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Rembrandt

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Rembrandt

Autorretrato Aux 22 ans d'âge
Naissance 15 juillet de 1606
Leyde, Drapeau des Pays-Bas l'Hollande
Décès 4 octobre de 1669 (63)
Ámsterdam , Drapeau des Pays-Bas l'Hollande

Rembrandt Harmenszoon vont Rijn (Leyde, 15 juillet de 1606 – † Ámsterdam, 4 octobre de 1669) a été un peintre et enregistrér hollandais. La histoire de l'art lui envisage un des majeurs maîtres baroques de la peinture et l'enregistré, en étant avec sécurité l'artiste le plus important de la histoire de l'Hollande.[1] Son apport à la peinture coïncide avec ce que les historiens ont donné en appeler le âge d'or hollandaise, l'envisagé moment álgido de sa culture, science, commerce, poderío et influence politique.

Il ayant obtenu le succès dans la jeunesse, ses derniers ans ils ont été marqués par la tragédie personnelle et la ruine économique. Ses dessins et peintures ont été toujours très populaires, en jouant aussi de grand predicamento entre les artistes, et pendant vingt ans s'a converti dans le maître de pratiquement tous les peintres hollandais.[2] Entre les majeurs réussites créatifs de Rembrandt sont les magistraux je portraiss qu'il a réalisé pour ses contemporains, ses autorretratos et ses illustrations de scènes bibliques. En ses autorretratos, spécialement, trouvons toujours le regard humilde et sincère d'un artiste qu'a tracé en ils sa propre biographie.[1]

Rembrandt avait une profonde connaissance de la iconografía classique, et dans ses peintures et enregistrés avait l'habitude de l'interpréter librement pour l'ajuster à sa propre expérience. Ainsi, dans la représentation d'une scène biblique Rembrandt avait l'habitude de combiner sa propre connaissance du texte avec son particulier concept de la composition classique et quelques observations anecdotiques de la population juive de Ámsterdam.[3] Par la empatía pour peu qu'a portrait la condition humaine, Rembrandt a été envisagé "un des grands prophètes de la civilisation".[4]

Aucun artiste a combiné jamais tellement délicate habilité avec tellement énergie et pouvoir.[5]
Son traitement de l'humanité rebosa de sympathie.[6]


Sommaire

Vie

[[j'Archive:Rembrandt aux yeux hagards.jpg|thumb|200px|Autorretrato Avec cape et des yeux très ouverts, aguafuerte et buril, 1630.]] Rembrandt[7] Harmenszoon Vont Rijn est né le 15 juillet 1606 à Leyde, l'Hollande. Il a été le neuvième fils du mariage d'Harmen Gerritszoon vont Rijn et Neeltgen Willemsdochter vont Zuytbrouck.[8] De famille accommodée -son père était molinero et sa mère la fille d'un banquero-, Rembrandt a reçu son éducation basique en latin, et il a postérieurement assisté à la Université de Leyde. Selon ses coetáneos, le jeune déjà manifestait quelques marqués supporters à la peinture, que lui a porté à se convertir en apprenti d'un peintre historique de Leyde appelé Jacob ils vont Swanenburgh, avec qui étudierait pendant 3 ans. Après un bref mais intense apprentissage de six mois avec le célèbre Pieter Lastman, en Ámsterdam, Rembrandt a inauguré sa propre étude à Leyde en 1624 ou 1625 -les dates ils diffèrent selon chaque source-, que partageait avec son ami et collègue Jan Lievens. En 1627, Rembrandt il a commencé à impartir classes de peinture, et entre ses nombreux élèves a souligné Gerrit Dou.[9] En 1629 Rembrandt a été découvert par le estadista Constantijn Huygens -père du célèbre mathématique et physique Christiaan Huygens-, qui lui faciliterait des importantes commissions de la cour de La Haye. Comme résultat de cette relation, le même prince Frederik Hendrik a été en acquérant oeuvres de Rembrandt jusqu'à 1646.[10] À la fin de 1631, Rembrandt s'a mué à Ámsterdam, la capitale d'affaires du pays, que grandissait vertiginosamente grâce au commerce. Rembrandt a commencé à travailler comme retratista professionnel de croissant succès. Logé temporellement en maison d'un marchante d'art appelé Hendrik vont Uylenburg, en 1634 a contracté mariage avec sa fille Saskia.[11] Saskia Était une jeune de bonne famille: son père avait été plaidé et burgomaestre de Leeuwarden. Lorsque Saskia est resté orpheline, en étant la soeur moindre a dû s'aller à habiter avec sa soeur en Het Bildt. Le mariage, célébré dans l'église locale de St. Annaparochie, n'a pas raconté avec l'assistance des parents de Rembrandt. Ce même an Rembrandt s'a converti dans un membre plus de la bourgeoisie d'Ámsterdam, ainsi que de la société locale de peintres. Entre ses nouveaux élèves figuraient Ferdinand Bol et Govert Flinck.[12]

Portrait de Saskia vont Uylenburgh, sur 1635.

En 1635 le jeune mariage il s'a mué à sa nouvelle maison, située dans l'élégant quartier de Nieuwe Doelenstraat. En 1639 ils se sont revenus à muer à la Jodenbreestraat, dans le florissant quartier juif, encore plus cher.[12][13] En réalité, Rembrandt pouvait y avoir payé de trop l'appartement, mais apparemment son niveau de dépenses s'a toujours maintenu équilibré avec son niveau de revenus, et il a aussi pu y avoir réalisé quelques investissements peu fortunés.[14] De n'importe quelle façon, la présence juive dans le quartier lui a donné l'occasion de trouver visages et figures très appropriées pour les scènes du Ancient Testament qu'il a alors commencé à peindre.[15] Malgré l'initiale bonanza économique, avec le pas du temps le couple a traversé des nombreux envers: ainsi, son fils Rumbartus est mort aux deux mois de sa naissance, en 1635, et sa fille Cornelia est mort aux 3 semaines d'âge, en 1638. En 1640 le mariage il a eu une deuxième fille, à celle que ils ont aussi appelé Cornelia, et qu'est mort au bout d'un mois. Seulement son quatrième fils, Titus vont Rijn (né en 1641) est arrivé à obtenir la maturité. Saskia Est mort en 1642, au peu de de l'accouchement de Titus, probablement par tuberculosis. Les dessins de Rembrandt du lit de mort de son épouse sont des images profondément conmovedoras.[16] De n'importe quelle façon, pendant la maladie de Saskia ont embauché à Geertje Dircx comme niñera de Titus, et est probablement passé à être aussi l'amante de Rembrandt. il postérieurement accuserait à Rembrandt de perjurio et obtiendrait une indemnisation de 200 florines à l'an.[12] Appris de que Geertje y avait empeñado diverse allégresses que Rembrandt lui avait offert à Saskia, le peintre a fait le possible pour la maintenir pendant 12 ans en un hospicio pour pauvres en Gouda. À la fin de 1640 Rembrandt il a commencé une relation avec la beaucoup plus jeune Hendrickje Stoffels, à qui avait initialement embauché comme asistenta domestique. La naissance en 1654 de sa fille Cornelia a motivé l'envoi d'une lettre accusatoire de part de son église réformée, dans celle qui se lui incriminait "y avoir commis les actes d'une prostituée avec Rembrandt le peintre". En l'ayant admis publiquement, a été excomulgada. Rembrandt, en revanche, n'a pas dû faire face à aucun charge, puisqu'il n'était pas membre de dite église.[17] Bien que le mariage était valable sur le plan légaux, Rembrandt ne s'a pas marié avec Henrickje pour ne faire peligrar l'héritage de Titus, fils de son antérieur mariage.[16]

Fichier:Rembrandt Harmensz. Ils vont Rijn 103.jpg
Titus, Le fils de Rembrandt, habillé comme un moine (1660).

Rembrandt a toujours habité par dessus de ses possibilités, en investissant en art -parfois pujando par ses propres peintures-, enregistrés -qu'avait l'habitude d'utiliser en ses peintures- et tout type de curiosités. En 1656 ils s'ont déjà pris certaines mesures en les jugés pour empêcher sa déclaration de banqueroute, et l'artiste il a dû vendre la plupart de ses peintures et bonne part de sa collection d'anciennetés. La liste d'objets vendus aux enchères s'est conservée, et il donne une idée des possessions matérielles du peintre: dessins et peintures des vieux maîtres flamands, bustos de empereurest romanos, fragments de armaduras japonaises, curiosités amenées d'Extrême-Orient, et collections de rarezas naturel et minéralest. Les bénéfices de ces ventes, réalisées entre 1657 et 1658, ont résulté décevantes,[18] De sorte qu'en 1660 n'a pas eu plus remède que vendre sa maison et son atelier de enregistré et se muer à un appartement un plus modeste en Rozengracht.[19] Rembrandt encore jouait de vrai de prestige, et autant les autorités comme ses créditeurs ils avaient l'habitude de se montrer assez tolerantes. Paradoxalement, la société de peintres d'Ámsterdam l'a envisagé un scandale, et il a adapté ses règlements pour que personne qui fût dans une situation économique comme la de Rembrandt pût comerciar comme peintre. Pour éviter cette mesure, Hendrickje et le propre Titus ont ouvert son propre affaire d'art en 1660, dans celui qui Rembrandt travaillait comme employé.[20]

Ainsi, en 1661, cette "agence artistique" il a reçu la commission de réaliser une peinture pour la récemment bâtie mairie, mais seulement après que Govert Flinck, l'artiste qui avait initialement reçu la commission mourût sans y avoir donné un seul coup de pinceau. Malheureusement, l'oeuvre résultante -"La conspiration de Claudius Civilis"- il a été rejetée et rendue au peintre; l'unique fragment conservé est il seulement part de l'oeuvre réalisée.[21] A été par alors lorsque Rembrandt, gravement affecté par l'âge et la pauvreté, a admis à Aert de Gelder comme son dernier élève. Vers 1662 il encore recevait des commissions importantes de portraits des personnalités de son environnement.[22] Le même Cosme III de Médici, Grand Duc de Toscane a visité à Rembrandt dans son domicile, lorsqu'est arrivé à Ámsterdam en 1667.[23]

Rembrandt sobrevivió autant à Hendrickje -morte en 1663- comme à son fils Titus, qu'est mort en 1668, en lui laissant une petite-fille. Rembrandt est mort un mois plus tard que son fils, le 4 octobre 1669, et il a été enterré dans une tombe sans nom en le Westerkerk d'Ámsterdam.[24]

Il oeuvre

thumb|left|"Christ Dans la tempête dans le lac de Galilea", 1633. En endroit inconnu depuis son vol du musée Isabella Stewart Gardner en 1990. Dans une lettre à Huygens, Rembrandt offre l'unique attestation conservé sur ses aspirations comme artiste: "(obtenir) le mouvement le plus grand et plus naturel",[25] Si avec ceci se rapportait à ses buts matériels ou d'un autre type il est quelque chose sujet à la spéculation, de n'importe quelle façon Rembrandt représente la fusion entre le corpóreo et le spirituelle comme des peu de peintres dans l'art occidental.[26]

À des principes du siècle XX, quelques estudiosos ont estimé l'oeuvre de Rembrandt dans quelques 600 peintures, presque 400 enregistrés et près 2.000 dessins.[27] Recherches réalisées depuis 1960 jusqu'à l'actualité -dominées par le Projet de Recherche Rembrandt, coordonné par divers experts hollandais sur le peintre- ont réduit ce chiffre dans quelques 300 peintures, bien que ne sans générer certaine polémique.[28] À l'égard des enregistrés, généralement réalisés moyennant pointe sèche ou au aguafuerte, le chiffre estimé est plus stable, et s'approche aux 300 pièces.[29] Est probable que Rembrant réalisât plus de les 2.000 dessins qui se lui attribuent, mais même ce chiffre il est vraisemblablement trop élevée selon les études contemporaines.[30]

En vrai de moment ils se racontaient jusqu'à 90 autógrafos divers de Rembrandt, bien que dans l'actualité se sait que beaucoup de de ses élèves ils devaient copier ses peintures comme part de son apprentissage. Recherches plus récentes ont réduit ce chiffre jusqu'aux 40 peintures, en supprimant quelques dessins et 31 enregistrés, entre lesquels se racontent quelques des images les plus représentatives du groupe.[31] Beaucoup de de ses autorretratos lui montrent avec ropajes anacrónicos, ou en se faisant grimaces à soi même. Ses autorretratos montrent l'évolution depuis l'atribulado jeune avec talent, et le peintre réussi du décennie de 1630 jusqu'aux sombres portraits de sa vieillesse, d'énorme profondeur psychologique. ils ensemble composent l'image d'un homme qu'a traversé tous les états de la vie, et dont l'expression reflète les fortes secouées qu'il a souffert son esprit tout au long de sa vie.[32]

Entre les caractéristiques plus notables de son oeuvre soulignent son usage du claroscuro, le manie escenográfico de la lumière et l'ombre -fortement influencée par Caravaggio, ou, plus vraisemblablement, par l'école des Caravaggisti de Utrecht- adaptés à ses propres fins.[33] Également remarquables sont sa vision dramatique et émotive de thèmes qu'avaient traditionnellement été agis d'une forme impersonal: Rembrandt se caractérise par le sentiment d'empatía que desprende sa vision de l'humanité, indépendamment de la richesse ou l'âge du portrait. Son propre environnement familier -sa femme Saskia, son fils Titus, son amant Hendrickje- ont l'habitude d'apparaître de forme visible dans ses peintures, en des occasions en représentant thèmes bibliques, historiques ou mitológicos.

Périodes, thèmes et style

[[j'Archive:Rembrandt Abduction of l'Europe.jpg|thumb|200px|L'enlèvement de l'Europe, 1632. Huile sur table. Cette oeuvre s'est envisagée "un brillant exemple du Âge d'Or de la peinture baroque.[34]]] Tout au long de sa course, Rembrandt ferait à eux les genres du portrait, le paysage et la peinture narrative. Par cette dernière serait spécialement ensalzado par ses contemporains, que lui envisageaient un maître dans l'interprétation de passages bibliques par sa profondeur émotionnelle et son soin des détails.[35] Estilísticamente, sa peinture a évolué de la douceur de ses principes -caractérisée par une excellente technicienne de représentation ilusionista de formes- à un traitement posterior, plus "âpre", qu'il invoquait les qualités de l'objet moyennant la qualité táctil pour peu que figurait dans la peinture.[36] En ce qui concerne l'enregistré, pourrait se parler d'un développement similaire. Dans les oeuvres exécutées dans sa maturité, spécialement à partir de fins du décennie de 1640, la liberté et l'haleine de ses dessins trouveraient expression aussi dans les milieux imprimés. Dans ces oeuvres se combinent thème et technicienne de telle façon qu'en des occasions, une grande surface vide il peut suggérer un espace, alors qu'en autrui une complexe trame de lignes articule le volume de formes en pénombre.[37]

Leyde (1625-1631)

Fichier:Joos vont Craesbeeck - LUI FUMEUR.jpg
"Le fumeur", de Joos vont Craesbeeck. à Leyde, Rembrandt a aussi cultivé ce type de portraits, très populaires dans son époque.

Il a été pendant la période de Rembrandt à Leyde (1625-1631) lorsque se peut parler d'une majeure influence de Lastman. Il est probable parler aussi de vrai influjo de Lievens pendant cette première étape de formation.[38] Les peintures de cette époque sont assez petites, mais riches en des détails, spécialement en vestiduras et bijouterie. Les thèmes préférés dans cette étape sont tu oeuvres religieuses et alegóricas, de même que les "tronie", genre populairement hollandais.[38][39] En 1626 Rembrandt a produit ses premiers enregistrés, et la rapide diffusion caractéristique de ce moyen lui ont gagnés renommée internationale.[38] En 1629 a peint "Judas arrepentido, en rendant les monnaies d'argent" et "L'artiste dans son étude", oeuvres qu'evidencian son progressif intérêt dans l'usage de la lumière et l'enrichissement de ses registres matéricos; cette oeuvre constitue le premier grand progrès de sa course et un point clef dans sa croissance comme peintre.[40]

Première période en Ámsterdam (1632-1636)

Fichier:Rembrandt, Portret vont Haesje v.Cleyburg 1634.jpg
Un typique portrait de 1634, lorsque Rembrandt jouait d'un énorme succès commercial.

Pendant ses premiers ans en Ámsterdam, Rembrandt a commencé à peindre scènes bibliques et mitológicas de caractère plus dramatique, fortement contrastées et en des grands formats. À cette époque ils appartiennent "Le cegamiento de Sansón" (1636), "La fête de Belshazzar" (c. 1635) Et la "Dánae" qu'emulaba le style baroque de Rubens.[41] Avec l'aide ocasional d'assistantes dans son atelier d'Uylenburgh, Rembrandt a satisfait des nombreux commissions de portraits, autant petits ("Jacob de Gheyn III") comme grands ("Portrait de l'armador Jan Rijcksen et son épouse", (1633); "La leçon d'anatomía du Dr. Nicolaes Tulp", Daté en 1632).[42]

Deuxième période en Ámsterdam (1636-1650)

À la fin du décennie, Rembrandt avait à peine produit quelques peintures et peu enregistrés de thème paisajístico. Comúnmente, Ces peintures avaient l'habitude de souligner l'aspect dramatique de la nature, reflétée en des arbres desarraigados et nuages ominosas ("Maison de champ devant un ciel tourmenté", 1641; "Les trois arbres", 1643). À partir de 1640, Rembrandt il a été en éliminant les traits les plus pittoresques et son style il s'est revenu plus sombre et comedido, peut-être en raison des tragédies personnelles qu'avaient déjà commencé à lui arriver. De la même manière, les scènes bibliques qu'il avait peint depuis sa jeunesse ils sont passé de se centrer en le Ancient Testament à représenter passages du Nouveau Testament. En 1642 il a reçu la commission de "La ronde de nuit" -sa majeure oeuvre et la commission de portrait collectif plus important qu'a reçu dans cette période- et dans lequel il a agi de trouver des nouvelles solutions compositivas et narratives à des questions surgies en des oeuvres antérieures.[43]

Fichier:The Nightwatch by Rembrandt detail.jpg
Détail de La ronde de nuit, aussi connue comme "La milice du capitaine Frans Banning Cocq", 1642.

Tout au long du suivant décennie, les peintures de Rembrandt ils ont adopté diversité de tailles, techniques et styles. La tendance antérieure à créer effets dramatiques moyennant des forts contrastes de lumière et ombre (claroscuro) a donné pas à une illumination frontale et à majeures et plus saturées zones de couleur. Simultanément, les figures commenceraient à se disposer parallèlement au plan du tableau. Ces changements peuvent être vus comme un retour à la composition classique et, en envisageant le majeur travail de coup de pinceau, peuvent suggérer certaine familiarité avec le style veneciane. De cette époque ils sont des oeuvres comme "Susana et les vieux", (1637-1647).[44] En même temps, se donne une visible réduction d'oeuvres peintes en faveur d'enregistrés et dessins de paysages.[45] Cette oeuvre graphique incorpore la valeur dramatique à partir de pacifiques scènes rurales hollandaises.

La ronde de nuit

Modèle:Principale

Rembrandt a peint ce tableau entre 1640 et 1642. La peinture a été appelée "Nacht Wacht" par les hollandais et "Night Watch" par Sir Joshua Reynolds parce que lors de sa découverte les couleurs à l'huile s'étaient autant éteint que beaucoup de détails étaient indistinguibles et se semblait assez à une scène nocturne. Après successive restaurations, s'a révélé que la scène représentée était une scène diurne: un départ de mosqueteros en passant d'une sombre cour à la cegadora lumière du soleil. L'oeuvre a été chargée pour la nouvelle mairie des Kloveniersdoelen, la compagnie de mosqueteros chargés de la patrouille urbaine. Rembrandt s'a éloigné de la représentation conventionnelle de ces groupements -qu'ils généralement étaient portraites d'une façon assez estático et formelle- pour peindre une scène qui suggère l'observation directe de l'action: La milice abandonne le casernement, en se disposant pour sortir de mission.[46] Malgré toute la spéculation détachée, l'oeuvre a été reconnue comme un succès depuis le moment de sa livraison. Se seccionaron quelques parts[47] Du tableau pour l'ajuster au mur en qu'était destiné à être pendu lorsque se a déplacé à la mairie d'Ámsterdam en 1715. De n'importe quelle façon, le Rijksmuseum conserve une reproduction à mineure escalade dans laquelle il s'apprécie l'idée originale de l'oeuvre, avec les quatre figures principales dans le centre de l'image. Cette oeuvre est exposée actuellement en le Rijksmuseum, où occupe tout le mur de la majeure salle de la galerie.[48]

Période tardive (1650-1669)

Fichier:Rembrandt Harmensz. Ils vont Rijn 092.jpg
ici s'apprécie la différence de styles entre deux de ses oeuvres maîtresses: son premier portrait collectif, La leçon d'anatomía du Docteur Tulp, peint aux 26 ans et une de ses oeuvres tardives, les síndicos du corps de métier de pañeros, peinte avec 56 ans en 1662.


Vers 1650, le style de Rembrandt il s'a transformé à nouveau. Il rentre aux grands formats, les couleurs se reviennent plus intenses et les coups de pinceau les plus prononcés. De cette manière, le peintre s'éloignait des traits distinctifs de sa première époque, lorsque tendía à travailler plus les détails. Quelques auteurs[49] Ont signalé qu'il puisse se devoir à une progressive identification avec le travail d'artistes comme Titien, en inscrivant cette période sa prise de position dans le débat alors en vigueur sur la primacía du "fini" ou la qualité matérica de la peinture.

Fichier:Rembrandt Harmensz. Ils vont Rijn 130.jpg
"Autorretrato" De 1658, une il oeuvre maîtresse dans son style tardif; "le plus serein et le plus grand de tous ses portraits".[50]

Experts dans l'oeuvre de Rembrandt ont signalé en des occasions la "tosquedad" du coup de pinceau du Rembrandt de cette période, mais il se sait que le même auteur desaconsejaba à ses visiteurs que remarquassent ses oeuvres depuis trop près. De n'importe quelle façon, cet accent dans les qualités táctiles de l'oeuvre peut se remonter à la peinture médiéval, qu'avait l'habitude de représenter les qualités matéricas des objets représentés en imitant sa texture sur le lienzo. Le résultat de ce traitement est un déploiement de ressources picturales, que combinent des transparences d'une façon apparemment azaroso que suggère profondeur et texture d'une façon ilusionista d'une façon très personnelle.[51] Dans les derniers ans, ses peintures de thème biblique tendieron à une majeure personnalisation des figures et ses émotions individuelles. ("Santiago Apôtre", 1661). Rembrandt a commencé en 1652 une série d'autorretratos imprégnés de réflexion, et jusqu'à l'an de sa mort réaliserait 15 versions de ce thème; ainsi que nombreuses et émotives images d'hommes et femmes amoureux, vifs et devant Dieu (La fiancée juive, 1666). Quelques auteurs[52] Ont signalé à ce sujet:

  1. REDIRECT Personnel:Rendez-vous

Et aussi, sur La fiancée juive:

  1. REDIRECT Personnel:Rendez-vous

Rembrandt grabador

[[Archive:Rembrandt The Hundred Guilder Print.jpg|thumb|left|280px|L'estampa des cent florines, c.1647-1649, Enregistré.]] Rembrandt a réalisé enregistrés pendant bonne part de sa course (1626-1660), jusqu'au moment en que difficultés économiques ils lui ont faits vendre son atelier d'estampación et abandonner virtuellement le moyen. En ce lapso de temps, seulement pendant le difficile an de 1649 n'a pas produit aucune oeuvre.[53] S'a adapté facilement au langage graphique de cette technicienne, et bien que il dominait l'usage du buril et était un éprouvé grabador, la valeur fondamentale de son oeuvre calcográfica est la liberté technique. Également, Rembrandt s'a impliqué personnellement avec tout le procès d'estampación, et a dû y avoir estampado personnellement au moins les premiers états de chaque fer à repasser. il au début utilisait un style basé sur le dessin, mais il a bientôt commencé à développer une esthétique une plus prochaine à la de sa peinture, en combinant masses de lignes et mordidas d'acide successives pour obtenir divers niveaux de profondeur. Avant de 1640 il a réagi contre ce style et il a récupéré une technicienne une plus simple et avec moins mordidas.[54] Ainsi, le développement de "L'estampa des cent florines", étagé tout au long de tout le décennie de 1640, a résulté être pour il une "oeuvre critique en moitié de sa course", de celle qui surgirait son style final d'enregistré.[55] Bien que de ce fer à repasser se sont seulement conservé deux estampaciones en des états initiaux (la première très rare) l'évidence de nombreuses rectifications sous l'image finale résultent très éclairantes sur le travail de Rembrandt dans cette pièce.[56]

"Les trois croix", enregistré de Rembrandt, 1653, état 3 de 5.

Dans ses oeuvres ses plus mûres du décennie de 1650, Rembrandt il semble se montrer plus réceptif à l'improvisation sur le fer à repasser et ils se sont conservé grandes séries d'estampaciones qu'en des occasions arrivent à 11 états radicalement divers. Rembrandt a commencé à utiliser réserves comme moyen d'obscurcir grandes zones, que pouvaient couvrir grande part du fer à repasser. Il a éprouvé également avec des effets d'impression sur des différents papiers, comme papier japonais qu'il usait avec spéciale fréquence, ou le papier vitela. Il a de la même manière fait appel magistralement au entrapado[57] Comme moyen d'obtenir un "ton superficiel". Il s'a également montré spécialement adroit dans l'usage du pointe sèche, et il a réalisé des nombreux paysages dans lesquels il profite des possibilités esthétiques que la ligne réalisée avec cette technicienne offre en les premières estampaciones.[58]

Ses enregistrés s'occupent de thèmes similaires aux de sa peinture, bien que il montrait certaine prédilection par les autorretratos (se conserve une somme totale de 27 enregistrés) et les portraits officiels ils manquent. Ils se lui attribuent 46 paysages, généralement de petit format, qu'ils s'ont convertis dans la définition du traitement graphique du thème jusqu'à bien entré le siècle XIX. Un tiers de ses enregistrés ils traitent des thèmes religieux, qu'ils vont depuis la llaneza au monumentale. Ils soulignent également quelques images eróticas que frottent l'obscenidad, et que ne trouvent pas équivalente dans sa production picturale.[59] Bien que s'a enfin vu obligé à se défaire d'elle avec motif des dettes, Rembrandt a possédé une magnifique collection d'enregistrés d'autres artistes comme Mantegna, Hercules Segers, et Giovanni Benedetto Castiglione, qui ont pu exercer certaine influence sur son oeuvre graphique.

Indice d'oeuvres principales

Fichier:Rembrandt Harmensz. Ils vont Rijn 159.jpg
Enfant dans un cadre, 1641. Une oeuvre parfois disputée,[60] choisie récemment comme couverture d'un livre sur Rembrandt écrit par un des majeurs experts contemporains.[61]
Fichier:Rembrandts house, l'Amsterdam.jpg
La maison de l'artiste en Ámsterdam, aujourd'hui la Marie Musée Rembrandt.

Collections en des musées

En Hollande, la majeure collection de Rembrandt il est réunie en le Rijksmuseum de Ámsterdam, que raconte avec des oeuvres comme "De Nachtwacht" ("La ronde de nuit") ou "De Joodse bruid" (La fiancée juive). Beaucoup de de ses autorretratos sont exposés en le Mauritshuis de La Haye. Dans son domicile, converti en la marie-musée Rembrandt d'Ámsterdam, s'exposent beaucoup de de son enregistrés; le reste ils sont répartis par les principales collections d'enregistrés de tout le monde, bien que celles-ci assurément ont l'habitude de raconter uniquement avec quelques de ses nombreuses estampaciones. En dehors de son pays, les majeures collections de peinture de Rembrandt ils se localisent en la National Gallery de Londres, la Gemäldegalerie de Berlin, le Hermitage de Saint-Pétersbourg, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, le Louvre de Paris et autres musées à New York, Washington, et Kassel.[66] Quelqu'unes des peintures de Rembrandt se sont localisé en des institutions et des collections privées à Californie du sud.

Rembrandt dans l'actualité

Projets de recherche

[[j'Archive:Rembrandt - The Polish Rider.jpg|thumb|"L'écuyer polonais" - Lisowczyk à cheval. Le thème est également sujet à discussion. Il s'est signalé que la figure à cheval allât le Grand Chancelier de la Lituanie, Marcjan Aleksander Ogiński (1632-1690).]] En 1968 le Rembrandt Research Project a surgi comme résultat du patronazgo de la Association Hollandaise pour l'Avance de la Recherche Scientifique; il s'estimait que le projet eût une vie de 10 ans au maximum. Les groupes de recherche, composés d'historiens de l'art conseillés par des experts dans autres zones avaient pour objectif d'analyser la responsabilité de Rembrandt, en utilisant grande variété de milieux techniques et sofisticado équipement scientifique. Les recherches ont changé sustancialmente le corpus rembrandtiano, en lui attribuant oeuvres que jusqu'à maintenant ne s'étaient jamais envisagé à elles et en éliminant autrui que traditionnellement s'envisageaient du maître, et qu'ils maintenant se savent oeuvre de ses élèves.[67] Un exemple de ces estimations est "L'écuyer polonais" de la collection Frick de New York. Cette oeuvre, longuement disputée depuis que Julius Held a visé les soupçons sur sa responsabilité, était envisagé par beaucoup de -même Josua Bruyn, le directeur du Projet de Recherche Rembrandt (PIR)- oeuvre de quelqu'un des élèves les plus proches et doués de Rembrandt, appelé Willem Drost, de celui qui ne se sait pas grande chose. Les Frick se crochaient l'hypothèse de la responsabilité rembrandtiana, et ainsi se cataloguait comme "Rembrandt", et ne comme "attribué à" ni "école de". Les recherches les plus récentes ont donné la raison aux Frick, grâce aux recherches parallèles de Simon Schama -exposée dans son livre "Rembrandt's Eyes", 1999)- et d'Ernst von Wetering, un des membres du PIR (Simposio de Melbourne, 1997). Autres théories signalent que l'oeuvre ne s'a pas exécuté d'une fois, en identifiant diverse responsabilités selon les caractéristiques de chaque part du tableau.[68]

Le "Homme avec yelmo doré", de Berlin, une fois envisagé un des meilleurs portraits de Rembrandt, et actuellement n'attribué au maître.

Une autre peinture, "Pilato en se lavant les mains" -aussi de responsabilité douteuse- est objet de polémique depuis 1905, lorsque Wilhelm von Bode l'a décrit comme "un travail quelque chose anormal" de Rembrandt. Les chercheurs ont dès lors daté l'oeuvre en 1660, et ils l'attribuent à un élève anonyme, vraisemblablement Arent de Gelder. La composition résulte superficialmente similaire aux oeuvres de maturité du maître, mais manque de ses traitement caractéristique de la illumination et le modelado.[69] Le corpus rembrandtiano, donc, est en soutenu changement: En 2005 quatre huiles antérieurement attribués à discípulos de Rembrandt ont été recatalogados comme des oeuvres à elles (se traite du "Étude de vieux de profil" et le "Étude de vieux avec barbe" d'une collection privée américaine, le "Étude de femme dormie" possession de l'Institut des Arts de Detroit, et le "Portrait d'une femme majeure avec un bonete blanc", peint en 1640.[70] Le propre méthode d'enseignement de Rembrandt ajoute des difficultés à la définition de responsabilité de ses oeuvres puisque, de même que beaucoup de maîtres plutôt qu'il, Rembrandt avait l'habitude de demander à ses élèves que copiassent ses tableaus, et quelques fois les retocaba personnellement pour les vendre comme des copies ou originales. Par ailleurs, son style semble y avoir été assez abordable pour ses élèves de plus de talent. La qualité du travail du même Rembrandt, finalement, complique l'identification de ses peintures; son évolution soutenue et son esprit expérimental ils ajoutent certaine volatilité à son style.[71] Par ailleurs, son oeuvre a été imitée et copiée dans les siècles suivants à sa mort, et quelques des restaurations à celles que s'a soumis son oeuvre il les a laissé irreconocibles.[72] Est par autant très possible que ne s'établisse jamais un accord sur l'oeuvre d'un caractère tellement proteico comme Rembrandt.

Nom et il signe

180px|thumb|ÉvolutionUNIQ2da76d17508f2141-nowiki-000000EB-QINU73UNIQ2da76d17508f2141-nowiki-000000EC-QINU de la signature de l'artiste, entre 1626 et 1633. "Rembrandt" il est une modification de la grafía originale de son nom que le peintre introduirait dans sa signature en 1633. Il peut se dire qu'antérieurement (vers 1625) il avait signé ses oeuvres avec une simple initiale "R", ou le monograma "RH" (de Rembrant Harmenszoon; ceci est "fils d'Harmen"), à celui que y avait il avait postérieurement ajouté un L, presumiblemente par Leyde, sa localité natale ("RHL", 1629). En 1632 il a ajouté son patronímico à dit monograma, mais les oeuvres réalisées plus tard ce même an allaient signées simplement avec son nom propre "Rembrant". En 1633 il a ajouté la "dS, et s'apegó à cette grafía pendant le reste de sa vie, en essayant la signification que cette variation, dehors par ce que allât, il avait pour il. Ce changement est uniquement visuel, puisqu'il ne change pas la prononciation hollandaise de son nom. Curieusement, malgré l'énorme nombre d'oeuvres signées avec cette grafía, dans les documents officiels liés avec son activité que se sont conservé jusqu'à aujourd'hui, le peintre apparaît nommé avec la grafía originale "Rembrant". De n'importe quelle façon, cette chronologie tracée s'expédie principalement à ses peintures, et en moindre degré à ses enregistrés; depuis 1632, il seulement existe un enregistré avec la signatura "RHL-v. Rijn", La "Resurección de Lázaro" B 73, de grand format.[74] Cette pratique de signer son travail avec son nom propre, suivis siècles plus tard par Vincent vont Gogh, lui est venu probablement inspirée par Rafael, Léonard de Vinci ou Miguel Ángel qui, comme est su, ils s'ont toujours connu par son nom.[75]

Hypothèse optique

dans un article publié récemment,[76] La professeur Margaret S. Livingstone, Du département de neurobiología de la Université d'Harvard, suggère que Rembrandt, dont les yeux étaient incapables de se aligner correctement, subissait estrabismo. Ce constat, extraite après l'étude de 36 autorretratos du peintre, vise que l'incapacité d'établir une image normale moyennant vision binocular a causé que son cerveau "il réduisît" l'image à un seul oeil. Cette incapacité lui a pu y avoir été utile à l'heure de "aplanir" les images qu'il voyait et les déplacer à un support bidimensional comme le lienzo. Selon des mots de Livingstone, pourrait s'avoir converti dans un grand monsieur pour un peintre comme il, donc effectivement "les professeurs d'art ont l'habitude de conseiller à ses étudiants que ferment un oeil pour aplanir l'image qu'ils voient. De cette manière, l'estrabismo peut être n'autant un désavantage, comme une bénéfice pour des déterminés artistes". De n'importe quelle façon, un des grands mérites de la peinture de Rembrandt est l'habilité pour créer volumes tridimensionales, un aperçu pour laquelle, peut-être, serait nécessaire une vision estereoscópica normale.

Galerie

Voyez-vous aussi: Annexe:Oeuvres de Rembrandt vont Rijn

Autorretratos

Rembrandt acte 1627.jpg

Le jeune Rembrandt (22ans), claroscuro (près 1628).
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Rembrandt en 1632, dans son époque de majeure renommée comme retratista.
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Déguisé, en le "Autorretrato comme noble oriental avec un Kris". Enregistré de 1634.
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"Autorretrato Soutenu en l'antepecho de la fenêtre", enregistré de 1639.
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En 1640 en habillant vêtements anciens.
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Peint à Vienne, autour de 1655 (détail).
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Avec un mouchoir blanc à la tête -symbole de sa profession- en 1661.
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L'an de son décès en 1669, vieilli et de grande profondeur psychologique.

Autres oeuvres

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Le peintre dans son étude, 1629
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Andromède, c. 1629
Rembrandt Harmenszoon vont Rijn - Bust of an Old Man in à Fur Cap.JPG

Busto D'un vieux avec un yelmo, 1630

Le filósofo en méditation, 1632
Johannes Wtenbogaert by Rembrandt vont Rijn.jpg

Portrait de Johannes Wtenbogaert, 1633.

Abraham et Isaac, 1634
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Descendimiento de la croix. 1634.
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Artemisa, 1634
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Saskia Comme Flore, 1635
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Rembrandt et Saskia en posant en Le fils pródigo dans la taverne, 1635.
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Le festín de Belshassar, 1636-8
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Tobías Et l'ange, 1637
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Christ Ressuscité s'apparaît à María la Magdalena, 1638
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Le buey desollado, version de 1643.
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Le moulin, 1648

Femme en se baignant, la modèle a été Hendrickje, 1654
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Le bain de Bathsheba, aussi Hendrickje, 1654
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Portrait de Jan Six, 1654. Un riche ami de Rembrandt.

Alexandre le Grand, 1655
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La conspiration de Claudius Civilis (seccionado), 1661-62
Rembrandt La fiancée judia 1667.jpg

La novía juive, 1666.
Rembrandt Harmensz. Ils vont Rijn 125.jpg

Le retour du fils pródigo, sur 1669

Notes

thumb|240px|Rembrandt a été un consumé dibujante en se conservant beaucoup de de ses dessins. Dans ce lion résolu avec des traits rapides réussit transmettre l'attentive attente du chasseur.

Dans le dessin de cet éléphant avec l'unique ressource du charbon reproduit magistralement la texture de sa peau.

Références

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  • Modèle:Rendez-vous livre
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  • Clark, Kenneth, Civilisation, Harper & Row, 1969.
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  • Gombrich, Et.H., The Story of Art, Phaidon, 1995. ISBN 0-7148-3355-X
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Bibliografía

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