Théâtre (art escénico)

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Le théâtre (du grec θέατρον theatrón 'lieu pour contempler') est la branche du art escénico liée avec l'action, que représente des histoires face à une audience en usant une combinaison de discours, gestes, escenografía, musique, son et spectacle. Il est aussi le genre littéraire qui comprend les oeuvres conçues pour un plateau, devant un public. Le Jour du Théâtre se célèbre le 27 mars.

En addition à la narrative commune, le style de dialogue, le théâtre aussi prend autres formes comme le opéra, le ballet, le opéra chinois et la pantomima.

Sommaire 1 Approximation historique 1.1 l'Afrique 1.2 Ancien l'Égypte 1.3 la Grèce et Rome 1.3.1 Théâtre romano 1.4 Civilisations américaines 1.5 Civilisations orientales 1.6 Âge Moyen européenne 1.7 Renaissance 1.7.1 Théâtre en Italie 1.7.2 l'Angleterre: Le Théâtre Isabelino 1.7.3 l'Espagne: Les Corrales de Comédies 1.8 Baroque et Neoclasicismo 1.9 Théâtre Moderne 2 Éléments basiques 2.1 Texte 2.2 Direction 2.3 Action 2.4 Autres éléments 3 Voyez-vous aussi 4 Tu raccordes externes

Approximation historique

La plupart des études ils envisagent que les origines du théâtre doivent se chercher dans l'évolution des rituels magiques liés avec la chasse, de même que les peintures rupestres, ou la recolección agricole que, après l'introduction de la musique et la danse, s'embocaron en des véritables cérémonies dramatiques où se rendait culte aux dieux et s'exprimaient les principes spirituels de la communauté. Ce caractère de manifestation sacrée résulte un facteur commun à l'apparition du théâtre en toutes les civilisations.

l'Afrique

Le théâtre africain, entre tradition et histoire, s'est encauzando actuellement par des nouvelles voies. Tout predispone en Afrique au théâtre. Le sens du rythme et de la mímica, les supporters par le mot et la verborrea sont des qualités que tous les africains partagent en majeur ou moindre mesure et qu'ils font d'ils acteurs natos. La vie quotidienne des africains passe au rythme de variées cérémonies, rituelles ou religieuses, conçues et habitées généralement comme des véritables spectacles. Cependant, bien que l'Afrique a connu depuis toujours ce type de cérémonies, rentre se demander si il se traitait réellement de théâtre; aux yeux de beaucoup de, ces spectacles sont trop chargés de signification religieux pour que puissent s'envisager comme telle. Autrui ils estiment que les types de théâtre africains gardent vrai semblé, comme au temps jadis la tragédie grecque, comme un preteatro que n'arrivât jamais totalement à être théâtre sinon se desacraliza. La force et les possibilités de survivance du théâtre noir ils résideront, donc, dans sa capacité pour conserver sa spécificité. En le la Afrique indépendante est en train de prendre il forme un nouveau théâtre.

Nouveau Théâtre: il S'agit d'un théâtre engagé, même militant, conçu pour défendre la identité d'un village qu'a remporté sa indépendance.

Théâtre d'Avant-garde: il S'oriente actuellement vers une recherche sur le papier d'acteur, prochaine à la de Jerzy Grotowski et son théâtre laboratoire. Ainsi, à Libreville, le Gabon, s'a formé en 1970 un théâtre vanguardista que réalise deux spectacles qu'ils ont laissé une empreinte perdurable dans les jeunes générations de comediantes. Une autre voie de recherche est le théâtre de silence, créé par François Rosira, dont la fin était réaliser des spectacles dans lesquels le chant, le recitado, la musique et la danse se complètent en parfaite harmonie.

Ancien l'Égypte

En Ancien l'Égypte, à intervenus du deuxième millénaire avant de l'âge chrétien, ils se représentaient déjà des drames sur la mort et résurrection de Osiris. Il se commence le théâtre par l'intermédiaire de masques et dramatisations avec elles.

la Grèce et Rome

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Sophocle

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Les racines en des rites órficos et dans les festivals célébrés pour Dioniso, où se menaient à terme les escenificaciones de la vie des dieux accompagnées de danses et chants (Ditirambos). ils plus ont tard commencé les premières représentations déjà proprement dramatiques, exécutées dans les places des villages par des compagnies que comprenaient seulement un acteur et un coeur. À des fins du Siècle VI à.C il a obtenu extraordinaire célébrité le légendaire poète et interprète Tespis, dans dont honneur la phrase le char de Tespis fait allusion à, encore aujourd'hui, à l'ensemble du monde du théâtre.

Le théâtre grec surgit après l'évolution des arts et cérémonies grecques comme la fête de la vendimia (offerte à Dionisios) où les jeunes allaient en dansant et en chantant vers le temple du dieu, à lui offrir les meilleures vides. Après un jeune qui est ressorti entre le groupe de jeunes s'a transformé en le Corifeo ou maître du coeur, qui a dirigé au groupe. Avec le temps ils sont apparu le bardo et le rapsoda, qu'étaient recitadores.

Dans le cours du Siècle V à. C., Pendant l'âge classique de la Grèce, ils s'ont établis les modèles traditionnels de la tragédie et la comédie, et les dramaturgos Eschyle et Sophocle ont ajouté respectivement une seconde et troisième acteur à l'action, ce que a donné à celle-ci une complexité qui faisait nécessaire la création de majeurs plateaus. Pour cela ils s'ont érigés des grands théâtres de pierre, entre ceux qui rentre citer l'encore conservé de Epidauro dans le siècle V à. C., Capable d'héberger quelques 12.000 personnes, et le de Dioniso, à Athènes, dans le siècle IV À.C. Sa construction se réalisait moyennant l'exploitation des jupes d'une colline, où ils se disposaient en forme semicircular les degrés qui entouraient la orquestra, espace circuler dans lequel il s'effectuait la majeure part de de la représentation. Après la orquestra se levait une édification appelée skené, scène, destinée à que les acteurs changeassent son habillement. Devant elle se levait un mur columnada, le proscenio, que pouvait soutenir des surfaces peintes qu'ils évoquaient le lieu de l'action. Ces décorés, je joins avec les tuniques et des masques employés par les acteurs et quelques machines rudimentaires, constituaient tout l'appareil escénico.

Les représentations du théâtre grec se faisaient à l'air libre, racontait avec coeur (dirigé par le Corifeo ou maître du coeur) que chantait [le coeur] et il dansait autour d'un autel. Dans le théâtre grec ils se représentaient deux types d'oeuvres: la tragédie, oeuvre dramatique de fin malheureux qu'agissait de de les thèmes de légendes héroïques et il utilisait, oportunamente, aux dieux pour sa fin, et la comédie satirique, que critiquait humorísticamente à des politiques et aux oeuvres et commettaient une mímica initiée par un coeur de sátiros, et comédies qui avaient par thème sujets de la vie quotidienne; toutes étaient écrites en vers et utilisaient des masques.

Théâtre romano

Les théâtres romanos ont hérité les traits fondamentaux des grecs, si ont bien introduit certains éléments distinctifs. Bâtis initialement en bois, seulement dans l'an 52 à. C. Pompée, a érigé à Rome le premier en pierre. À différence de ses modèles helénicos, se levaient sur le sol plat et ils possédaient diverse plantes érigées en mampostería. Avec objet d'améliorer l'acoustique, les architectes romanos ont réduit l'orquestra à un semicírculo, et les spectacles se présentaient sur une plate-forme, le pulpitum, levée devant l'ancienne skene que constitue l'origine des modernes plateaus. La frons scaenae était une façade monumentale de divers appartements, qu'il servait de fond de plateau. Le graderío (cávea) se divise en 3 parts: Ima, moyenne et somme , en se plaçant la première dans la zone inférieure où s'asseyaient les sénateurs et la classe dirigeante; en restant établis en la supérieure les femmes et les esclaves et dans la moyenne le village llano. L'ensemble pouvait se couvrir avec un velum. Rome a opté aussi par la comédie, puisque ceux-ci ils ont pris le théâtre comme une façon de se amuser ou entretenerse.

Civilisations américaines

dans les cultures américaines prehispánicas le théâtre est arrivé à acquérir un notable développement, particulièrement entre les mayas, une des oeuvres les plus représentatives du théâtre maya est le drame quiche Rabinal Achí le théâtre maya se trouvait partiellement lié aux cycles agricoles et à l'epica de ses événements historiques, et entre les aztecas et Incas, sociétés qu'en correspondance avec sa structure teocrática ont donné à ses activités théâtrales une nuance eminentemente guerrier et religieux.

Civilisations orientales

Les manifestations dramatiques en Asie se remontent à des époques antiquísimas. En Chine ils se pratiquaient déjà, sous la forme de poèmes escenificados, à des fins du deuxième millénaire avant de l'ère chrétienne. En la l'Inde son apparition a été posterior, mais le fait de que en le Mahabhárata, poème épique qui a acquis sa forme définitive vers le siècle IV à. C., Il se mentionne spécifiquement cet art il révèle l'existence de lointaines formes théâtrales liées avec les croyances védicas. Le caractère marcadamente rituel et symbolique du théâtre oriental qu'a déterminé un rôle principal de la musique et il la danse très supérieure à l'occidentale, a marqué également en Japon, le développement du théâtre 能, en espagnol appelé Nō surgi dans le siècle XV, de celui qui deux centurias plus a tard feuillé le 歌舞伎 ou kabuki, le plus populaire, et basé surtout dans la capacité des interprètes, et dans l'appellation aux sens plutôt que à l'intelecto.

Âge Moyen européenne

Après des siècles d'oubli, la récupération du théâtre en Occident il a eu principal soutien en le clero, que l'a employé avec des fins didácticos. Ainsi, depuis le siècle XI, a été habituel la représentation dans les églises de mystères et moralités, dont l'objet était présenter de forme simple la doctrine chrétienne aux fidèles. À fin de faciliter la compréhension, le latin a cédé pas lentement aux langues vernáculas, et dans les siècles XIII et XIV, autant les pièces religieuses comme les florissantes farses profanes ils ont commencé à se représenter.

Renaissance

L'eclosión du Renaissance en Italie a eu des conséquences décisives sur l'évolution du théâtre, donc, au surgir une production dramatique de caractère culte, inspirée dans les modèles classiques et destinées aux classes aristocráticas, s'a généralisé au cours du siècle XVI la construction de salles couvertes et douées de majeurs conforts.

Théâtre en Italie

Comme d'abord des théâtres modernes il a l'habitude de se citer le Olympique de Vicenza, dessiné par Andrea Palladio et terminé en 1585, que constituait une version des modèles romanos et présentait, au fond du plateau, une perspective tridimensional avec des vues urbaines. Le modèle classique du théâtre italien, en vigueur en beaucoup d'aspects, a été cependant le théâtre Farnese de Parme, érigé en 1618, dont la structure comprenait le plateau, encadré par un arc proscenio et séparé du public par un rideau, et une platea en forme d'herradura entourée par divers appartements de galeries. Pendant ce temps il s'a développé aussi en Italie une forme de théâtre populaire, la comédie de l'art, qu'avec son accent dans la liberté d'improvisation de l'acteur a donné une grande avance à la technique interpretativa.

l'Angleterre: Le Théâtre Isabelino

Très différents ont été les théâtres érigés en Angleterre pendant le régné de Isabel I de l'Angleterre, époque d'exceptionnelle esplendor du genre dramatique, entre ceux qui s'a souligné le londonien The Globe où présentait ses oeuvres William Shakespeare. Carentes De plafond et bâtis de bois, son trait son plus caractéristique était le plateau élevé rectangular, autour du comme le public entourait aux acteurs par trois côtés, tandis que les galeries se réservaient pour la noblesse.

l'Espagne: Les Corrales de Comédies

En Espagne, et dans la même époque que le théâtre Isabelino en Angleterre (siècles XVI et XVII) se créent des installations fixes pour le théâtre à l'air libre dénommées Corrales de Comédies, avec celles qui gardent des similitudes constructives. À différence du cas anglais, en Espagne si ont pervivido quelques exemples de ces édifications. Exposants de cette époque sont les auteurs Lope de Vega, Tirso de Molina et Calderón de la Barque, clairières exposantes de l'important Siècle d'Or espagnol.

Baroque et Neoclasicismo

La démarche des siècles XVII et XVIII a donné lieu à un grand enrichissement de l'escenografía. La récupération par part du drame classique français de la règle des trois unités— action, temps et lieu — a fait superflue la simultaneidad de décorés, avec ce que s'a employé seulement un dans chaque acte, et il s'a bientôt généralisé l'habitude de les changer en les entreactos. Postérieurement, la croissante popularité du opéra, que requérait divers montages, il a avantagé le développement de machines perfectionnées que donnassent majeure apparence de véracité sur le plan telles comme: la disparition d'acteurs et la simulation de vols — les appels "gloires", par exemple ils faisaient possible la descente des hauteurs du plateau d'un nuage que portait aux chanteurs—. Le théâtre de la Scala de Milan, terminé en 1778, constitue un exemple des grandes dimensions qu'étaient précises pour héberger autant au public comme à la tramoya et à l'aparata escénico.

Théâtre Moderne

Pendant la majeure part du siècle XIX les idées arquitectónicas et escenográficas s'ont maintenus en essence inalterables, si bien les exigences de liberté créative initiées par les auteurs romantiques ont conduit à des fins de la centuria à une remise en question générale de l'art dramatique dans ses divers aspects.

Fondamental dans ce sens a été la construction du monumental Festspielhaus de Bayreuth, l'Allemagne, érigé en 1876 d'accord avec les instructions du compositeur Richard Wagner, qu'a constitué la première rupture à l'égard des modèles italiens. Sa création en éventail, avec la platea étagée, l'oscurecimiento de l'auditorie pendant sa représentation et l'emplacement de l'orchestre en un petit foso, étaient des éléments conçus pour centrer l'attention des spectateurs sur l'action et abolir en le possible l'écart entre plateau et public.

Cette exigence d'intégration entre le cadre arquitectónico, la escenografía et la représentation a été accentuée en les derniers decenios du siècle XIX et premiers du XX par la croissante importance accordée à la figure du directeur grâce à des personnalités comme l'allemand Max Reinhardt, auteur de spectaculaires montages, le français André Antoine, adalid du naturalismo, le russe Konstantín Stanislavski, directeur et acteur dont le méthode d'interprétation exercerait grande influence sur le théâtre moderne, ou le escenógrafo britannique Edward Gordon Craig, que dans sa défense d'un théâtre poétique et estilizado a plaidé par la création de plateaus plus simples et dúctiles.

L'apparition du théâtre moderne, donc, s'a caractérisé par son absolue liberté d'exposé moyennant le dialogue avec des formes traditionnelles et les nouvelles possibilités techniques ils donneraient lieu à une singulière transformation de l'art théâtral. Dans le champ de la création arquitectónico et escenográfico les majeures innovations s'ont dus au développement de nouvelles machines et à l'auge acquis par l'art de la illumination, circonstances qui ont permis la création de plateaus doués de majeur plasticidad (circulaires, mobiles, transformables, etc.) Et ils ont libéré au théâtre de l'apparence picturale fournie par la structure classique de l'arc du proscenio.

Éléments basiques

Le théâtre comme s'est pu remarquer, il constitue un tout organique duquel ses différents éléments ils forment une part indisoluble. Ces éléments, cependant, possèdent chacun caractéristiques et lois propres et, en fonction de l'époque, de la personnalité du directeur ou d'autres circonstances, il est habituelle que s'accorde à uns ou autrui majeure importance dedans de l'ensemble.Ces éléments sont:

Texte

Les oeuvres dramatiques s'écrivent en des dialogues et en première personne, dans celui qui existe les actions qu'ils vont entre des parenthèses, (appelé langage acotacional)

Dans la tradition occidentale, le texte, l'oeuvre dramatique, s'est toujours envisagé la pièce essentielle du théâtre, appelé "l'art du mot". Étant donné que, de forme plus nuancée, cette orientation predomina aussi dans les cultures orientales, rentre lorsque moins admettre comme justifiée telle primacía. ils à cet égard doivent se faire, cependant, deux égards: en premier lieu, le texte n'harasse pas le fait théâtral, donc une oeuvre dramatique n'est pas théâtre jusqu'à ce qu'il se représente, ce que implique comme minimum l'élément de l'action; deuxièmement, ils sont nombreuses les formes dramatiques arcaicas et les spectacles modernes que prescinden par complet du mot ou la subordinan à des éléments comme la mímica, l'expression corporal, la danse, la musique, le déploiement escénico.

Le fait de que l'oeuvre seulement acquière plein vigueur dans la représentation détermine en plus le caractère distinctif de l'écriture dramatique à l'égard d'autres genres littéraires. La plupart des grands dramaturgos de tous les temps, depuis les classiques grecs à l'anglais William Shakespeare, le français Molière, l'espagnol Pedro Calderón de la Barque ou l'allemand Bertolt Brecht, ont basé ses créations dans un connaissance direct et profond des ressources escénicos et interpretativos et dans une savante utilisation de ses possibilités.

Direction

La personnalité du directeur comme artiste créatif par droit propre s'a seulement consolidé, d'après il s'a visé antérieurement, à des fins du siècle XIX. Sa figure, de n'importe quelle forme, avait toujours existé, dès que responsable de la coordination des éléments qu'ils représentent, depuis l'escenografía à l'interprétation. À il correspond, en définitive, convertir le texte, si il existe, en théâtre, par l'intermédiaire des procédures que juge précis. Pour induire à la réflexion par les allemands Bertolt Brecht et Erwin Piscator ou l'ascetismo du polonais Jerzy Grotowski

Action

Les techniciennes de action ont énormément varié tout au long de l'histoire et ne toujours de façon uniforme. Dans le théâtre occidental classique, par exemple les grands acteurs, les "monstres sacrés", tendían à souligner les émotions avec objet de souligner le contenu de l'oeuvre, en la commedia dell'arte l'interprète laissait reine il relâche à son instinct; les acteurs japonais du Nō et kabuki, font patents déterminés états d'esprit par l'intermédiaire de gestes symboliques, bien de grand sutileza ou délibérément exagérés.

Dans le théâtre moderne s'est imposé par le général l'orientation naturaliste, en que l'acteur par l'intermédiaire d'acquisition de techniques corporales et psychologiques et de l'étude de soi même et du personnage, procure recrear en scène la personnalité de celui-ci. Telle option, évoluée dans ses traits fondamentaux à partir des enseignements du russe Konstantín Stanislavski et très étendue dans le milieu cinématographique, n'est pas bien entendu l'unique et en dernier bout l'élection d'un style interpretativo dépend de caractéristiques du spectacle et des indications du directeur.

Pourtant, actuellement, à des débuts du siècle XXI, l'action théâtrale avec tendance naturaliste il est en train d'être posée à nouveau sérieusement. La théâtralité contemporaine requiert une critique du naturalismo comme simple reproduction du comportement humain, mais sans des liens avec son environnement. Il a actuellement eu des grandes transformations du travail de Stanislavski en étant les plus importants Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux et Eugenio Barbe. Ces techniciennes, appels actuellement extracotidianas impliquent une complexe synthèse des signes escénicos.

Autres éléments

[[j'Archive:Julia balcony.jpg|thumb|Le balcon de Julieta, à Verone, de l'oeuvre créée par Shakespeare]] De forme stricte, se comprend par décoré à l'environnement en que se développe une représentation dramatique, et par escenografía, à l'art de créer les décorés. Aujourd'hui, tiende à se introduire dans le concept de "appareil escenográfico" à tous les éléments que permettent la création de cet environnement, entre ceux qui rentrerait souligner fondamentalement aux machines ou tramoya et l'illumination.

Dans l'ancienneté, l'escenografía se trouvait conditionnée à des limitations techniques et arquitectónicas, circonstance qui s'a maintenu pendant tout le Âge Moyenne. Il a été déjà à des fins du Renaissance et, surtout, pendant les siècles XVII et XVIII, lorsque la escenografía a commencé à acquérir il rehausse, grâce au perfeccionamiento de la perspective picturale, qu'a permis douer de majeure apparence de profondeur au décoré, et postérieurement au développement des machines théâtrales. Dans le siècle XIX, avec l'introduction du drame réaliste, le décoré s'a converti dans l'élément basique de la représentation. La découverte de la lumière électrique, en fin, a donné pied à l'auge de l'illumination. Les candilejas, qu'en principe étaient un élément accessoire, ils s'envisagent poéticamente un symbole de l'art théâtral.

Étroitement lié avec le conception escénica, s'est toujours trouvé la garde-robe. Dans le théâtre grec, la tosquedad des décorés se compensait par l'intermédiaire de mâchasses —tragiques ou comiques— et les tuniques estilizadas des acteurs, dont l'objet était de ressortir le caractère arquetípico des personnages. Pendant le Baroque et le Neoclasicismo ont acquis importance le maquillage et la garde-robe, si bien celui-ci s'a employé souvent de forme anacrónica — se représentait par exemple une oeuvre ambientada à Rome avec ropajes français du siècle XVII jusqu'à l'apparition du réalisme —. Dans l'actualité, l'élection de la garde-robe n'est pas mais un élément plus dedans du conception général du montage.

Voyez-vous aussi

Tu raccordes externes

Wikiquote

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