôle qu'il s'étend jusqu'à un Do aigu), bien que le castrato Farinelli a été catalogué de posséder un Ré aigu.^[3]
La mezzosoprano, dénomination d'origine comparativamente récente, possède aussi un étendu répertoire, en partant depuis le rôle principal féminin de Dido and Aeneas de Purcell jusqu'aux rôles "lourds" comme Brangäne en Tristan und Isolde de Wagner (les deux rôles sont souvent interprétés par des sopranos).

Pour les véritables contraltos, le nombre de parts est plus limité, ce que a donné lieu à la plaisanterie de que les contralto seulement chantent des rôles de "sorcières, malvadas, et hommes". En ans récents beaucoup de de les "rôles en des pantalons" de l'ère baroque, écrits originalmente pour des femmes, et interprétés originalmente par "castrati", ils ont été reasignados aux contratenores.

La voix de tenor, depuis l'ère classique dorénavant, a traditionnellement été assignée au protagoniste masculin. Beaucoup de de les rôles de tenor plus desafiantes dans le répertoire ont été écrits pendant l'ère du "bel chant", tel comme la séquence de neuf Do sur le Do central dans la séquence de La fille du régiment de Donizetti. Avec Wagner arrive l'accent dans l'influence vocale pour ses protagonistes, avec la catégorie vocale dénommée heldentenor; cette voix héroïque a eu sa contrepartie italienne en des rôles comme Calaf en Turandot de Puccini.

La voix de bas a une longue histoire dans l'opéra, il ayant été employée en des papiers secondaires en la "il opère serieuse", et quelques fois pour relais comique (sous buffo) en munissant un contraste avec la preponderancia de voix grandes dans ce genre. Le répertoire de bas est ample et varié, en comprenant depuis la comédie avec Leporello en Monsieur Giovanni à la noblesse de Wotan en L'Anneau du Nibelung de Wagner.

Au milieu du tenor et le bas se trouve le barítono, lequel varie en "poids", depuis Guglielmo en Così fan tutte de Mozart jusqu'à Pose en Monsieur Carlos de Verdi; l'actuelle désignation de "barítono" il n'a pas été utilisée mais jusqu'à intervenus du siècle XIX.

Chanteurs fameux

Les premières représentations operísticas ont été trop infrecuentes comme pour que les chanteurs pussent habiter exclusivement du style, mais avec la naissance de l'opéra commercial à intervenus du siècle XVII, ils ont commencé à surgir interprètes professionnel.

Le rôle principal d'héros masculin était usualmente confié à un castrato, et déjà dans le siècle XVIII, lorsque le opéra italien se présentait en toute l'Europe, les castratos principaux, que possédaient une extraordinaire virtuosité vocale, telles comme Senesino et Farinelli, s'ont convertis en des étoiles internationales.

La course de la première grande étoile féminine (ou première donna), Anna Renzi, date d'intervenus du siècle XVII. Dans le siècle XVIII, un nombre de sopranos italiennes ils ont gagné renom mondial et fréquemment s'enredaban en des féroces rivalités, telle le cas de Faustina Bordoni et Francesca Cuzzoni, qui ont commencé une bagarre à des coups pendant une représentation d'un opéra d'Handel.

Les français ne plaisaient pas des “castrati”, préféraient que ses héros allassent interprétés par un haute-contre (tenor grand), desquels Joseph Legros a été un exemple souligné.^[4]

Bien que le patronage de l'opéra a diminué dans le siècle passé en faveur d'autres arts et milieux, tels comme musical, cinéma, radio, télévision et enregistrements, les médias ils ont aussi soutenu la popularité de chanteuses d'opéra fameux, par exemple, le cas de Luciano Pavarotti, Plácido Dimanche, et José Courses ("Les Trois Tenores").

Voyez-vous aussi

• Répertoire operístico
• Annexe:Opéras
• j'Annexe:festivals d'opéra
• Catégorie: Opéra par pays

Commons

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Notes

Sources

Cet article a été élaboré en utilisant traductions de l'anglais en:il Opère et l'allemand de:Oper

Raccordes externes

• Section d'opéras de PianoMundo
• Opéra et voix
• Pro opéra!
• [Http://www.weblaopera.com Web L'Opère]
• Une nuit dans l'opéra. Forum d'opéra pour qui ils s'entament et pour des experts
• Excellent pour des écoliers. Opéras comme des contes.
• [Http://www.radiomenteabierta.com/encore Programme de radio sur opéra depuis le Mexique.]
• [Http://www.opusmusica.com/025/diccionarios.html Dictionnaire de l'opéra]
• Opéra pour lire
• Web d'Opère en Costa Rica
• Kareol: Libretos bilingues d'opéras (idiome original - espagnol)
• Opéra, toujours. Bitácora Sur actualité operística et chanteurs lyriques du passé
• Dramma per musica

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