Rococó

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Le Rococó est un mouvement artistique né en France, que se développe de forme progressive entre les ans 1730 et 1770.

Le Rococó se définit par le goût par les couleurs lumineux, douces et clairières. Predominan Les formes inspirées dans la nature, dans la mythologie, dans la beauté des corps nus, dans le art oriental et spécialement dans les thèmes galantes et affectueux. Il est un art basiquement mundano, sans des influences religieuses, que traite des thèmes de la vie quotidienne et des relations humaines. Il est un style qu'il cherche refléter ce que il est plaisant, refinado, exótico et sensuel.

Sommaire 1 Contexte historique et social 1.1 Du Baroque au Rococó 1.2 Développement et extension 1.3 Baisse 2 Le Rococó appliqué à l'art 2.1 Meubles et objets decorativos pendant la période Rococó 2.2 Architecture 2.3 Peinture 2.4 Sculpture 2.5 Musique 3 Le Rococó en France 3.1 Meubles 3.2 Architecture 3.3 Sculpture et objets de porcelaine 4 Le Rococó en Italie 4.1 Architecture 4.2 Peinture 4.3 Sculpture 5 Le Rococó en Espagne 5.1 Architecture et sculpture 5.2 Taille en bois 5.3 Peinture 6 Le Rococó et l'Église catholique 7 Bibliografía 8 Voyez-vous aussi 9 Tu raccordes externes

Contexte historique et social

Son précédent se situe dans les débuts du siècle XVIII en coïncidant avec la regencia de Felipe d'Orléans, lorsqu'ont commencé les timides changements qu'ils annonçaient la fin du style je tarde baroque et son évolution vers l'expression d'un goût un plus contemporain, indépendant et hedonista, contrapuesto à l'art officiel, inflexible et ostentoso du régné de Luis XIV. La transition du Rococó, aussi connu comme le «style Luis XV», à des nouvelles formes et des expressions artistiques, a commencé vers le 1720. Les excavations entre 1738 et 1748 de Pompéi et Herculano et sa divulgation ont réveillé une véritable fascination par le «goût à la grecque», embryon duquel, une fois consolidé, nous connaîtrions comme Neoclasicismo et que coïncide avec le régné de Luis XVI.

Ce style, appelé dans son temps «du goût moderne», a été méprisé par ses critiques et détracteurs neoclasicistas avec le mot Rococó, qu'est une composition de «rocaille» (pierre) et «coquille» (coquille marine), puisque dans les premières créations du nouveau style apparaissaient formes irrégulières inspirées en des roches marines, algues et coquilles. Autres versions cherchent l'origine en rocaille, un type d'ornementation des decoradores de grottes des jardins baroques et que se distinguait par son profuso ensortijamiento. Malgré l'intention peyorativa de cette dénomination, que peu d'historiens actuels encore soutiennent, le Rococó est un exemple de comment l'art est l'immédiate expression de la vie sociale et de comment un style se fait à mesure de l'individu, de comment les logements et les objets ils se dessinent pour les hommes et ne seulement pour des dieux et des monarques.

Le style s'exprime surtout dans la peinture, le décor, les meubles, la mode et en la création et production d'objets. Sa présence en la architecture et la sculpture est moindre, puisque son milieu naturel ils vont être, fondamentalement, les messieurs intérieurs et en moindre degré les compositions monumentales.

Du Baroque au Rococó

Pendant le régné de Luis XV, la vie de la cour se maintient dans le palais de Versailles, en étendant le changement artistique du palais réel et ils permettent sa diffusion à toute la grande société française. La délicatesse et la joie des motifs Rococó ont été vus souvent comme un réaction aux excès du régime de Luis XIV.

Si le Baroque était au service du pouvoir absolutista, le Rococó est au service de la aristocracia et la bourgeoisie. L'artiste laisse d'être un serveur du pouvoir et il travaille avec plus de liberté et il s'entame le marché de l'art. Le Rococó se présente comme un art au service du confort, le luxe et la fête. Les scènes de sa peinture ramassent ce nouveau style de vie, et l'architecture se transforme et il se modifie la forme d'habiter.

Quant au versant social, s'entame un changement dans le papier de la femme, que se convertit en organisatrice de réunions pour parler de littérature, politique, jeux de génie ou pour danser. Cet environnement de grande activité sociale dedans la grande bourgeoisie est le lieu approprié pour que les artistes se promouvez et faites des clients. Les motifs du Rococó cherchent reproduire le sentiment typique de la vie aristocrática, libre de préoccupations, ou de roman léger, plus que batailles héroïques ou figures religieuses.

Développement et extension

[[j'Archive:Gau1878.jpg|thumb|230px|Intérieur de style Rococó du palais de Gatchina, près Saint-Pétersbourg, en Russie.]] En le développement et extension du nouveau style dedans la société française, a joué un papier clef l'influence de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour et amante du roi. Son intérêt par l'art que, comme supporter, pratiquait conseillée par François Boucher ou Quentin de la Tour, s'a transmis aux classes accommodées de Paris. 1730 A été la période de majeure vitalité et développement du Rococó en France. Le style s'a entamé dans l'architecture et il est arrivé aux meubles, la sculpture et la peinture (d'entre les travaux les plus significatifs, nous trouvons les des artistes Jean-Antoine Watteau et François Boucher). Le style Rococó se diffuse surtout grâce aux artistes français et aux publications de l'époque.

Il a été vite accueilli dans la zone catholique de l'Allemagne, Bohême et l'Autriche, où se fusionne avec le Baroque germánico. En particulier au sud, le Rococó germánico a été appliqué avec enthousiasme dans la construction de maisons et palais; les architectes souvent ornent les intérieurs avec «des nuages» d'estuco blanc.

En Italie, le style tardobarroco de Francesco Borromini et Guarino Guarini évolue vers le Rococó à Turin, Venise, Naples et Sicile, tandis que l'art en la Toscane et à Rome se maintient encore fortement lié au baroque, mais avec ses caractéristiques basiques très marquées.

En Angleterre, le nouveau style a été censé «le goût français par l'art». Les architectes anglais ne suivraient pas l'exemple de ses collègues continental, malgré le fait que la platería, la porcelaine et les soies ont oui été fortement influenciadas par le Rococó. Thomas Chippendale a transformé la création des meubles anglais moyennant l'étude et l'adaptation du nouveau style. William Hogarth a contribué à créer une théorie sur la beauté du Rococó; sans se rapporter intencionadamente au nouveau style, affirmait dans son oeuvre Analyse de la beauté (1753) que la courbe en S présent en le Rococó était la base de la beauté et de la grâce présente dans l'art et dans la nature.

Baisse

La fin du Rococó s'entame autour du 1760, lorsque personnages du niveau de Voltaire et Jacques-François Blondel étendent la critique sur la superficialidad et la degeneración de l'art. Blondel, En particulier, s'a regretté du «stupéfiant mélange de coquilles, dragons, roseaux, paumes et plantes» de l'art contemporain. En 1780 le Rococó laisse d'être de mode en France et il est remplacé par l'ordre et le sérieux du style Neoclásico stimulé par Jacques-Louis David.

Le Rococó s'a maintenu populaire en dehors des grandes capitales et en Italie jusqu'à la deuxième phase du Neoclásico, lorsque le appelé style Empire s'impose grâce à l'impulsion du gouvernement napoleónico.

Un renouvelé intérêt par le Rococó apparaît entre 1820 et 1870. l'Angleterre est la première en revalorar le style Luis XIV, qu'est comme se dénommait erróneamente au début. Avec cette mode, ils se sont arrivés à payer chiffres importants pour acheter objets Rococó de deuxième main que se pouvaient trouver à Paris. En France, seulement artistes important comme Delacroix et mecenas comme la impératrice Eugenia redescubren la valeur de la grâce et de la ligereza appliquée à l'art et à la création.

Le Rococó appliqué à l'art

Meubles et objets decorativos pendant la période Rococó

La thématique légère mais intrincada de la création Rococó s'adapte mieux aux objets de taille réduite que à l'architecture et à la sculpture. il ne surprend pas donc que le Rococó français fût utilisé surtout dans l'intérieur des maisons. Figures de porcelaine, platería et, devant tout, les meubles incorporent l'esthétique du Rococó lorsque la grande société française veut arranger les maisons avec le nouveau style.

Le Rococó apprécie le caractère exótico du art chinois et, en France, s'imite ce style dans la production de porcelaine et vaisselle de table.

Les diseñadores français, comme François de Cuvilliés et Nicholas Pineau, exportan le style à Múnich et Saint-Pétersbourg, tandis que l'allemand Juste-Aurèle Meissonier s'a déplacé à Paris, si il bien faut envisager à Simon-Philippenis Poirier comme le precursor du Rococó à Paris. Le Rococó anglais tiende à être plus modéré. Le diseñador de meubles Thomas Chippendale maintient la ligne courbe mais moins ampulosa que la de le meuble français. Le majeur exposant du Rococó anglais a été, probablement, Thomas Johnson, un sculpteur et proyectista de meubles placé à Londres à intervenus du 1700.

Architecture

[[j'Archive:Stuttgart_SchlossSolitude.jpg|thumb|230px|Palais Solitude (Stuttgart), un exposant de l'architecture Rococó en la la Allemagne meridional.]] Une des caractéristiques du style Rococó sera la marque de différence entre des extérieurs et intérieurs. L'intérieur sera un lieu de fantaisie et colorido tandis que la façade se caractérisera par la simplicité et la simplicidad. Ils s'abandonnent les ordres classiques et les façades des bâtiments se distingueront par être lisas, en ayant, comme beaucoup, quelques molduras pour séparer plantes ou encadrer des portes et des fenêtres. La forme dominante dans les édifications rococós était la circulaire. Un pavillon central, généralement entre deux ailes basses et des courbes et, à condition qu'il était possible, entouré d'un jardin ou un immergé parc naturel. Autres édifications pouvaient prendre la forme de pavillons encadenados, à l'encontre du typique bâtiment «bloc», propre de l'étape antérieure.

Dans ce moment la fenêtre augmente progressivement de mesure, jusqu'à la porte-fenêtre ou «fenêtre-française», en obtenant une relation entre intérieur et extérieur que réussit l'idéale fusion avec la nature, avec le paysage et l'environnement. Ils s'écartent les cadres en angle droit, trop rigides et ils s'adoptent des fenêtres arqueadas. Il s'élimine ou il réduit l'usage de sculptures monumentales, en les limitant à l'ornementation des jardins.

De toute façon, l'aspect le plus remarquable des intérieurs rococós est la distribution interne. Les bâtiments ont des séjours spécialisés pour chaque fonction et une distribution très confortable. Les chambres se dessinent comme un ensemble que, avec une marquée fonctionnalité, ils combinent l'ornementation, couleurs et meubles.

Par sa même nature, ces tendances arquitectónicas ont eu très peu de reflet dans les constructions officielles, allassent laïques ou ecclésiastiques. En revanche, le nouveau style a été parfait pour les résidences de la noblesse et la grande bourgeoisie, les classes les plus anxieuses de changer selon les nouveaux cánones et les plus douées de milieux économiques pour le réussir.

En Allemagne, spécialement à Bavière, le Rococó entre avec beaucoup de force et il surpasse les formules baroques. Il souligne, à différence de la France, la capacité d'adapter le style à des constructions religieuses qu'a réussi le Rococó allemand. Entre les auteurs des oeuvres les plus soulignées nous trouvons à artistes français et allemands comme François de Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann et Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, qu'ont réalisé la préparation de Amalienburg près Múnich, la résidence de Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam, Charlottenburg à Berlin, les Palais d'Augustusburg et Falkenlust en Brühl (la Westphalie), Bruchsal, le Palais Solitude de Stuttgart et Schönbrunn à Vienne.

Peinture

Malgré le fait que le Rococó doit de son origine purement aux arts decorativas, le style a montré son influence aussi dans la peinture, en arrivant à son maximum esplendor dans le décennie de 1730. Cette peinture dois s'appeler proprement comme Peinture Galante et ne comme Peinture Rococó, donc ce terme englobe le contexte esthétique en qu'il se trouvait. Les peintres ont usé couleurs claires et délicates et les formes curvilíneas, décorent les étoffes avec querubines et mythes d'amour. Ses paysages avec des fêtes galantes et pastorales souvent ramassaient mangées sur l'herbe de personnages aristocráticos et aventures affectueuses et cortesanas. Ils s'ont récupérés des personnages mitológicos que s'entremezclan dans les scènes, en les douant de sensualité, joie et fraîcheur.

Le portrait a aussi été populaire entre les peintres rococós, dans celui qui les personnages sont représentés avec beaucoup d'élégance, basée sur l'artificialidad de la vie de palais et des environnements cortesanos, en reflétant une image gentille de la société en transformation.

Jean-Antoine Watteau (1684–1721) est envisagé le plus important peintre rococó, créateur d'un nouveau genre pictural: les «fêtes galantes» (fêtes galantes), avec des scènes imprégnées avec un erotismo lyrique. Watteau, Malgré mourir aux 35 ans a eu une grande influence dans ses successeurs, compris François Boucher (1703–1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732–1806), deux maîtres de la période tardive. Aussi le coup délicat et la sensibilité de Thomas Gainsborough (1727–1788) reflètent l'esprit rococó.

Sculpture

[[j'Archive:Louvre amour arc mr1761.jpg|thumb|rigth|Cupido De Edmé Bouchardon (1750).]] La sculpture est une autre zone en laquelle ils sont intervenu les artistes rococó. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) est envisagé un des meilleurs représentants du rococó français. En général, ce style a été exprimé mieux moyennant la délicate sculpture de porcelaine, plus que avec des statues marmóreas et imposantes. Le même Falconet était directeur d'une fameuse usine de porcelaine en Sèvres. Les motifs affectueux et gais sont représentés dans la sculpture, ainsi que la nature et la ligne courbe et asymétrique.

Le diseñador Edmé Bouchardon a représenté à Cupido en coupant ses dardos d'amour avec le garrote de Hercule, un symbole excellent du style Rococó. Le semidiós est transformé dans un enfant tendre, le garrote que casse os il se transforme en des flèches que frappent le coeur, au moment où le marbre est substitué par le estuco. Dans cette période nous pouvons mentionner aux sculpteurs français Jean-Baptiste Lemoyne, Robert lui Lorrain, Michel Clodion et Pigalle.

Musique

Le style galante a été l'équivalent du Rococó dans la histoire de la musique, situé entre la musique baroque et la musique classique, et n'est pas facile définir ce concept avec des mots. La musique rococó s'a développé au marge de la musique baroque, particulièrement en France. Peut être censée une musique très intimista réalisée de forme extrêmement refinada. Entre les maximums exposants de ce courant il se peut citer à Jean Philippe Rameau et Carl Philipp Emanuel Bach.

Le Rococó en France

la France est la cuna du style et depuis ici s'étend au reste de l'Europe, spécialement aux pays de langue germánica où acquiert une force extraordinaire, en raison des fortes relations de Federico II de la Prusse avec la couronne de la France.

Meubles

La création de meubles est la principale activité de toute une dinastía de ebanistas parisiens, quelqu'un desquels était né en Allemagne, qu'ils développent un style de ligne courbe en trois dimensions, où les surfaces embarnizadas se complétaient avec marquetería de bronze. La facture de ces oeuvres correspond, majoritairement, à Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Françoise Oeben et Bernard vont Risen Burgh.

En France le style se maintient très sobre, puisque les ornamentos, principalement de bois, étaient moins de massifs et ils se présentaient comme des compositions de motifs florales, scènes, masques grotesques, peintures et incrustations de pierre.

La tapisserie a été un chapitre important pour réussir confort dans le meuble. Les sièges sont arrivé à des cotes de confort inimaginables peu d'ans avant. La tendance générale en faveur du luxe et du confort a fait que les cortesanos et les assidus assistants aux salons pussent maintenant s'asseoir (et même reclinarse et se raidir) dans les réunions, à différence de l'époque antérieure, dans celle qui il avait été obligatoire demeurer de pied par des questions de protocole. Ce nouveau concept du confort et une attitude une plus insouciante à l'égard du corps humain (auquel se permettait en des moments d'intimité evadirse et se livrer de rigides positions), l'inquiétude par développer activités intellectuelles et ludiques dans les espaces privés, il favorise le développement de nouvelles créations de meubles.

Architecture

Avec l'éloignement de la culture des palais de la cour, les constructions caractéristiques de cette époque ont été les maisons éloignées du centre de ville ou au milieu du champ: «folies», «bergeries», «bagatelles» ou «ermitages». En des résidences urbaines, le «hôtel» ou demeure dans la ville, la plante se divise en des unités spatiales relativement petites avec ce que s'obtiennent des milieux spécialisés, de différente mesure selon sa fonction: salon, salle à manger, chambre, antecámara, galerie, cabinet.

De cette forme est apparu une distribution une plus pratique que l'antérieur de «enfilade», maintenant les chambres seraient indépendantes et avec accès individuel. Ils s'ont coupés oblicuamente les coins des chambres pour placer échelles secondaires en les espaces gagnés et ceux-ci s'ont communiqués entre soi moyennant des couloirs, corridors et galeries.

Entre les représentants les plus soulignés nous trouvons à Jean Courtonne et à Robert de Cotte nommé architecte de la cour et que pendant 30 ans est intervenu en la presque totalité des oeuvres importantes qu'ils s'ont faits en France.

Sculpture et objets de porcelaine

la France a occupé un lieu important à la production de porcelaine pendant le siècle XVIII. Il s'a fabriqué en Ruán, Strasbourg, Saint-Cloud, Mennecy, Chantilly et en la Manufactura Réelle de porcelaine de Sèvres.

Après quelques débuts difficiles (1741) en Vincennes, la Manufactura Réelle s'a déplacé à Sèvres en 1756. La porcelaine de Sèvres se caractérisait par ses dessins entourés d'ornementation de rocalla sur fond blanc, bien que ce blanc est passé vite à des couleurs de tons très vifs comme le bleu de Roi (posterior au Rococó), le jaune vif, le bleu turquesa, et le rose Pompadour (à partir de 1757), de mode pendant dix ans et que s'a dénommé ainsi que reconnaissance à l'intérêt personnel de Madame Pompadour dans le développement des Manufacturas.

À partir du décennie de 1750 s'a mis de mode le placement de plaques de Sèvres comme décor de meubles petits ou accessoires. Bernard ils vont Risen Burgh a été le premier ebanista connu qu'a décoré ses oeuvres avec des plaques de porcelaine, une pratique qui s'a vite fait populaire. Ils ont été très utilisés par les ebanistas Martin Carlin et Weisweiler.

Le Rococó en Italie

thumb|230px|Le palais de Stupinigi. Les Guerres Italiennes ont eu comme résulté l'hégémonie du pouvoir espagnol sur l'Italie. Bien que beaucoup d'états, comme par exemple Venise, n'ont pas appartenu à la couronne espagnole, l'Italie a dépis de l'Espagne pour recevoir protection des agressions externes. Le contrôle de l'Espagne a été remplacé avec l'hégémonie austriaca dans le siècle XVIII à exception de quelques peu d'états qu'ont demeuré sous le contrôle espagnol.

Aussi en Italie, en suivant l'exemple français, a créé le Rococó une notable rénovation, surtout dans le secteur du décor d'intérieurs et dans la peinture. Il s'a donné surtout dans la région du nord (Ligurie, le Piémont, Lombardie et Vénétie), alors qu'en la la Italie centrale, par l'influence de l'église, le style ne se développe pas de forme sensible.

En revanche à Sicile il s'a développé une évolution du baroque de caractère propre, de goût plus españolizante, très similaire au plateresco.

Architecture

thumb|230px|Salon central de Stupinigi. Les majeurs représentants style rococó dans l'architecture italienne sont Guarino Guarini, très actif en le le Piémont et à Messine, et Filippo Juvarra que travaille beaucoup à Turin comme architecte de la maison de Savoie.

Les oeuvres les plus importantes de Guarino Guarini sont: l'église de San Filippo, l'église des Pères Somaschi et la maison des pères teatinos, toutes à Messine, la chapelle du Saint Sudario à Turin et le palais Carignano aussi à Turin.

Entre les réalisations les plus importantes de Filippo Juvarra avons: le dôme de la Basilique de Sainte Andrea à Mantoue, le dôme de la cathédrale de Comme, le campanario de la cathédrale de Belluno, la basilique de Superga près Turin, le château de Rívoli, l'hôtel particulier de chasse à Stupinigi, le Palais Réel de Venaria Reale et le palais Madama à Turin.

Peinture

[[j'Archive:Canaletto (II) 023.jpg|thumb|230px|Place de San Cadres, Canaletto (1723).]]

Dans le champ de la peinture, les majeurs interprètes du Rococó se peuvent envisager les artistes qu'ils ont travaillé dans la République de Venise, en soulignant les grands paysages détaillants avec des représentations des principaux espaces de la ville: les chaînes, la place de San je Marque et le Palais Ducal, en suivant le courant appel veduta.

Entre les figures les plus importantes à envisager nous trouvons: Giovanni Battista Tiepolo de qui souligne le Portrait d'Antonio Riccobono, San Rocco et Hercule suffoque à Anteo. Tiepolo Est passé quatre ans en Wurzburgo avant de revenir à Venise et a enfin été à travailler à Madrid, à la cour de Carlos III, ville dans laquelle est mort enfin. Giovanni Antonio Chaîne, connu comme Canaletto, qu'a réalisé des oeuvres entre autrui: Place de San Cadres, San Cristobal, San Miguel et Murano, Les chevaux de San Cadres dans la place, Le champ de Rialto à Venise et Promenade fluvial avec colonne et arc de triomphe. Canaletto A aussi travaillé en Angleterre mais sans arriver à l'esplendor des paysages de sa ville natale. Francesco Guardi, avec un style au coup, représente avec ses paysages plus difuminados et obscurs la République qui s'effondre, en réalisant près huit cents soixante oeuvres entre lesquelles soulignent Miracle d'un saint dominico, Concert dans le Casino des Filarmonici et La Charité.

Sculpture

dans le secteur de la sculpture, le plus pauvre dans cette période, se distingue Giacomo Serpotta que, surtout en Palermo, a réalisé des oeuvres pour diverse églises de la ville, entre celles qui nous pouvons citer les oratorios de Ville Sainte, de Saint-Laurent et du Rosaire à Saint-Domingue et l'église de saint François d'Assise. Il se peut envisager que quelques sculpteurs qui ont réalisé sources à Rome et dans le palais de Caserta s'ont inspirés dans le style Rococó.

Le Rococó en Espagne

L'évolution du Baroque vers le recargamiento ornamental engendró en Espagne le style Churrigueresco, dans certaine façon apparenté avec le Rococó, mais de racine autóctona: José Benito Churriguera (1665-1725), architecte et sculpteur espagnol, et ses frères Joaquín et Alberto, aussi artistes qui ont cultivé le même style, lui ont donnés nom.

Avec tout, le nouveau style n'est pas arrivé à se diffuser trop, par être elitista et être éloigné des thèmes religieux.

Architecture et sculpture

[[j'Archive:Cadizcathedral.jpg|thumb|230px|La façade de la cathédrale nouvelle de Cadix, l'Espagne.]] Ce style, reflété surtout dans l'architecture et dans les retables, n'est pas allé exclusivement de la famille Churriguera, mais qu'ont aussi souligné autres artistes, comme Pedro de Rive, qu'a travaillé à Madrid en bâtissant l'ancien hospicio de San Fernando (1722–1729, aujourd'hui Musée Municipal), la caserne du Conde Duc (1720) et le pont de Tolède (1723–1724). à Madrid nous aussi trouvons des beaux exemples du rococó dans le Palais Réel, commandé bâtir par Felipe V en 1738,comme le soberbio Salon de Gasparini et le Salon de Porcelaine, bien que celui-ci dernier déjà annonce la sérénité de l'incipiente neoclásico. Dans le même Palais Réel nous trouvons le Salon du Trône, un impressionant ensemble avec beaucoup d'exemples de meubles rococó comme les douze miroirs monumentaux accompagnés de ses correspondantes consoles et le Trône Réel. Aussi dans la capitale de l'Espagne se trouve un autre intéressant conjoint rococó dans l'église des Salesas Réels commandée bâtir par la reine Barbare de Bragance en 1750. à Aranjuez, aussi à Madrid, nous trouvons une pièce unique dans le Salon de Porcelaine du Palais Réel, profusamente décoré au temps de Carlos III avec des motifs chinescos très du goût par l'orientalizante et exótico du rococó. à Tolède il a travaillé Narciso ai Pris et à Séville Leonardo de Figueroa, un architecte et decorador très diestro qu'a fait la couverture du palais de San Telmo (1724–1734). Francisco Hurtado Izquierdo a réalisé les sagrarios de la cathédrale de la Grenade (1704) et de la cartuja du Paular (Madrid, 1718). Dans la communauté Valencienne souligne le palais du Marqués de Deux Eaux (1740–1744) de Valence, remodelado par Hipólito Rovira, et dans la région de Murcie la façade de la cathédrale de Murcie (1741–1792), du valencien Jaime Bort. En Galice il y a que citer la grande façade du Obradoiro (1738–1749), de Fernando Maries et Novoa.

Coexistiendo Avec ce posbarroco autóctono, le Rococó français est arrivé à la cour de Felipe V à travers ses épouses. il n'est pas arrivé à se diffuser trop, par être un style elitista et être éloigné des thèmes religieux. En architecture, un clair exemple de Rococó en Espagne est la Cathédrale de Cadix.

Taille en bois

Le murcien Francisco Salzillo s'a inspiré dans les formes délicates du Rococó; il aussi peut se comprendre à Francisco Hurtado Izquierdo, à qui nous avons aussi vu comme architecte du Churrigueresco.

Peinture

Comme des peintres du Rococó espagnols soulignent Luis Meléndez et Luis Paret; Giovanni Battista Tiepolo a travaillé aussi en Espagne je joins à Mengs.

aussi souligner l'oeuvre picturale de Antoni Viladomat i Manalt et de Francesc Tramulles Roig, discípulo de Viladomat et moins connu en raison du caractère éphémère de son oeuvre. Francesc Pla, connu comme «le Vigatà», a montré une légère influence du Rococó dans les peintures du Palais Mouille de Barcelone, si bien le reste de son oeuvre y a que la placer dedans le style baroque.

Le Rococó et l'Église catholique

Une vision critique du Rococó dans le contexte ecclésiastique a été soutenue dans la Encyclopédie catholique. Pour l'église, le style Rococó se pouvait assimiler à la musique profane, contrapuesta à la musique sacra. Le manque de simplicidad, l'exterioridad et la frivolidad avaient l'effet de distraire du recogimiento et de la plegaria.

Avec tout, éliminée son exterioridad plus explicite, le résultat a pu être accepté comme en consonance avec un environnement consacré au culte. Dans le développement du Rococó, trouvons un décor compatible avec l'aspect sacré des églises.

Les artistes français semblent n'y avoir envisagé jamais la beauté de la composition de l'objet principal, alors que les allemands ils font de la puissance des lignes sa caractéristique principale. Dans l'intérieur des églises, le Rococó a pu être toléré, étant donné que les objets étaient petits comme un verre, une mesita d'un coeur, une lumière, une rambarde ou une balaustrada et n'étaient pas trop évidentes à vue. Il résulte être plus en consonance en la sacristía et en des environnements ne proprement de culte, plus que dans l'église proprement dite. Le style Rococó s'adapte très mauvais au métier solennel de la fonction religieuse, avec le tabernáculo, le autel ou le púlpito.

Dans le cas de grands objets, la sculpture rococó résulte belle, mais il à la fois se trouve une apparence avec le baroque. Les éléments fantasiosos de ce style ne s'adaptent pas aux grands murs des églises. De toute façon, tout il doit être d'après la situation locale et les circonstances. Il y a des pièces du Rococó authentiquement belles, alors que quelques autres ne répondent pas aux cánones et essaient s'assimiler à des objets sacros.

Entre les matériels utilisés dans le style Rococó figurent le bois coupé, le fer et le bronze, utilisé dans la construction de balaustradas et portales. Un élément distinctif est le doré qu'il couvre les froids matériels espèces, plus acceptables pour l'implantation en des environnements ne profanos.

Bibliografía

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• Àgueda Viñamata, Le Rococó, Ed. Montesions, Barcelone 1987.

Voyez-vous aussi

• Cathédrale de Murcie
• Cathédrale de Cadix

Tu raccordes externes

Commons

• Wikimedia Commons Héberge contenu multimédia sur Rococó.
• Description du Rococó et comparaison avec le Baroque (en anglais)

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