Peinture gothique
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La peinture gothique, une des expressions du art gothique, n'est pas apparu jusqu'à autour de l'an 1200, c'est-à-dire, presque 50 ans après le début de la architecture et la sculpture gothiques. La transition du románico au gothique est très imprécise et il n'y a pas une claire cour, et nous pouvons voir les débuts d'un style qu'est plus sombre, obscur et émotif que dans la période préalable, à des principes du siècle XIII. L'impulsion décisive de cette peinture réaliste chrétienne s'a produit en la la Italie septentrional de fins de siècle. Diseminándose Par le reste de l'Europe, la période gothique s'a étendu pendant plus de deux cents ans.
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Caractéristiques générales
La caractéristique plus évidente de l'art gothique il est un naturalismo chaque fois majeur, face aux simplifiées et idealizadas représentations du románico. Il s'envisage que cette caractéristique surgit par fois première dans l'oeuvre des artistes italiens de fins du siècle XIII, et qu'il a marqué le style dominant dans la peinture européenne jusqu'à la fin du siècle XV. La peinture gothique s'approche à la imitation à la nature que sera l'idéal du renacimiento, en comprenant la représentation de paysages, cependant, continue à être peu d'usual. Se desprende des convencionalismos et amaneramientos bizantinos et románicos, mais ne prend pas comme idéale de beauté le art grec ni romano ancien. Par le même, bien que dite peinture est une véritable renacimiento, se distingue de la proprement appel du Renaissance classique en que ne chiffre, comme celle-ci, sa perfection dans la beauté des formes extérieures (que, même sans descuidarlas, résultent, parfois, quelque chose incorrectes dans la peinture gothique) mais, surtout, dans l'expression de l'idée religieuse et en donner aux figures vrai goût mystique et eminentemente chrétien. Malgré cela, aussi y a de se dire qu'il est dans ce moment dans lequel commence la peinture il profane, ceci est, la peinture en que les thèmes déjà ils ne sont pas toujours religieux.
En le gothique, en correspondance avec les nouvelles tendances philosophiques et religieuses (récupération de la philosophie de Aristote à travers le averroísmo, humanismo de saint François d'Assise) se tendió à approcher la représentation des personnages religieux (le saints, les angeest, la Vierge María, Christ) dans un plan un plus humain que divin, en leur laissant démontrer tu émeuves et sentiments (plaisir, douleur, tendresse, enojo), en cassant l'hieratismo et formalismo románico. L'artiste gothique cherche son inspiration dans la vie. Il y a beaucoup de sentiment dans les oeuvres gothiques. Parallèlement, la culture bourgeoise demande une nouvelle élégance dedans de l'art. Il y a plus de détails narratifs, plus fraîcheur, couleur, luminosité,... Qu'ils se remportent avec des techniciennes plus refinadas.
Dans le principe de la période gothique, l'art se produisait principalement avec des fins religieux. Beaucoup de peintures étaient des ressources didácticos que faisaient le christianisme visible pour une population analphabète; autrui étaient exposé comme icônes, pour intensifier la contemplación et les oraisons. Les premiers maîtres du gothique conservaient la mémoire de la tradition bizantina, mais ont aussi créé des figures persuasivas, avec perspective. Certes, ils s'ont produits des lentes avances dans l'usage de la perspective et d'autres questions techniques en peinture en ce qui concerne le traitement des supports (qu'ils permettent la majeure diffusion d'un art mobiliar), les pigmentos et les aglutinantes.
Techniciennes
La peinture, ceci il est, la représentation d'images sur une surface, pendant la période gothique, se pratiquait en quatre techniciennes principales: peinture peinture murale, vitraux, peinture sur table et des miniatures.
Peinture peinture murale
[[j'Archive:Cimabue 018.jpg|thumb|250px|Madonna avec des anges et San Francisco, oeuvre de Cimabue, vers 1280, peinture au frais exécutée dans l'église inférieure de Prenez.]]
La peinture peinture murale ou frais ils continuèrent à se user comme le principal moyen pour la narration picturale dans les murs des églises dans le Sud de l'Europe, spécialement en Italie, comme une suite des traditions chrétienne et románica antérieures. En dehors de l'Italie ils ne s'ont pas cultivé beaucoup de. l'Italie, apegada à la forme basilical des églises, a conservé majeure extension dans les murs pour les peintures et mosaicos qu'ils narrassent histoires religieuses.
En la Toscane, les école sienesa et florentina, avec le Giotto comme le plus grand des peintres du Trecento, ont continué la tradition de la grande peinture peinture murale, puisque la architecture gothique n'est pas arrivé à jeter racines en Italie comme en France. Cette peinture toscana du Trecento, en étant pleinement gothique, anticipe déjà le Renaissance. Les noms les plus soulignés ont été Cimabue et Giotto.
Vitraux
thumb|160px|left|Vitral De la cabecera de l'Église de Saint Pierre de Caen (Siècle XIII). Normandie, la France. Face à ce que arrive en Italie, dans le nord de l'Europe, les vitraux ont été l'art préféré jusqu'au siècle XV. Le développement de la Architecture gothique avec le progressif remplacement du mur par grande baie vitréeest avec vitrales de couleurest qu'ils permettent le pas vers l'espace intérieur d'une lumière polícroma et nuancée, a impliqué, dans le grande cathédrales gothiques de la France, à la pratique disparition de la peinture peinture murale qui s'était largement développé dans les murs des églises románicas.
Le mur translúcido a été le premier espace propre ou milieu où ils s'ont développés les arts du dessin et de la couleur en le Gothique. Pendant le Bas Âge Moyenne l'art des vitrales des cathédraleest et églises s'a développé, en Europe, parallèlement avec la architecture gothique, laquelle se caractérisait par le hauteur de ses navires et l'audace de ses structures avec tours de crucería que se soutenaient en esbeltos supportes et arbotantes pour transmettre au sol le poids et le pousse des tours, en libérant des tu fonctionnes résistantes aux murs des bâtiments qu'ils ont progressivement été substitués par baie vitréeil est et tracerías ou pointes de pierre avec vitrales de couleur.
Dans une première étape les couleurest ils sont vifs et saturés, le je plombe delimita les formes, lesquelles sont delineadas avec précision pour pouvoir être vues à travers la irradiation lumineuse du vitrail, cela il conduit à la tendance de descomponer le vitrail en medallones, nichos ou un autre type de compartiments. Les vitraux révèlent, plus que aucun autre art, le composant irrealista et artificiel du art gothique.
À intervenus du siècle XIII il se produit une modification profonde de la gamme de couleurs puisque les fonds incoloros s'associent aux tons faits faillite des scènes et il figures. Avec une gamme puissante mais restreinte, les menues figures humaines ils se font plus agités et libres. Dans l'Église de San Urbain de Troyes (vers 1270) ou dans les vitraux de moyen point de la cathédrale de Beauvais, est où ils se donnent les meilleurs exemples de ces innovations.
Dans le siècle XIV, après la découverte du jaune d'argent les vitrales gagnent en ligereza, en se remplissant d'un preciosismo doré qu'avant n'ont jamais eu. En Normandie, dans le coeur de Saint-Ouen de Ruán et dans la Cathédrale d'Evreux se trouvent les vitraux les plus beaux. L'art des vitraux termine dans un style exquis d'une qualité égale ou supérieure à les oeuvres maîtresses de la miniature. En la cuenca du Loire, en Champaña ou en Alsace se complète le panorama des vitraux en France, en terminant dans les navires latéraux de la Cathédrale de Strasbourg.
En Angleterre il souligne la grande fenêtre occidentale de la cathédrale d'York. En Espagne, les vitraux les plus soulignés sont les de la cathédrale de León.
Miniaturismo Et illustration de livres
[[Archive:Bernhard_von_Clairvaux_(Initiale-B).jpg|thumb|160px|left|Anonyme, San Bernardo de Claraval, Initial de la lettre B dans un manuscrit du Siècle XIII.]] Les manuscrits illuminés ils ont représenté la plus complète documentation de la peinture gothique, en enregistrant dans ses miniatures l'existence d'une série de styles en des lieux où ils n'ont pas sobrevivido autres oeuvres monumentales. Dans la peinture des códices (ou miniatures), surtout en France, en cherchant la réalité et délicatesse dans les figures, encore leur manquait beaucoup à celles-ci pour être modèles en dessin et perspective.
Les miniatures consistaient à des petites compositions : peintures ou je dessines de figures encadrés dans les lettres initiales ou en des divers compartiments comme medallones, arabescos etc. Ils s'appelaient des miniatures parce qu'ils se réalisaient avec minio, ou óxido de fer, mêlé avec colorantes naturels.
Dans la période románico et dans le premier gothique les craignes ils avaient caractère sacro, sa composition était influencée par des critères similaires à ceux que ils régissaient pour les vitrales des cathédrales et églises de la propre période. Dans le siècle XIV, ils s'ont introduits des thèmes profanos et l'art des miniatures s'a déplacé aux ateliers artisans de Paris, Bourgogne et Flandre.
Les manuscrits illustrés ont eu une ample diffusion internationale, à travers les cours de la noblesse européenne.
Soulignés miniaturistas ont été Jean Pucelle, Jacquemart d'Hesdin et les frères Limbourg. Peut-être le plus fameux manuscrit gothique ils soient Les très Riches Heures du Duc de Berry.
Peinture sur table
Bien que s'est dit que la peinture gothique a son espace propre en les grands vitrales des Cathédrales et dans les miniatures polícromas de les livres, le vrai est que la peinture proprement dite où a subsisté il a été dans les retables, les tables peintes qui forment le frontales ou les latéralil est des autels et dans les murs des chapelles latérales. Il peut se différencier, en plus, entre les retables, que sont des tables peintes ou esculpidas qu'ornamentan les autels des églises, et les tables de dévotion, individuelles, de moindre taille, qu'ornent les églises et les maisons particulières.
La peinture sur table, généralement retables, s'est imposé par toute l'Europe. Dans le siècle XV était déjà la forme picturale predominante, suplantando même aux vitraux. De tables ou frontales uniques il s'est passé à dípticos, triptyque, et après compliqués polípticos qu'ils combinaient nombreuses pièces jusqu'à arriver aux grands retables du siècle XIV, avec beaucoup de tables que s'organisent avec le banc ou predela (corps inférieur) et rues verticales, séparées par étroites entrecalles; dans la rue centrale se représentait le thème principal du retable.
Il s'exécutait à l'il tempère, qu'il usait comme aglutinante l'oeuf ou la queue obtenue des os d'animaux. Il est nouveauté de la dernière phase du gothique le changer cet aglutinante par huile, en donnant ainsi lieu à la peinture à l'huile. L'huile sur lienzo ne s'a pas fait populaire jusqu'aux siècles XV et XVI et il est allé le point de départ du art renacentista.
Phases de la peinture gothique
Style gothique-linéaire ou franc-gothique
Le style gothique linéaire se développe entre le siècle XIII et le XIV.Et il Souligne l'importance qu'il lui donne aux lignes du dessin. Predomina Un cromatismo vif face aux nuances de couleur. Les thèmes, naturalistes, se traitent avec simplicité.
Ejemplifica cette époque les vitraux des cathédraleest et les miniatures. En France, il souligne l'ensemble de la cathédrale de Chartres. Autres vitraux sont les des cathédrales de Bourges, Tours, Bayeux et de la Sainte Chapelle de Paris.
Il est caractéristique des miniatures de cette époque l'emploi d'encuadramientos arquitectónicos, ainsi que l'usage abondant de or et les orlas végétaux. Entre les oeuvres produites dedans de ce style, il rentre citer les Bibles historiadas, comme la Bible Pauperum, les deux biblias de Pampelune ou l'appel Bible moralizada de San Luis (cathédrale de Tolède); autres oeuvres de dévotion ont été le Salterio de la reine Blanche de Castille (Bibliothèque de l'Arsenal, Paris) et le Pasionario de Cunegunda (Prague), déjà du siècle XIV. Il l'oeuvre maîtresse de la miniature espagnole de l'époque est le Códice de L'Escorial de Les Cantigas, oeuvre du scriptorium de Alfonso X.
Il commence à se voir dans cette époque peinture sur table, en se pouvant mentionner le Díptico de la Vierge (Musée de Berlin) et nombreux frontaux catalans et aragonais, comme le de Valltarga ou le de Avià. En Espagne il se suit en cultivant la peinture peinture murale dans cette époque, en soulignant la Salle Capitular de Sigena (MNAC) et la chapelle de Saint-Martin, dans la cathédrale vieille de Salamanque, oeuvre de Antón Sánchez de Ségovie. Dans le plafond de la cathédrale de Teruel ils peuvent se voir les peintures attribuées à Dimanche Peñaflor.
Style italo-gothique
Ce style s'est allé en formant tout au long du siècle XIII (Duecento) en Italie. Ils s'ont fondus les traditions du art bizantino avec les primitivos styles classiques ou paleocristianos en des peintures et des panneaux de Florence et Siena. Ils démontraient plus réalisme duquel il se trouvait dans l'art románico et en le bizantino, caractérisé par une fuite de l'appel maniera greca que dominait l'Italie, et qu'il a été substituée par un style un plus réaliste. Il se sentait fascination par la perspective, et par l'illusion de créer espaces qui semblassent réels, avec des figures moins rigides et estilizadas, plus anatómicamente correctes et que présentassent été d'esprit en ses gestes et des attitudes. Il se montre aussi un intérêt par la narrative picturale et une espiritualidad intensifiée par influence franciscana.
Dans le siècle XIII (Ducento) se distingue l'école toscana, particulièrement l'oeuvre de Giunta Pisano. À cette première étape de la peinture gothique y a de se attribuer également le labeur de l'école romana de mosaicos et pintural peintures murales, dont les noms plus soulignés sont les de Jacopo Torriti et Pietro Cavallini. Cavallini A fondu la peinture de la tradition locale romana (art romano et art paleocristiano) avec les conventions bizantinas; ses vigorosos et beaux frais et mosaicos montrent une domination du naturalismo.
École florentina
S'envisage à Cimabue l'iniciador de l'école florentina du Trecento. Il a travaillé à Rome en 1272, en connaissant là le monde classique et la peinture paleocristiana et románica, ce que lui a influencé pour abandonner la bidimensionalidad du style bizantino et s'acheminer à un majeur réalisme. Son oeuvre sa plus connue est la Maestà, qu'était dans l'autel de la église de Sainte Trinità de Florence. À la fin de siècle fut en train de travailler en la Prenez.
Cependant, le grand maître de cette école est un discípulo à il, Giotto (h. 1266-1337), À celui que il s'envisage comme véritable iniciador de la peinture moderne. Il est Giotto qui cherche représenter l'espace correctement, ainsi qu'adapter les expressions et les gestes en relation avec l'état d'esprit du personnage. Il a donné un traitement révolutionnaire à la forme et à la représentation réaliste du paysage, en introduisant la tridimensionalidad, ce que a signifié un grand pas dans la histoire de la peinture. Avec il arrive à la cime la peinture gothique italienne. Dans la Chapelle des Scrovegni, à Padoue, se trouve tout un cycle de frais (1305-1306) qu'ils ont montré des scènes de la vie de la Vierge. il aussi est important son intervention en Prenez, avec un cycle sur la vie de San Francisco. Giotto Avait un grand pouvoir pour organiser toute une scène autour d'une image centrale, comme peut se voir en une de ses oeuvres ses plus fameuses, le Bisou de Judas. Il a été à Rome en 1330, où il a peint un frais dans le palais de Letrán. Il A là connu les innovations de Pietro Cavallini.
L'impression qui leur a causé la fidélité à la nature de la oeuvre de Giotto à ses contemporains, a été irrésistible. La capacité de simplifier et ordonner l'expérience de la réalité pour remporter la représentation directe des choses, je joins à la disposition les histoires en des compartiments historiados conçus comme fenêtres où Giotto situe les personnages chargés encore d'un poids escultórico que contraste avec l'elocuencia de ses gestes. Sur le fond de architectures ou paysages dessinés en complexe perspectives, Giotto développe le «espace pictural», un milieu de tridimensional que s'étend en profondeur par derrière la surface peinte en ce que est la principale innovation de la peinture du Trecento et la plus importante avance qui se soit donné en toute l'Histoire de la Peinture. Avec l'espace pictural naît la peinture moderne. Partisans à eux ont été Taddeo Gaddi et Andrea Orcagna.
La Peste Noire que devastó l'Italie à intervenus du siècle XIV a affecté profondément à Florence, le même que à Siena. Sa version sa plus impressionante est un frais exécuté dans l'an 1350 dans le Champ saint de Pise, le cimetière je joins à la cathédrale de Pise. Cette oeuvre, attribuée à Francesco Traini, discípulo et partisan de Giotto, reproduit des fragments dramatiques et il symbolise le crépuscule de la grande peinture italienne du Trecento. Un incendie, en 1944, dañó le frais, qu'a dû être retiré.
L'héritage de Giotto et Martini qu'avait suscité la majeure rénovation picturale de toute la Histoire de la peinture, ne se retrouvera pas en Italie jusqu'à un siècle plus tard, lorsque le caractère du architecte Brunelleschi, juntamente avec les peintres Masaccio et Piero della Francesca ou du sculpteur Donatello, élèvent les destinations du Art jusqu'au Renaissance.
École sienesa
Il s'entame avec Duccio, qui, même fortement influencé par la peinture bizantina, a essayé surpasser sa bidimensionalidad. Dans les siècles XIII et XIV, la ville de Siena concourait en l'esplendor de son art avec Florence. Il est dans cette ville dans laquelle Duccio exécute sa majeure oeuvre et une des plus fameuses peintures italianas: la Maestà de la cathédrale de Siena. Il a été embauchée par la cathédrale de Siena en 1308 et installée là avec grande cérémonie en 1311. Postérieurement, l'oeuvre a été démantelée et vendue, en partie parce qu'il n'était pas appréciée. Comme conséquence, y a des panneaux de la Maestà en des diverses parts du monde, comme Washington DC, New York et Londres. La Maestà a été peinte par les deux côtés: dans un côté la Vierge avec l'Enfant et dans les autres scènes des Évangiles; il révèle des forts liens avec la tradition bizantina, en pouvant s'apprécier l'influence de l'Europe Septentrional dans les formes drôles et ondulantes des figures. Duccio A reçu cette influence de deuxième main, à travers les sculptures de Nicola et Giovanni Pisano.
Il s'envisage à Simone Martini comme l'artiste plus purement gothique de Siena, exemple par antonomasia du style italo-gothique, et l'unique que pouvait rivalizar avec Duccio. Le style gothique nord-européen était représenté en la la Italie de l'époque par la France. En 1266 une des branches de la Maison d'Anjou il a établi une cour à Naples et Martini a été appelé pour peindre un tableau par commission du roi Roberto le Prudent. Son Madonna avec des saints et des anges du grand salon du Palais Comunal de Siena (1315) est très caractéristique, en mettant en évidence l'influence qu'en il a exercé la peinture française, bien que il encore maintient des liens avec la tradition bizantina.
Les frères Pietro et Ambrogio Lorenzetti amènent la marque de Giotto à l'école sienesa. Les frères Lorenzetti ont diffusé un modèle de Vierge avec Enfant dans un colloque imprégné de tristesse. Des oeuvres qu'ont exécuté, l'oeuvre la plus soulignée d'Ambrogio est le frais que représentait les allégories du Bon et du Mauvais Gouvernement, chargé pour l'intérieur du palais comunal de Siena. Il était la première tentative de montrer un plateau réel avec des habitants réel. Dans l'allégorie de la Paix se trouve représenté le modèle de beauté féminin de l'époque. Les deux frères sont mort de repente dans l'an 1348, probables victimes de la Peste Noire.
Les basiliques de Prenez ils ont été le lieu où ils ont coïncidé les grands peintres de la fin du Ducento avec les du Trecento: Cimabue joins avec ses discípulos, a peint dans les deux basiliques. Giotto Avec ses discípulos, a peint les Histoires Franciscanas de l'Église Supérieure, autres peintres de la école florentina ainsi que Duccio ai donné Buoninsegna, Simone Martini et autres peintres de la école sienesa ont été aussi en Prenez. Reinventaron Le retable ou la peinture sur table que décorait les autels des cathédrales et églises toscanas et ont continué la tradition de la grande peinture peinture murale qui terminera dans le Palais des Papes de Avignon.
Diffusion par europa
Le nouveau style italien a influencé dans la peinture des divers pays, en pouvant se citer à Jean Pucelle en France et au maître Bertram en Allemagne. Par ce que se rapporte à l'Espagne, ils s'ont bientôt reçu directement des oeuvres réalisées en Italie, comme le retable de Monsieur Juan de Manuel (cathédrale de Murcie), oeuvre de Barnaba donne Modena. Peintres italiens, comme Gerardo Starnina, ont travaillé en la Péninsule ibérique. En Catalogne il a entamé le style Ferrer Bassa, qu'a dû passer un temps en Italie. Cependant, l'auteur le plus souligné de l'école catalane est Ramón Destorrents. Ils peuvent se mentionner, également, aux frères Jaume et Pere Serra.
Style international
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Le style international fusionne, à la fin du siècle XIV, caractéristiques du gothique linéaire propre du Nord de l'Europe et la peinture trecentista italiana. Les artistes soulignés voyageaient de l'Italie à la France et à l'inverse, ainsi que par toute l'Europe, de sorte que les idées ils se divulguent et ils combinent. Les peintres suivent une technique minuciosa, en représentant avec grande détaille les anecdotes, en cherchant refléter la réalité avec grande naturalismo, mais sans oublier le senti symbolique ce dont se représente. Les figures s'estilizan, et abondent les plegados en les ropajes. Maintenant, les thèmes, bien que religieux, s'interprètent comme profanos, les saints se transforment en apuestos cavaliers et distinguées dames, que se desenvuelven avec des gestes exageradamente affectés en des environnements palaciegos. Oeuvres de ce style s'ont vus ne seulement dans ces deux pays déjà mentionnés, mais aussi en Angleterre, l'Allemagne, l'Autriche ou Bohême.
la France est le centre difusor de ces tendances, en commençant par l'influence des ducs Juan de Berry et Felipe de Bourgogne. il encore primait là la illumination de manuscrits comme la forme de peinture predominante. Il est arrivé à des nouvelles cimes avec l'oeuvre des Frères Limbourg, qui même en habitant en les Pays-Bas, travaillaient pour la noblesse française. Son oeuvre maîtresse conjointe ils sont les Très Riches Heures, commission du duc de Berry. Il appartient au genre des livres d'heures, un livre d'oraisons illustré que contenait les prières pour chacune des sept heures canónicas du jour. il aussi comprenait un calendrier et un mois sur deux est illustré avec des thèmes profanos référents à chaque gare. L'oeuvre encore était incomplète lorsque les artistes ils sont mort, vraisemblablement en raison de la Peste Noire.
Quelques oeuvres d'art gothique montrent l'impact de la Peste Noire. Cette épidémie, qu'aujourd'hui se sait qu'il était de peste bubónica, desvastó l'Europe entre 1347 et 1351. Dans cette époque beaucoup d'ils ont envisagé qu'il s'agissait d'une punition de Dieu. Artistes comme le Maître des Heures de Rohan reflétaient dans ses oeuvres un intérêt par la mort et le jugement divin. Dans cette même époque, pourtant, y avait des auteurs qu'ils ne semblaient pas affectés par la peste, comme le sienés Sassetta. Il a habité ce peintre une époque de paix en Siena, sous un gouvernement républicain pendant lequel la ville a pu rivalizar artísticamente avec Florence.
Un autre miniaturista de renom a été Jacquemart d'Hesdin. Artiste souligné du gothique international a été Melchior Broederlam, un flamand qu'a travaillé pour la cour du duc de Bourgogne, à Dijon. Ses tables présentent les caractéristiques du gothique international: une qualité picturale douce et un détaillé réalisme. Autres peintres de tables de Bourgogne ont été Jean de Beaumetz, Jean Malouel et Henri Bellechose.
Il s'a agi d'un style véritablement international, cultivé en pays comme l'Allemagne par Conrad Soest, le maître Francke ou Stefan Lochner. Il a eu une école de Prague à celle que ils ont appartenu le Maître du Jardin du Paradis et le de Trebon. Un exemple classique du style véritablement international est le Díptico Wilton, actuellement en la National Gallery de Londres. Il s'a pu peindre à n'importe quel moment du régné de Ricardo II de l'Angleterre. Et son auteur a pu y avoir été de n'importe quelle nationalité, n'en ayant pas consensus sur la même, ce que il révèle le caractère de cette étape du gothique.
En Espagne, pour sa part, il s'a développé spécialement dans la Couronne d'Aragon. En Valence ils ont travaillé Lorenzo Saragosse, Pedro Nicolau et Marzal de Sax. En Catalogne il a travaillé d'abord Luis Borrassá et, après, plus proche au style flamand, Bernat Martorell (Retable de San Jorge). Autres auteurs sont les aragonais Pedro Zuera, le maître d'Arguís et Juan Leví, et le mallorquín Francisco Manges. Dans la Couronne de Castille ils ont travaillé Nicolás Français, Nicolás Delli, Dello Delli, le maître de Sigüenza et Juan Hispalense.
Style flamand
Surgit à Flandre pendant le premier tiers du siècle XV, en même temps en qu'en Italie ils se trouvent déjà en le Renaissance. Ce style se diffuse par le reste de l'Europe, sauf l'Italie, pendant le reste du siècle. Actuellement, il aussi peut se trouver que à cette étape de la peinture la lui flamme Prerrenacimiento ou aussi Renaissance nordique, en comprenant l'oeuvre des flamands frères Van Eyck, Rogier vont der Weyden, Hugo vont der Goes et Memling ou les allemands Multscher et Witz.
Sa principale innovation est la technicienne de peinture à l'huile, ce que permet un majeur colorido, sutileza et detallismo. Il y a une minuciosidad absolue dans la représentation des détails, des textures des étoffes, de la forme les objets et, surtout, la fidélité des visages. Or, il est une peinture repleta de symbolisme, donc avec fréquence, derrière les objets les plus triviaux y a des messages occultes, ce que convertit les tableaus en des véritables allégories.
À cette dernière phase du gothique parfois la lui connaît aussi comme prerrenacimiento ou renacimiento nordique, puisque son riche colorido, son conception de la perspective et son devancé traitement de la lumière permettent les envisager déjà un premier renacimiento. Ils se maintiennent, cependant, certains convencionalismos hérités de la tradition antérieure que soustrait véracité à la scène: composition confuse, plis angulosos, gestes forcés, solennité excessive (vrai hieratismo, parfois).
La majeure part des oeuvres ils sont des commissions privées pour la aristocracia ou la bourgeoisie, par ce que ont un fort contenu civil et je profane. Predominan Les tableaus religieux bien que, souvent, s'interprètent comme des événements quotidiens; en fait, il est commun que qui charge l'oeuvre, c'est-à-dire, le "donneur", apparaissez dans la scène comme un personnage plus; à partir de la présence du donneur se développe un nouveau genre: le portrait.
Premier tiers du siècle
Dedans des primitivos flamands, s'envisage que les pionniers ont été les frères Hubert et Jan Van Eyck (1380-1441), outre le peintre dont l'identité n'a pas été pleinement établie et qu'il se connaît comme Maître de Flémalle.
À Jan ils vont Eyck se lui attribue l'invention de la peinture à l'huile. Jan travaillait comme peintre officiel du Duc de Bourgogne, ce que lui a permis se mouvoir dans un environnement aristocrático et refinado et s'a converti dans un peintre elitista. C'est pourquoi ses tableaus sont des véritables allégresses, avec des personnages très solennels, froids et impasibles. Ses majeures préoccupations ont été le réalisme, le traitement de la lumière et la perspective. Avec son frère, a fait une il oeuvre maîtresse de l'art flamand: le Políptico de l'Agneau Mystique de la cathédrale de San Bavón à Gand (1432), basé sur un passage de la Apocalypse. Autres oeuvres fameuses de Van Eyck sont des tableaus de dévotion, spécialement la Vierge du Chancelier Rolin et la de le canónigo Van der Paele, toutes les deux très similaires et avec des excellents portraits des donneurs; et je portraisdes s admirables, comme le de le Mariage Arnolfini, une allégorie avec un devancé traitement de la perspective et de la lumière.
Il partage mérite comme iniciador de ce style le Maître de Flémalle, avec grande richesse de colorido et sens escultórico des formes, outre un indubitable symbolisme. Il s'est identifié avec Robert Campin, bien que aussi y a qui a soutenu qu'il est Roger ils vont der Weyden dans sa phase juvénile. Il souligne le Triptyque de Werle, tables dans lesquelles est représentée Sainte Barbare, le donneur Enrique Werle avec San Juan Bautista et les desposorios de la Vierge, dans le Musée du Pré.
Deuxième tiers du siècle
[[j'Archive:Le Descendimiento.jpg|thumb|200px|Roger vont der Weyden: Descendimiento, h. 1443, Musée du Pré, Madrid.]] Dans le deuxième tiers du siècle XV ils travaillent une série de peintres qu'affirment et ils établissent le style flamand. Le plus souligné d'ils est Roger ils vont der Weyden, envisagé l'antítesis de Van Eyck par l'expressivité et agitation de ses tableaus. il ne s'a pas soucié autant par la perspective ou la minuciosidad, mais par le dynamisme et le dramatismo. Son oeuvre maîtresse est Le Descendimiento, dans celle qui appelle l'attention son apparence escultórica, son emotividad, son esmerada composition à base de puissantes diagonales et l'association rítmica des figures en des groupes de trois, d'énormes dimensions et emprisonnées en un nicho feint. Ici il n'y a pas froideur, mais chaleur, en reflétant un goût populaire propre d'une bourgeoisie accommodée, ne tellement culta comme laquelle a fréquenté Van Eyck. Il a exercé une énorme influence sur les peintres posterior.
Dans cette même époque ils ont travaillé deux peintres qu'ils ont donné grande importance à la lumière: Dierick Bouts, dont les figures allongées sont douées d'un fort caractère escultórico et Petrus Christus, avec certaine tendance à l'abstraction.
Dernier tiers de siècle
dans le dernier tiers du siècle XV et principes du XVI ils ont travaillé une série de peintres qu'ont approfondi en les caractéristiques du nouveau style. Quelqu'uns d'ils sont allé simplement conservateurs des techniciennes antérieures à ils, comme Hans Memling et Gérard David. Gerard David a été le successeur de Memling à Bruges et est allé un artiste à succès. Son oeuvre représente l'auge du style caractéristique des Pays-Bas.
Mais il a eu autrui de majeure originalité, qu'ils prétendaient surpasser les limites du style flamand, entre ils, Hugo ils vont der Goes, Geertgen tot Sint Jans et, le plus notable d'ils, Hieronymus Van aeken, appelé le Bosco. Bien que il a eu une vie accommodée, ils lui obsédaient la religion et le péché. C'est pourquoi, ses tables se remplissent de figures fantastiques et visions diabólicas, dont le but semble être moralizar à base d'acides critiques, mais en faisant appel à des nombreux ressources picturaux (le claroscuro, la perspective, les paysages), que radoucissent son message en le faisant plus poétique. Il est célèbre par ses oeuvres fantastiques et mystérieuses, par ce que y a que l'envisager il écarte de ses contemporains. Il a un style inigualable et son symbolisme demeure vif même dans l'actualité. Jêrome Bosch exprime les anxiétés d'une époque de convulsion sociale et politique. De son abondante oeuvre ils soulignent Le Jardin des Délices, grand triptyque qui résume l'histoire morale d'être humain de la création à la condenación, et Le Char d'Heno, un autre triptyque qui critique l'egoísmo et la faute de templanza face aux plaisirs interdits. Ces deux oeuvres se trouvent dans le Musée du Pré, grâce à que le roi Felipe II était grand admirateur de son oeuvre et il a formé une importante collection de peintures de l'artiste.
Diffusion du style flamand par l'Europe
[[j'Archive:Konrad_Witz_008.jpg|thumb|160px|left|Konrad Witz: La pêche miraculeuse, détail de l'autel de Saint Pierre de la cathédrale de Genève, vers 1444, Musée d'Art et Histoire, Genève.]] Dans la deuxième moitié du siècle XV, l'influence flamande s'a étendu par l'Europe. En France il souligne le peintre de la cour, Jean Fouquet. Autour de Avignon ils ont travaillé Enguerrand Charonton, Nicolás Froment, et le Maître de Moulins. En Allemagne ils soulignent les noms de Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein le Vieux et Michael Wolgemut, maître de Durero. Le principal auteur de style luso-flamand a été Nuno Gonçalves.
La peinture hispanique-flamande a eu un énorme développement. Dans la Couronne d'Aragon rentre citer au valencien Luis Dalmau (Vierge dels Conseillers), bien que le plus représentatif de l'école catalane est Jaime Huguet. De l'école valencienne ils peuvent se mentionner à Jacomart et sa discípulo Juan Rexach. En Baléares il a travaillé Pedro Nisart, de probable origine français. Enfin, le plus souligné représentant de l'école aragonaisse est le cordobés Bartolomé Bermejo, avec son exceptionnelle Saint-Domingue de Silos.
Dans la Couronne de Castille l'arrivée du style flamand est posterior, en s'envisageant introductor du même à Jorge Anglais. Le peintre de plus de renom peut-être soyez Fernando Galicien, en pouvant se citer autrui comme Juan de Ségovie et Sancho de Zamora (auteurs du retable de la chapelle de Monsieur Álvaro de Lune dans la cathédrale de Tolède), l'appelé Maître des Rois Catholiques et Juan Sánchez de Castro.
Références
- Beckett, W., À História donne Peinture. Sãou Paulo: Éditrice Ática. 1997.
- Janson, H. W., À História Geral donne Art. Sãou Paulo: Martins Fontes. 2001.
- Azcárate Ristori, J. M.ª De, «Peinture gothique antérieure au siècle XV» et «Peinture gothique du siècle XV», en Histoire de l'art, Ed. Anaya, 1986. ISBN 84-207-1408-9
